Laura Piazzai & Clive Nolan - From The Outside In (2019)

Laura Piazzai & Clive Nolan - From The Outside In (2019)

Pourquoi écouter ce disque ?

On ne présente plus Clive Nolan claviériste émérite aux multiples projets (Arena, Pendragon, Caamora...). Au cours de sa longue et riche carrière, il n'a cessé de valoriser les voix féminines qui en imposent. Parmi celles-ci, impossible de ne pas citer l'Anglaise Tracy Hitchings, la Polonaise Agnieszka Swita, la Galloise Christina Booth ou encore l'Américaine Michelle Young. Cette fois-ci, il s'est associé à Laura Piazzai, chanteuse italienne formée à la soul et au R&B, passée ensuite par la dance music sous le nom de Lory L. En fait, c'est elle qui a contacté Clive pour avoir l'autorisation de reprendre certaines de ses chansons. Enthousiaste, il lui a proposé son aide et tous deux ont sélectionné les treize titres de cet album, From The Outside In. Leur ambition commune était de leur donner une nouvelle vie, de les réinventer. Ils ont pioché aussi bien dans le répertoire de Tracy Hitchings (album From Ignorance To Ecstasy) que du projet Strangers On A Train avec la même Tracy, et de Caamora mené à l'époque conjointement avec Agnieszka Swita. Le résultat est plus qu'honorable, avec un rendu bien rock et percutant. Pour y parvenir, ils se sont entourés de musiciens italiens du groupe de Laura, No Limits, et de musiciens de la galaxie "nolanienne" : Mark Westwood (Shadowland, Caamora), John Jowitt (Arena), Scott Higham (Pendragon), Karl Groom (Shadowland, Strangers On A Train). Andy Sears de Twelfth Night est venu prêter sa voix sur l'excellent Sensing A Presence, en duo avec Laura. Et Clive lui a réservé deux titres inédits taillés sur mesure : Book Of Thoughts et l’époustouflant Whole Again. On ne sait si cette coopération fructueuse se poursuivra ou si elle sera un simple coup d'essai, seul l'avenir nous le dira. Pour le moment, profitons au maximum de ce disque énergique, idéal pour passer l'été et bien au-delà. 

Musiciens

Laura Piazzai : chant

Clive Nolan : claviers, chant

Roberto Barcellini : guitares

Karl Groom : guitares

Oscar Mapelli : guitares

Mark Westwood : guitares

Gokhan Ince : basse

John Jowitt : basse

Sergio Quagliarella : batterie

Scott Higham : batterie

Andy Sears : chant

Titres

01. Beauty And The Beast

02. Shadows

03. From Ignorance To Ecstasy

04. (I Can't) Walk On Water

05. Book Of Thoughts

06. Sacrifice

07. Sensing A Presence

08. (I Can See You) House From Here

09. Murder

10. From The Outside In

11. Closer

12. Whole Again

13. Horizons In Your Eyes

Wappa Gappa - A Myth (1998)

Wappa Gappa - A Myth (1998)

Pourquoi écouter ce disque ?

Direction l'Empire du Soleil levant à la découverte de Wappa Gappa. Fondé en 1992 par le bassiste Keizo Endo, cette formation originale réunit des musiciens professionnels désirant jouer une autre musique que celle imposée par les médias de masse. D'ailleurs, le nom "Wappa Gappa" inventé par le guitariste Yasuhiro Tachibana s'inspire de thèmes relatifs à la liberté, aux chaînes brisées. Deux particularités essentielles font la spécificité de ce groupe. D'une part sa musique exigeante, mélodique et accessible de laquelle se détache la guitare fougueuse de Tachibana. D'autre part le chant féminin en japonnais de Tamami Yamamoto, également parolière. D'aspect irréel évoquant parfois Elisabeth Fraser des Cocteau Twins, sa voix irradie l'ensemble. Ses textes, souvent sombres, trouvent leur inspiration dans les contes et légendes du Japon, ainsi que dans l'observation (pessimiste) du monde actuel. Après un premier opus autoproduit en 1996 et seulement disponible dans leur pays, les musiciens, soutenus par leur producteur Sato-Ken, ont cherché à sortir de leurs frontières. A Myth, leur deuxième disque, est distribué dans le monde entier par le label français spécialiste des musiques progressives Musea. Entrer dans leur univers, c'est ouvrir la porte à un imaginaire insolite et contemplatif. 

Musiciens

Tamami Yamamoto : chant

Yasuhiro Tachibana : guitares

Hideaki Nagaike : claviers

Keizo Endo : basse

Hirishi Mineo : batterie

Titres

01. The Lion Hearted King

02. The Banquet

03. No Mercy

04. The Underground

05. A Myth

06. Pilgrimage Of Water 

07. The One And Only

08. Floating Ice 

Dando Shaft - Dando Shaft (1971)

Dando Shaft - Dando Shaft (1971)

Pourquoi écouter ce disque ?

