Gabriel Keller - Clair Obscur (2022)

Gabriel Keller - Clair Obscur (2022)

Pourquoi écouter ce disque ?

Une belle pochette de disque annonce souvent un bel album. C'est le cas ici avec ce Clair Obscur du multi-instrumentiste Gabriel Keller. Originaire de la région lyonnaise, Gabriel a été bercé dans sa jeunesse par les Beatles et Pink Floyd. Il apprend au fil des années le violon, la batterie, la guitare et la basse. Sa passion pour la musique le pousse à explorer sans cesse plus loin le large panel d'émotions qu'elle procure. Après plusieurs expériences au sein de groupes ou de collectifs, il se lance dans son propre projet solo en 2020. Clair Obscur a été conçu à l'ancienne, comme un 33 tours avec ses deux faces. Sa première partie, les cinq premiers titres, fait référence à ses maîtres déjà cités, les Beatles et Pink Floyd, et se veut lumineuse, claire. C'est ma préférée, Open Arms et son solo de guitare "gilmourien" dantesque m'a littéralement conquis. La seconde partie emprunte un chemin sombre, obscur sur lequel plane l'ombre d'Opeth ou de Porcupine Tree, autres formations qui ont influencé Gabriel alors plus âgé. Pour les parties chantées, il a fait appel à quatre voix féminines, toutes aussi envoutantes les unes que les autres : Emi B (trois titres), Maïté Merlin (deux titres), Charlotte Gagnor (du Gabriel Keller Trio) et Marine Poirier sur un titre chacune. Gabriel leur a laissé une totale liberté sur les textes, ainsi que dans la langue employée. Ainsi, Charlotte est la seule à chanter en français (très belles paroles de Melancholia : Sans filet j'ai jeté mes vieux souvenirs comme des étoiles filantes / Sur la toile égarée, tu regardes s'évanouir mes messages en attente, ou encore Nos rires sont des fleurs tombées par terre / Je les récolte par cœur, sans colère), tandis que les trois autres ont privilégié l'anglais. Cette multiplication de voix chantées sur un même album m'évoque d'autres projets tout aussi ambitieux comme Ayreon d'Arjen Lucassen qui, comme Gabriel, ne fige jamais sa musique dans un seul style musical, Corde Oblique du guitariste italien Riccardo Prencipe qui place lui aussi l'émotion au cœur de son folk méditerranéen (Accalmie, sublime instrumental final se rapproche de cet univers), ou bien les Français de XII Alfonso, toujours dans la prise de risque et jamais dans la simplicité, tout en demeurant accessibles. Je vous le dis droit dans les yeux, en France, nous avons encore des musiciens talentueux et passionnés, mais si nous n'allons pas à eux, ils finiront par disparaître. Gabriel Keller est l'un d'entre eux. A nous maintenant de faire vivre sa musique. 

Musiciens

Gabriel Keller : guitares, percussions, basse, chœurs

Emi B : chant

Maïté Merlin : chant

Charlotte Gagnor : chant

Marine Poirier : chant

Anne-Marguerite Solt : chœurs

Charlie Henry : guitares

Clément Berthie : guitares

Anthony Barbier : guitares

Marius Marin : guitares

Clément Barou : piano

Julien Mailland : basse

Lucas Biguet-Mermet : batterie

Simon Rebuffat : batterie

Lucie Lacour : violoncelle, chœurs

Jérôme Aubernon : violon 

Quatuor MajusculeS : cordes

Sos Section : cuivres

Titres

01. Tumulte

02. Time

03. Train To Resolution

04. Open Arms

05. Melancholia

06. Sonate Au Clair Obscur

07. Nothing Human

08. Out Of My Life

09. Honey

10. Accalmie

Vidéos

Open Arms : lien vidéo ici

Melancholia : lien vidéo ici

Nothing Human : lien vidéo ici

Nothing Human (acoustic live session) : lien vidéo ici

XVIIe Vie - La Prana (1996)

XVIIe Vie - La Prana (1996)

Pourquoi écouter ce disque ?