Côté pochette, on a fait mieux. Côté musique, c'est pas mal du tout. Fondé à la fin des années 60 à Coventry, dans le centre de l'Angleterre, Dando Shaft réunissait à l'origine Martin Jenkins (chant, mandoline, violon, guitares), Kevin Dempsey (guitares), Dave Cooper (chant, guitares), Roger Bullen (basse) et Ted Kay (percussions). Leur nom est inspiré d'un personnage de roman d'un obscur auteur américain. Un "dando" est également le surnom donné aux hommes à la réputation sulfureuse dans les chansons populaires du XIXe siècle. Leur musique folk teintée de prog, psychédélisme et jazz puise son inspiration tant dans leurs contemporains (Sandy Denny, John Martyn, Joni Mitchell, Crosby, Stills & Nash) que dans la musique traditionnelle bulgare, une passion commune. C'est pourquoi, après la sortie de leur premier disque An Evening With Dando Shaft en 1970, la presse musicale à tendance à les comparer à The Incredible String Band. Mais l'arrivée de la chanteuse Polly Bolton l'année suivante redistribue les cartes. Désormais, la référence devient Pentangle alors au sommet de sa gloire. Il faut dire que Polly possède une voix aussi claire et expressive que Jacqui McShee. Repérée grâce à ses concerts donnés avec June Tabor, la jeune chanteuse suit alors des études en zoologie et rêve d'explorer la jungle. Contrairement à Jenkins et Cooper, Dempsey n'est pas un chanteur confirmé, il recherche quelqu'un pour interpréter ses compositions. Linda Peters, future Linda Thompson, a été auditionnée pour la place, mais n'est finalement pas retenue, au profit donc de Polly. Au final, c'est sous la forme d'un sextet que Dando Shaft enregistre son deuxième album en 1971. Pas de reprises ici, ils jouent leurs propres chansons en acoustique, partagées entre trois voix. Polly se révèle sur l'intense River Boat magnifié par une flûte pastorale, un des meilleurs moments du disque, avec l’entraînant Coming Home To Me, le premier morceau, Sometimes chanté par Cooper, et le délicat Till The Morning Comes. 

Musiciens

Polly Bolton : chant

Martin Jenkins : chant, mandoline, violon, violoncelle, flûte, percussions

Kevin Dempsey : chant, guitare, percussions

Dave Cooper : chant, guitare

Roger Bullen : contrebasse, basse

Ted Kay : percussions

Titres

01. Coming Home To Me

02. Railway

03. Whispering Ned

04. Sometimes

05. River Boat

06. Kalyope Driver

07. Waves Upon The Ether

08. Dewet

09. Till The Morning Comes

10. Pass It On

11. Prayer

Magenta - Masters Of Illusion (2020)

Magenta - Masters Of Illusion (2020)

Pourquoi écouter ce disque ?

Qu'il est loin le temps où Christina Booth craignait de poser sa voix sur des morceaux d'une durée variant entre dix et vingt minutes. C'était il y a vingt ans. Son truc à elle, c'était la pop, le rock, bref des chansons courtes, normales quoi. En entrant dans Magenta, elle ne s'imaginait pas qu'elle deviendrait une des chanteuses les plus emblématiques de la scène prog. Iona n'est plus, Landmarq s'est séparé de Tracy Hitchings pour la remplacer par un homme, tandis que Mostly Autumn et Karnataka ont tous deux changés de frontwomen, une fois pour les premiers, on ne compte plus pour les seconds. Avec son huitième opus, Masters Of Illusion, Magenta revient à un prog classique et mélodique, construit autour d'une thématique forte. Car outre sa chanteuse, une des principales particularités du groupe est de proposer des disques conceptuels éloquents. On se souvient du génial Seven inspiré des sept péchés capitaux, ou, plus récemment, de The Twenty Seven Club qui abordait le destin tragique de jeunes chanteurs, tous décédés à l'âge de vingt-sept ans. Masters Of Illusion s'inscrit dans cette continuité en s'intéressant à la vie de six acteurs cultes, spécialisés dans les films d'horreurs des années 50 et 60. Steven Reed, le parolier du groupe et frère du leader Rob, passionné depuis sa plus tendre jeunesse par les films de la Hammer, a élaboré ces histoires inspirées non pas de leurs rôles, mais de leurs vies aux multiples rebondissements. Ainsi, le premier morceau Bela raconte l'apogée puis la déchéance de l'acteur Bela Lugosi, célèbre pour son interprétation du comte Dracula. Au passage, Rob et sa bande opèrent un clin d'œil appuyé au tout premier album Revolutions, sorti il y a tout juste vingt ans. A Gift For God, sur lequel on entend la voix de John Mitchell (Arena, Lonely Robot), s'intéresse à un autre vampire, le regretté Christopher Lee. Lon Chaney Jr, personnage à l'allure inquiétante, mort alcoolique, incarnait à la perfection le rôle du loup-garou (Reach For The Moon). Snow a pour héroïne Ingrid Pitt, inoubliable en comtesse Dracula. Peter Cushing est The Rose (accompagné de Troy Donockley de Nightwish aux uilleann pipes), tandis que la chanson finale The Masters Of Illusion rend un vibrant hommage à l'éternel Vincent Price, celui-là même qui a terrorisé toute une génération en prêtant sa voix au Thriller de Michael Jackson. Cela fait maintenant longtemps que Magenta est passé maître dans son rock progressif recherché, proche de la perfection, baigné des nappes synthétiques de Rob, des guitares lumineuses de Chris Fry, et soutenu par une rythmique impeccable (Dan Nelson à la basse, Jiffy Griffiths à la batterie). Bien entendu, l'atout maître demeure la formidable Christina au chant habité et inimitable, reflétant toute la générosité de sa personnalité. 

Musiciens

Christina Booth : chant

Robert Reed : claviers, mandoline, guitares, chœurs

Chris Fry : guitares

Dan Nelson : basse

Juffy Griffiths : batterie

John Mirchell : chant

Pete Jones : saxophone

Troy Donockley : uilleann pipes

Titres

01. Bela

02. A Gift From God

03. Reach For The Moon

04. Snow

05. The Rose

06. Masters Of Illusion

Collection D'Arnell-Andréa - Exposition: Eaux-Fortes Et Méandres (2007)

Collection D'Arnell-Andréa - Exposition: Eaux-Fortes Et Méandres
(2007)

Pourquoi écouter ce disque ?

Bienvenue dans la toute nouvelle galerie d'art de Collection D'Arnell-Andréa. Vous allez découvrir onze peintures des XIXe et XXe siècles ayant pour thématiques communes la nature, le romantisme et la mélancolie. Chaque œuvre est illustrée par une chanson extraite de l'album Exposition: Eaux-Fortes et Méandres sorti en 2007. Installez-vous confortablement. Laissez une simple lumière tamisée autour de vous. Préparez-vous à laisser votre esprit divaguer, le résultat en sera encore plus confondant. 

01. Les Sombres Plis De L’Âme

 La Neige (1873) Charles-François DAUBIGNY

02.The Monk On The Shore

The Monk On The Shore (1809-1810) Caspar David FRIEDRICH

03. Les Herbes Mortes

Femmes Portant Du Foin Sur Une Civière (vers 1874) Camille PISSARO

04. Les Méandres

Crépuscule Sur La Loire (1999) Richard BOUTIN

05. The Long Shadow

The Long Shadow (around 1805) Johan Heinrich Wilhelm TISCHBEIN

06. I Can’t See Your Face

Twilight Fantasy (1911) Edward Robert HUGHES

07. Les Catacombes

Loire, Tristesse Des Mânes (1988) Nicolas MECHERIKI

08. Into Flowers

Le Printemps (1868-1873) Jean-François MILLET

09. Crowns Of Golden Corn

Le Rappel Des Glaneuses (1839) Jules BRETON

10. L’Eau Des Mauves

Ophélie (1852) John Everett MILLAIS

11. The Island Of The Dead

L’Île Des Morts (1880) Arnold BÖCKLIN

Musiciens

Chloé St Liphard : chant

Jean-Christophe d'Arnell : claviers, batterie, chant

Carine Grieg : claviers

Vincent Magnien : guitares

Franz Torres-Quevedo : basse, chant

Thibault d'Aboville : alto, chant

Xavier Gaschignard : violoncelle

Isgaard - Secret Gaarden (2004)

Isgaard - Secret Gaarden (2004)

Pourquoi écouter ce disque ?

Deux événement cruciaux vont être déterminants dans la vie artistique d'Isgaard. Sa découverte de Kate Bush dans les années 80 qui lui donnera non seulement l'envie de chanter, mais aussi de vivre pleinement cette passion. Celle-ci la conduira à prendre des cours de chant lyrique à Hambourg, puis à participer à plusieurs projets musicaux. En 2000, elle rencontre le producteur, compositeur et musicien Jens Lueck avec qui elle partage la même admiration pour Pink Floyd. Vie privée et vie professionnelle vont se mêler pour donner naissance à toute une série d'albums, tous aussi captivants les uns que les autres. Secret Gaarden est le deuxième de cette collaboration fructueuse. Il fait suite à Golden Key (2003) qui posait les bases d'une pop onirique, accessible et ambitieuse. D'un échelon supérieur, ce disque ouvre encore plus grand les portes du jardin secret de la chanteuse ("garden" orthographié "gaarden" faisant explicitement référence à son prénom d'origine islandaise signifiant "jardin de glace"). Si l'ensemble est un pur délice, tant vocalement que dans les arrangements musicaux, trois moments forts sont à retenir : I Am To Weak porté par de sublimes envolées lyriques, la chanson titre, duo percutant avec le chanteur Galileo aux dimensions opératiques, ainsi que This Is Not America, cover de Bowie aux couleurs dansantes et un brin psychédéliques. 

Musiciens

Isgaard : chant

Jens Lueck : claviers, batterie, chant

Jan Petersen : guitares

Rebecca Thümer : violon

Rodrigo Reichel : violon

Galileo : chant

FrankWollemburg : chant

Titres

01. Dancing On A Magic Trace

02. What Is Found 

03. Man On The Moon 

04. I Am Too Weak 

05. Secret Garden 

06. People Don`t Die

07. Indian Eyes 

08. Nothing But Me 

09. Cry For Freedom 

10. This Is Not America 

11. The End 

12. Longing For Silence

The Ryszard Kramarski Project - Sounds From The Past (2018)

The Ryszard Kramarski Project - Sounds From The Past
(2018)

Pourquoi écouter ce disque ?