Du côté des fées... XVIIe Vie est né à la fin des années 80 de la rencontre entre la chanteuse Karine (Mérat) et le guitariste Franck, tous deux fascinés par la féérie, les légendes, les mythes et le merveilleux. Leur duo se nomme d'abord Derniers Chemins d'Automne, puis devient XVIIe Vie suite à l'arrivée de Michel (Kovalski), artiste d'origine polonaise déclamant ses poèmes dans sa langue natale. Leur univers musical fait de mystères ne pouvait qu'attirer l'attention du label Prikosnovénie qui les signe pour un premier album. La Prana, terme désignant l'énergie solaire absorbée par les esprits puis redistribuée au monde physique, sort en 1996. Il se compose de quinze courtes pièces musicales, les plus longues atteignant les trois minutes, où guitare acoustique, percussions et voix angélique dominent. Véritable fenêtre ouverte vers un Ailleurs enchanteur, on pense à Dead Can Dance pour l'alternance entre chant féminin et voix masculine, ainsi qu'aux Cocteau Twins pour les guitares cristallines et l'atmosphère éthérée, en particulier sur le charmant Frozen Legend. Le trio puise aussi son inspiration dans les œuvres picturales des illustrateurs britanniques Brian Froud, célèbre pour son travail sur les fées et les gobelins, et Alan Lee, bien connu des amateurs de Tolkien. Cette invitation à la rêverie sera suivie d'un second opus, Llewella, tout aussi contemplateur, mais plus abouti.

Musiciens

Karine : chant, percussions, claviers

Michel : voix, guitare

Franck : guitares, claviers, percussions

Anastasia : violon

Titres

01. Les Elfes De La Lumière

02. Totentanz

03. L'Étoile Oubliée

04. Spirit's Skin

05. HôH

06. To Chyba Wszystko

07. Cobalt

08. Ultimatum

09. Frozen Legend

10. Lorna

11. Psaume

12. Fetish

13. Faust

14. L'Imaginaire

15. Na Zawsze

Vidéos

L'Imaginaire : lien vidéo ici

Faust : lien vidéo ici

HôH : lien vidéo ici

Lynn Adib & Marc Buronfosse - Nearness (2022)

Lynn Adib & Marc Buronfosse - Nearness (2022)

Pourquoi écouter ce disque ?

Il se dégage toujours une atmosphère très particulière, très feutrée, des disques alliant la collaboration entre une chanteuse et un bassiste. Tel était le cas pour The Color Of Dark de la déesse des îles Féroé Eivør et de son compatriote danois Lennart Ginman. Il en était aussi de même pour Eternal Tides de Joanne McIver originaire de l'île d'Arran en Écosse et du Breton Alain Genty. Nearness, première production de Lynn Adib et de Marc Buronfosse ne fait pas exception à cette règle. C'est une île qui se trouve à l'origine de ce duo insolite, celle de Paros dans la mer Égée. Depuis 2011, Marc, bassiste de renom dans le monde du jazz, est le directeur artistique du Mediterranean Artists Masters Academy & Festival qui se déroule chaque année sur cette île de l'archipel des Cyclades, en Grèce. A l'été 2020, il reçoit Lynn Adib avec laquelle il donne un concert improvisé. De suite, le courant passe entre ces deux artistes aux horizons culturels différents et ils décident de collaborer ensemble sur un même disque. Lynn est originaire de Syrie. Elle a commencé à chanter toute jeune dans la Chorale de la Joie de l'église Notre-Dame de Damas. Sa destinée la conduira au Liban, puis à Paris. Ouverte sur le monde, elle se passionne pour le jazz, le bebop des années 50, la musique traditionnelle arabe (maqâm), les chants religieux de la Syrie antique, la musique classique, Chopin en particulier, la musique byzantine et bulgare. Véritable bouffée d'oxygène dans ce monde devenu irrespirable, Nearness réunit une collection de quatorze chansons aux confluences de toutes ces influences. Certaines sont des compositions originales du duo, d'autres sont des standards de jazz, des airs traditionnels syriaques ou byzantins, et deux sont des covers audacieux, un de Radiohead (mystique Present Tense) et un autre de Joni Mitchell, A Case Of You à l'origine sur son mythique album Blue. Tous deux sont de très belles curiosités à découvrir absolument. Adagio Choral, autre moment fort, a été enregistré dans une église à Athènes avec le chœur byzantin Antifoniko Melos. Ce morceau est signé Jasser Haj Youssef, célèbre musicologue tunisien entendu auprès de Barbara Hendricks, Didier Lockwood et Youssou N'Dour. Il est l'unique musicien à jouer de la musique orientale et du jazz à la viole d'amour qu'il emploie ici de manière majestueuse. Lynn chante en français (Autruche au très beau texte écrit par Lynn elle-même), en anglais, en grec, en syriaque et en arabe, sa langue natale qu'elle aime faire découvrir. Nearness est un album à la musique dépouillée, très surprenant et original, aiguisant notre curiosité à l'encontre de cultures à la fois si proches (nearness...) et si éloignées de nous. Au final, on en redemande. 