Ryszard Kramarski n'en finit pas de revisiter le passé. Perfectionniste dans l'âme, il ne cesse de retravailler ses anciennes compositions, dans le but inavoué d'atteindre la mélodie parfaite (en référence à l'album de Millenium In Search Of The Perfect Melody). En 2010, c'était l'album Reincarnations datant de 2002 qui avait subi des modification. Vocanda (2000) a bénéficié d'une nouvelle version en 2013, et Deja Vu en 2004 était un recyclage de titres du tout premier Millenium ainsi que de la formation antérieure Framauro. En 1998, sous ce nom était sorti Etermedia, album inégal, édité à 500 exemplaires alors. Vingt ans après, Kramarski, riche de son expérience, lui offre une seconde vie. Sounds From The Past reprend la majeure partie de ce disque, adaptée aux temps actuels. Exit la boîte à rythme, bonjour la vraie batterie, la voix masculine est devenue chanteuse sous les traits de Karolina Lesko, et le polonais a cédé sa place à l'anglais. Il aurait semblé logique que Millenium s’attelle à cette tâche, mais Ryszard en a décidé autrement. C'est entouré des musiciens de son projet parallèle The Ryszard Kramarski Project qu'il s'est lancé dans cette aventure. En 2017, ils avaient offert leur version du Petit Prince de Saint-Exupéry. Cette fois-ci, ils se sont intéressés à cette œuvre moins universelle, mais avec l'enthousiasme de débutants. Le résultat est néanmoins très pro, guitares et claviers floydiens sont au rendez-vous pour un retour vers le passé bien sympathique. 

Musiciens

Ryszard Kramarski : claviers, guitare acoustique

Karolina Leszko : chant

Marcin Kruczek : guitares

Paweł Pyzik : basse

Grzegorz Fieber : batterie, percussions

Titres

01. Visionary Of Heaven

02. These All Paparazzis

03. The Technology Trap

04. The Fairly Tales Of A Stranger

05. Welcome To My Channel!

06. Please Stop The Time

07. We Know Nothing

08. Sounds From The Past

Tale Cue - Voices Beyond My Curtain (1991)

Tale Cue - Voices Beyond My Curtain (1991)

Pourquoi écouter ce disque ?

Tale Cue, ou le chaînon manquant entre le Marillion des années Fish et les Grecs de La Tulipe Noire. Fondé à Milan en 1987 autour de Silvio Masanotti (guitares), Giovanni Porpora (claviers) et Laura Basla (chant), Tale Cue est, à l'origine, un groupe spécialisé dans les reprises. L'arrivée du bassiste Davide Vicchione et du batteur Filippo Oggioni lui donne un nouvel élan. En 1989, voit le jour Four Tales, enregistrement de quatre démos, toutes des compositions originales. Repérés par le label français Musea, les cinq musiciens sortent en 1991 leur premier et unique album, Voices Beyond My Curtain. Les six morceaux proposés, d'une durée comprise entre sept et quinze minutes, offrent un néo-prog classique mettant en avant le jeu de guitare ingénieux de Silvio, le seul à faire carrière dans la musique par la suite, ainsi que les claviers luxuriants de Giovanni, soutenus par une solide rythmique. Mais ce qui frappe avant tout, c'est la voix sombre et basse de Laura Basla, idéale pour les histoires étranges qu'elle raconte. On aurait aimé toutefois qu'elle s'exprime dans sa langue natale, l'italien, plutôt que l'anglais, pas toujours très bien maîtrisé. Néanmoins, avec cette voix féminine, Tale Cue fait figure de précurseur dans le mouvement néo-progressif qui, à l'instar du progressif naissant des années 60-70, préfère nettement les chanteurs aux chanteuses, exception faite de Renaissance, Curved Air et quelques autres. A l'aube des années 90, se distinguent Quasar et Strangers On A Train (plus un projet musical qu'un groupe en réalité), tous deux menés par Tracy Hitchings, Iona avec Joanne Hogg, aux tendances plutôt prog-folk celtiques, et donc Tale Cue. Confiant dans cette formation, Musea sélectionnera l’envoûtant Choices, un des meilleurs titres avec Pale Light Of The Morning, pour sa compilation Le Meilleur Du Rock Progressif Européen (1995). Ce morceau sera alors une révélation pour l'auteur de ces lignes, point de départ d'une nouvelle passion que confirmeront Landmarq, Magenta, Karnataka, et Mostly Autumn bien des années plus tard. 

Musiciens

Laura Basla : chant

Silvio Masanotti : guitares

Giovanni Porpora : claviers

Davide Vicchione : basse

Filippo Oggioni : batterie

Lisa De Renzio : flûte

Titres

01. The Knell 

02. Craven Smiles 

03. Prisoner Of Cutting Light 

04. Choices 

05. Flying To Fade

06. Pale Light Of The Morning 

Hölderlin - Hölderlins Traum (1972)

Hölderlin - Hölderlins Traum (1972)

Pourquoi écouter ce disque ?

Fondé en 1970 par les frères Grumbkow, Hölderlin est un groupe allemand proposant une musique bucolique, à la croisée du rock progressif et du folk cosmique. Son nom s'inspire du poète et philosophe romantique Friedrich Hölderlin. Lorsque sort en 1972 son premier album Hölderlins Traum, le groupe rassemble six musiciens, dont la chanteuse néerlandaise, Nanny DeRuig, épouse du guitariste Christian Grumbkow. Sa voix caressante n'est pas sans évoquer les chanteuses britanniques de l'époque tel que Vashti Bunyan ou Bridget St John, de même que la française Françoise Hardy. La musique jouée, douce et rêveuse, se veut avant tout acoustique, mêlant sonorités médiévales (Erwachen), indiennes (Strohhalm) ou encore jazzy (Waren Wir). Cette large palette sonore a été rendue possible grâce à l'emploi ingénieux d'instruments aux horizons divers, allant du Mellotron à la flûte, du sitar au violoncelle, sans oublier le violon, le piano, l'orgue ou les tablas. Ce premier essai est un véritable coup de maître, représentatif du bouillonnement musical de l'Allemagne de ces années-là. Il restera néanmoins sans suite, Nanny quittant le groupe en 1973. Après la faillite de leur maison de disque, liée à une terrible bataille juridique avec leur producteur, les cinq membres restants reviendront en 1975 sous le nom simplifié de Hoelderlin. Malgré une longue carrière, ils ne retrouveront jamais la magie, ni la naïveté de ce premier opus devenu, au fil du temps, un incontournable des mondes oniriques. 

Musiciens

Nanny DeRuig : chant

Christian Grumbkow : guitares

Joachim Grumbkow : violoncelle, guitare acoustique, flûte, piano, orgue, Mellotron

Christoph Noppeney : violon, alto, flûte, piano

Peter Käseberg : basse, guitare acoustique, chant

Michael Bruchmann : batterie, percussions

Peter Bursch : sitar

Mike Hellbach : tablas 

Walter Westrupp : flûte

Titres

01. Waren Wir

02. "Peter" 

03. Strohhalm

04. Requiem Für Einen Wicht 

05. Erwachen 

06. Wetterbericht

07. Traum 

Shirley Collins - Lodestar (2016)

Shirley Collins - Lodestar (2016)

Pourquoi écouter ce disque ?

Connaissez-vous l'histoire de cette femme qui s'est jetée d'un bateau avec son enfant pour sauver le navire et son équipage d'un mauvais sort (The Bank Of Green Willow) ? Et celle de ce maçon prénommé Lincoln cherchant à se venger d'un mauvais payeur (Cruel Lincoln) ? Ou encore celle de ce médecin refusant de soigner une patiente mourante car elle avait refusé ses avances (The Rich Irish Lady) ? Du haut de ses 81 ans, Shirley Collins, figure emblématique du folk britannique, dresse le tableau d'un monde sombre et brutal, sans héros. Sorti en 2016, Lodestar est le premier album de la chanteuse après trente-huit années de silence. Elle s'était retirée à la fin des années 70, suite à son divorce douloureux avec Ashley Hutchings (Fairport Convention, Steeleye Span, Albion Band) ayant entraîné une perte de sa voix. Enregistré chez elle, dans son cottage, Lodestar, qui signifie "étoile polaire", est un recueil de chansons anglaises, américaines et acadiennes (Sur Le Borde De L'Eau) du XVIe siècle jusqu'aux années 1950. Sorte de Miss Marple de la musique folk, elle narre dans la plus grande des simplicités ces vieilles ballades, mêlant paganisme et surnaturel, totalisant pas moins de onze morts, dont deux infanticides. Un retour gagnant... sauf pour ces derniers.

Musiciens

Shirley Collins : chant

Pip Barnes : chant, guitare

Ian Kearey : mandoline, the instrument, guitare, basse, harmonium

Dave Arthur : guitare, chant, banjo

Ossian Brown : vielle à roue, orgue

Alex Neilson : batterie, percussions

Glen Redman : batterie

Michael J. York : cornemuse

John Watcham : concertina 

Elle Osborne : violoncelle

Pete Cooper : violon, chant

Rivka Zoob : alto

Titres

01. Awake Awake – The Split Ash Tree - May Carol - Southover

02. The Banks Of Green Willow

03. Cruel Lincoln

04. Washed Ashore

05. Death And the Lady

06. Pretty Polly

07. Old Johnny Buckle

08. Sur Le Borde De L’Eau

09. The Rich Irish Lady/Jeff Sturgeon

10. The Silver Swan 

Corde Oblique - The Moon Is A Dry Bone (2020)

Corde Oblique - The Moon Is A Dry Bone (2020)

Pourquoi écouter ce disque ?