Pour information, l'album sortira le 6 mai 2022 en digital et en physique (double vinyle LP) courant septembre 2022 chez Arts Culture Europe / InOuïe Distribution. Ce nouvel opus sera présenté le mercredi 15 juin 2022 sur la scène du Studio de L’Ermitage (Paris) lors d’un concert de lancement exceptionnel.

Musiciens

Lynn Adib : chant

Marc Buronfosse : basse, contrebasse

Jasser Haj Youssef : viole d'amour

Antifonikos Melos : chœur

Chazi Adib : narration

Rishab Prasanna : flûte bansuri

Mosin Kawa : tablas

Titres

01. The Nearness Of You

02. Qalb

03. Autruche

04. Adeeb

05. Sou'al

06. Present Tense

07. So Far So Near

08. Tawnimar Toubo

09. I Loves You Porgy

10. Adagio Choral

11. Naoussa Kampos

12. A Case Of You

13. Megalinaria

14. The Nearness Of You

Vidéo

Teaser : lien vidéo ici

Mor Karbasi - The Beauty And The Sea (2008)

Mor Karbasi - The Beauty And The Sea (2008)

Pourquoi écouter ce disque ?

Mor Karbasi est une chanteuse d'origine israélienne qui, après avoir vécu à Londres, s'est installée à Séville. Sa passion pour le flamenco ainsi que pour la culture sépharade, celle des Juifs vivants dans la péninsule ibérique avant leur expulsion en 1492, l'ont conduite vers l'Espagne. The Beauty And The Sea, son premier album sorti en 2008, laisse découvrir une voix hallucinante aux étincelles émotionnelles très puissantes. Ce disque est avant tout une affaire de famille avec sa mère Shoshana qui a écrit la plupart des paroles, et son compagnon, le guitariste et chanteur Joe Taylor qui a assuré la coproduction. Ancien du groupe de rock indie Blackbud, il apporte avec lui une touche de modernité. Mor se réclame à travers ses chansons qui sont soient originales, soient d'anciens airs datant de l'époque médiévale, de la culture sépharade et souhaite la faire revivre l'espace d'un instant. C'est pourquoi elle chante en hébreu, en espagnol ou en ladino, langue judéo-espagnole datant de l'âge d'or de l'ère sépharade. Mais ses références musicales vont encore plus loin puisque ses ancêtres étaient des Juifs marocains et perses. Karbasi signifie d'ailleurs "toile" en persan. The Beauty And The Sea est un album magnifique, profond et d'une très grande richesse, offrant une ouverture vers des contrées chaleureuses souvent méconnues, aussi excitantes que celles explorées par la grande Loreena McKennitt.