Cela fait maintenant quinze ans que la formation napolitaine Corde Oblique propose un folk méditerranéen incandescent et poétique en permanente mutation. Inspiré par les deux sirènes de la pochette, perdues dans une mer désertique, incapables de communiquer entre elles (œuvre de l'artiste indonésien Hardijanto Budiman), Riccardo Prencipe, son leader et guitariste, a orienté ses textes en direction de l'enfance. Celle qui perdra ses illusions lors du passage à l'âge adulte, et la sienne, enveloppée d'une douce nostalgie rêveuse. Pour les interpréter, c'est avec la précision d'orfèvre qu'on lui connait qu'il a sélectionné les sept voix de ce disque, trois masculines et quatre féminines. Les nouveaux venus, Andrea Chimenti (La Strada) et Miro Sassolini (Il Terzo Suono), sont deux chanteurs emblématiques des années new wave italiennes, Sergio Panarella d'Ashram, qui est un habitué, livre une prestation mémorable sur l'intense Il Figlio Dei Vergini aux côtés de Caterina Pontrandolfo. Cette dernière collabore régulièrement avec Riccardo depuis le tout premier album de Corde Oblique sorti en 2005, Respiri. Pour The Moon Is A Dry Moon, elle intervient sur quatre titres au total, dont le sublime Le Grandi Anime, à la profondeur amplifiée par les percussions de Michele Maione et l'accordéon de Carmine Ioanna du Cirque du Soleil. Rita Saviano, issue de la mouvance dream pop, est la nouvelle chanteuse officielle du groupe. Elle se révèle sur la chanson titre au psychédélisme déjanté ainsi que sur la reprise d'Anathema, Temporary Peace, écho lointain au Flying de The Stones Of Naples (2009). La chanteuse d'origine bulgare Denitza Seraphim (Irfan), déjà présente sur I Maestri Del Colore (2016), enchante Le Torri Di Maddaloni, moment mystérieux et magique, aux saveurs toutes balkaniques. Enfin, l'actrice Maddalena Crippa prête sa voix à La Casa Del Ponte, morceau à la fois oppressant et ambigu, tel un souvenir ancien s'éloignant progressivement, durant lequel est évoquée la maison d'enfance du guitariste. Le tableau ne serait pas complet sans mentionner Edo Notarloberti (violon), Umberto Lepore (basse), Alession Sica (batterie) et Luigi Rubino (piano) qui, par leur implication, ont contribué à faire de ce disque un indispensable, pour ne pas dire un chef d'œuvre, le huitième dans la discographie du Maître d'art napolitain. 

Musiciens

Riccardo Prencipe : guitares

Rita Saviano : chant

Edo Notarloberti : violon

Umberto Lepore : basse

Alessio Sica : batterie

Luigi Rubino : piano

Michele Maione : percussions

Carmine Ioanna : accordéon

Caterina Pontrandolfo : chant

Denitza Seraphim : chant

Sergio Panarella : chant

Andrea Chimenti : chant

Miro Sassolini : chant

Maddalena Crippa : voix

Titres

01. Almost Blue

02. La Strada 

03. The Moon Is A Dry Bone 

04. Le Grandi Anime 

05. Le Torri Di Maddaloni 

06. Il Giglio Dei Vergini

07. La Casa Del Ponte 

08. Temporary Peace

09. Il Terzo Suono 

10. Herculaneum 

11. Almost Blue II

Rob Reed - Sanctuary II (2016)

Rob Reed - Sanctuary II (2016)

Pourquoi écouter ce disque ?

A l'instar de Mike Oldfield, Rob Reed se plaît à valoriser les voix féminines dans ses compositions. Celles de Mike se nomment Sally Oldfield, Maddy Prior, Bridget St John, Maggie Reilly, Bonnie Tyler, ou, plus récemment, Mae McKenna et Hayley Westenra. Rob a opté pour Christina Booth dans Magenta, et pour Angharad Brinn dans ses projets parallèles, à savoir Kompendium et la série des Sanctuary. Cette dernière est donc à nouveau à l'œuvre sur Sanctuary II, album d’inspiration oldfieldienne divisé en deux longs mouvements d'une vingtaine de minutes chacun. Sa voix fantomatique hante les moments cruciaux de ces pistes, tout comme l'ensemble Synergy Vocals composé de quatre femmes et quatre hommes. Comme pour le premier volume sorti en 2014, Rob utilise pas moins de vingt-trois instruments, dont les fameuses cloches tubulaires si chères à l'univers du maître. Afin de donner du relief à l'ensemble, il a fait appel au batteur Simon Phillips qui a accompagné Mike dans les années 80 ainsi qu'à Tom Newman (bohdran) et Les Penning (flûtes), tous deux compagnons de route des années 70 (Tubular Bells pour le premier, Ommadawn pour le second). Avec Sanctuary II, Rob Reed poursuit son hommage respectueux à celui qui, dès l'âge de sept ans, lui a donné envie de faire de la musique, alors qu'il venait d'acheter... Tubular Bells.  

Musiciens

Rob Reed : instruments

Angharad Brinn : chant

Synergy Vocals : chant

Simon Phillips : batterie

Tom Newman : bohdran

Les Penning : flûtes

Titres

1.01. Sanctuary II Part 1

1.02. Sanctuary II Part 2

Bonus CD

2.01. Salzburg

2.02. Pen Y Fan

2.03. Les Penning Section (Single Edit) 

2.04. Marimba (Single Edit) 

2.05. Side Two Opening (Alternative Version) 

2.06. Side Two End (Alternative Version) 

2.07. Marimba (Chimpan A Remix) 

2.08. Sanctuary II Part 1 (Tom Newman Mix) 

2.09. Sanctuary II Part 2 (Tom Newman Mix) 

Bridget St John - Ask Me No Questions (1969)

Bridget St John - Ask Me No Questions (1969)

Pourquoi écouter ce disque ?

Bridget St John, un nom inconnu pour la plupart d'entre nous. Sorte de Nick Drake au féminin qui aurait croisé la route de Nico et Joni Mitchell, cette artiste folk britannique a joué aux côté de David Bowie, Deep Purple, King Crimson ou encore Jethro Tull. Elle avait comme amis ce même Nick Drake, John et Beverly Martyn, Kevin Ayers, Buffy Ste Marie et a prêté sa voix à Mike Oldfield pour son fameux Ommadawn (1975). Lors d'une session radio de 1968, le célèbre animateur de la BBC John Peel est subjugué par la prestation de cette jeune chanteuse, à peine âgée d'une vingtaine d'années. Il fonde pour elle le label Dandelion sur lequel sort l'année suivante Ask Me No Questions à la pochette représentant Bridget bébé. Au fil des douze chansons, composées durant ses études, elle met à nu son innocence blessée, évoquant ses ruptures, des relations sans lendemain, mais aussi les joies furtives de la vie. Sa voix profonde et sombre, doublée d'un jeu de guitare complexe, bénéficie à certains moments de l'appui de John Martyn (To B Without A Hitch, Curl Your Toes, Ask Me No Questions) et de Ric Sanders, futur Soft Machine et Fairport Convention (Lizard-Long-Tongue Boy, Many Happy Returns). Enregistré en à peine dix heures, Ask Me No Questions ainsi que les trois albums suivants de Bridget demeurent des trésors oubliés de ces années fastes, celles de la fin des années 60 et de la première moitié des années 70. 

Musiciens

Bridget St John : chant, guitare

John Martyn : guitare

Ric Sanders : guitare

Dominic : percussions

Titres

01. To B Without A Hitch

02. Autumn Lullaby

03. Curl Your Toes

04. Like Never Before

05. The Curious Crystals Of Unusual Purity

06. Barefeet And Hot Pavements

07. I Like To Be With You In The Sun

08. Lizard-Long-Tongue Boy

09. Hello Again (Of Course)

10. Many Happy Returns

11. Broken Faith

12. Ask Me No Questions

Three Colours Dark - The Science Of Goodbye (2020)

Three Colours Dark - The Science Of Goodbye (2020)

Pourquoi écouter ce disque ?

Si 2020 semble s'afficher comme l'année de tous les dangers, elle aura été marquée par un souffle d'espoir, le retour (inespéré) de Rachel Cohen. Depuis la séparation en 2014 de The Reasoning, la chanteuse s'était retirée de la scène musicale pour se consacrer à son doctorat en psychologie. Fin 2018, elle croise la route de son ancien acolyte de Karnataka, Jonathan Edwards, claviériste de Panic Room et Luna Rossa. Autour d'un verre, ils se souviennent de leurs jeunes années, parlent musique et en viennent à évoquer une possible collaboration. Ainsi est né Three Colours Dark. The Science Of Goodbye, leur premier (et excellent) album, sans être un concept, aborde à travers ses textes les troubles de la personnalité, en particulier le narcissisme pathologique, domaine de prédilection de Rachel. Jonathan, aidé de cette dernière, les a mis en musique, à l'exception du cover en lien avec la thématique générale, Ghosts In The Wind, signé du grand Richard Thompson. Quel plaisir de déambuler au fil des chansons, guidé par cette voix fabuleuse et si délicate. Avec son timbre particulier rappelant Annie Lennox, elle n'avait jamais été autant mise en valeur jusqu'alors (à l'exception notable du Acoustically Speaking de The Reasoning). On doit ce travail au troisième personnage-clef du projet, à la fois guitariste, bassiste, ingénieur du son et coproducteur, Tim Hamill (Panic Room, Luna Rossa, The Storys, Elin Fflur). Par son intermédiaire, Steve Balsamo (The Storys,  Kompendium, Chimpan A) est venu poser sa voix sur trois titres, Wonderland, Blood Moon Rising (splendide) et Monster. Empruntant à la fois au prog, au folk, au rock atmosphérique, à la pop, au jazz et à la musique celtique, Three Colours Dark a trouvé son propre style, élégant et distingué, sans avoir à puiser dans les formations prestigieuses respectives de ses membres, anciennes ou présentes (Karnataka, The Reasoning, Panic Room, Luna Rossa). Notre duo trace sa propre voie, regardant droit devant, heureux de sa complicité retrouvée. Maintenant, il nous reste à espérer que The Science Of Goodbye soit le premier volet d'une longue série, et non un essai sans suite. Cela, ce sera à Rachel et Jonathan d'en décider. 

Musiciens

Rachel Cohen : chant

Jonathan Edwards : claviers, guitares

Tim Hamill : guitares, basse, programmation batterie

Steve Balsamo : chant

Dave Gregory : guitare électrique

Chantel McGregor : guitare électrique, ebow

Kate Ronconi : violon

Nathan Bray : trompette, bugle

Titres

01. Enter, Soubrette 

02. Wonderland (How Can This Be Love?) 

03. Know You Now

04. Ghosts In The Wind

05. Three Colours Dark

06. Tasted Like Kryptonite

07. Rainbow's End

08. Blood Moon Rising 

09. Monster

10. The Science Of Goodbye

Estampie - Ave Maris Stella (1991)

Estampie - Ave Maris Stella (1991)

Pourquoi écouter ce disque ?

Ensemble munichois de musique médiévale, Estampie tire son nom d'une danse ancienne du même nom. A l'origine trio réunissant Sigrid Hausen (chanteuse mezzo-soprano), Michael Popp (instruments anciens) et Ernst Schwindl (instruments anciens), Estampie est devenu quatuor suite à l'arrivée du percussionniste Johann Bengen. Lors de sa fondation en 1985, le groupe avait pour ambition de faire découvrir à un large public la musique du Moyen Âge, celle comprise entre l'an 1000 et 1400. Avec le temps, il s'ouvrira aux influences modernes et à la world music. Pour son deuxième album Ave Maris Stella, paru en 1991, les quatre musiciens, accompagnés de Mona Spägele, se sont intéressés aux chants liés au culte de Marie. Ce personnage emblématique de la religion chrétienne était à la fois celle pleurant son fils et les malheurs du monde, la reine céleste, l'auxiliaire de Dieu faiseuse de miracles, et la Vierge, incarnation de la pureté. A travers quinze chants, souvent polyphoniques, d'une durée comprise entre une et huit minutes, Estampie propose un voyage dans le temps au cœur de cette Europe férue de foi, durant lequel apparaissent quelques personnages clef de cette époque comme Hildegard de Bingen, St François d'Assise ou le troubadour Guiraut Riquier. A découvrir pour la qualité de l'interprétation, des voix et de l'instrumentation. 

Musiciens

Sigrid Hausen : chant, flûte, corne de chamois

Michael Popp : oud, saz, tar, harpe, flûtes

Ernst Schwindl : vielle à roue, orgue, cloches

Johann Bengen : santour, percussions

Mona Spägele : chant

Titres

01. Ave Maris Stella

02. Ave Generosa

03. Ave Mater, O Maria

04. Stabat Juxta Christi Crucem

05. Ave, Donna Santissima

06. Dansse Real

07. Regenbogen Tagewise

08. Saltarello

09. Humils, Forfaitz, Repres E Penedens

10. Vos Qui Admiramini - Gaude Gloriosa

11. Ave Gloriosa, Mater Salvatoris

12. Santa Maria, Strela Do Dia

13. Da Que Deus Mamou

14. Ave Maris Stella

15. Stella Splendens

Anathema - Weather Systems (2012)

Anathema - Weather Systems (2012)

Pourquoi écouter ce disque ?

Si, pour certains, le chef d'œuvre absolu d'Anathema est We're Here Because We're Here (2010), pour moi, c'est indéniablement Weather Systems. Cet album m'a fait vibré à sa sortie et continue à le faire à chaque écoute. Pourtant, ces deux disques sont indissociables, formant un diptyque. En effet, les quatre chansons qui forment l'ossature de Weather Systems ont été écrites durant les sessions de We're Here..., à savoir Untouchable Part 1, The Gathering Of The Clouds, Lightning Song et l'explosif The Storm Before The Calm. Ce morceau, navigant entre électro et prog, monte graduellement en puissance, pour s'achever en une éruption vocale de Vincent Cavanagh qui, tel un tsunami, libère toutes nos émotions dans un océan de larmes, émerveillées par tant de beauté. Il faut dire que les frères Cavanagh, Vincent et Daniel, secondés par la famille Douglas, John et sa sœur Lee, devenue membre à part entière du groupe, sont au sommet de leur art. Leurs compositions, à la fois sombre et lumineuses, bercées de mélancolie, explorent les recoins les plus reculés de notre psyché. A cela s'ajoute la prestation incandescente de Lee, jamais autant impliquée, et dont la voix magnifique, selon Vincent lui-même, brise le cœur. La production impeccable, signée du norvégien Christer-André Cederberg, bénéficie de l'apport de cordes conduites par Dave Stewart sur cinq titres. A la fois intense, homogène et profond, on ne ressort pas indemne de l'écoute de ce pur bijou. 

Musiciens

Vincent Cavanagh : chant, claviers, programmation, guitares, basse

Daniel Cavanagh : guitares, claviers, piano, basse, chant 

Lee Douglas : chant

John Douglas : batterie, claviers, programmation

Christer-André Cederberg : basse, piano 

Wetle Holte : batterie 

Jamie Cavanagh : basse

Petter Carlsen : chœurs

Titres

01. Untouchable Part 1

02. Untouchable Part 2

03. The Gathering Of The Clouds

04. Lightning Song

05. Sunlight

06. The Storm Before The Calm 

07. The Beginning And The End

08. The Lost Child

09. Internal Landscapes