Musiciens

Mor Karbasi : chant, harmonium, clavecin, piano

Joe Taylor : guitares, basse, harmonium, oud, mandoline, flûte, chœurs

Jorge Bravo : guitares

Niro Abakasis : oud, violon arabe

Ronu Majumdar : bansuri

Layil Barr : flûte

Marcel Mamaliga : violon

Nandini Muthuswamy : violon indien, chœurs

Dietrich Bethge : violoncelle

Micha Israelite : basse, percussions

Kai Eckhardi : basse fretless

Gilad Amsalem : percussions

Andres Ticino : percussions

Trilok Gurtu : percussions

Titres

01. Roza

02. Shecharhoret

03. Fuego

04. La Pluma

05. Mansevo Del Dor

06. En La Kaye De Mi Chikez

07. La Galana I La Mar

08. Komo El Pasharo Ke Bola

09. Nuestros Amores

10. Adios Estrella Brillante

11. Puncha Puncha

12. Be'enaim Tohakot

13. Judia

Vidéos

Shecharhoret : lien vidéo ici

En La Kaye De Mi Chikez : lien vidéo ici

La Galana I La Mar (live) : lien vidéo ici

Fairport Convention - Moat On The Ledge: Live At Broughton Castle (1982)

Fairport Convention - Moat On The Ledge:
Live At Broughton Castle (1982)

Pourquoi écouter ce disque ?

Au début des années 80, les dinosaures de la scène folk-rock font un discret retour après avoir frôlé l'extinction suite à la déferlante punk. Steeleye Span renait de ses cendres en 1980, après deux ans de silence, Pentangle fait de même en 1981. Cette même année, Fairport Convention, officiellement dissout depuis 1979, donne un concert exceptionnel le 15 août, au Broughton Castle. En 1976, le groupe a instauré dans le petit village de Cropredy (Oxfordshire) un festival annuel de folk, toujours en activité de nos jours. Le site étant indisponible en cette année 1981, il est déplacé à quelques kilomètres de là, au Broughton Castle. Pour la première fois, il se tient sur deux jours. Simon Nicol, Dave Swarbrick, Dave Pegg et Bruce Rowland sont de retour sur scène accompagnés de quelques anciennes grandes figures du groupe : Richard Thompson qui a quitté le navire en 1971, Dave Mattacks parti en 1975, ainsi que Judy Dyble, toute première chanteuse de Fairport Convention, retirée du monde de la musique depuis une dizaine d'années. Le set présenté en cette soirée mémorable devant 1800 spectateurs a duré plus de deux heures. Seulement neuf titres ont été sélectionnés pour cet album paru dès l'année suivante. Walk Awhile de l'album Full House (1970) ouvre le disque, suivi d'une reprise de Dylan, Country Pie. Swarb prend le chant pour Rosie, douce ballade extraite de l'album du même nom (1973), puis Simon Nicol prend la relève pour le classique des classiques du groupe, Matty Groves, chanté à l'origine par la regrettée Sandy Denny (Liege & Lief, 1969). Simon cède ensuite sa place à Judy Dyble, toute nerveuse de remonter sur scène devant tant de monde. Elle livre une délicate version du Both Sides Now de Joni Mitchell. Chanté par Richard Thompson, Poor Will & The Jolly Hangman (Full House) est joué pour la première fois en live. Petit moment de folie folk mené par Swarb avec l'instrumental The Brilliancy Medley / The Cherokee Shuffle, à l'origine sur l'album Nine (1973). Richard Thompson offre ce soir-là l'inédit Woman Or A Man qui n'apparaîtra que plus tard sur son album Small Town Romance en 1984. Le disque se referme sur un High School Confidential qui enflamme la scène où le groupe est rejoint à la guitare par le chanteur folk Ralph McTell. En cette soirée d'été 1981 où Judy, Swarb et Bruce étaient encore parmi nous, Fairport Convention célèbre avec insouciance le passé, sans oublier de garder un œil ouvert vers l'avenir. L'histoire n'est pas encore terminée...  

Musiciens

Dave Swarbrick : chant, violon, mandoline

Richard Thompson : chant, guitare électrique

Simon Nicol : chant, guitares

Dave Pegg : basse, chœurs

Dave Mattacks : batterie

Bruce Rowland : batterie

Judy Dyble : chant

Ralph McTell : guitare électrique

Titres

01. Walk Awhile

02. Country Pie

03. Rosie

04. Matty Groves

05. Both Sides Now

06. Poor Will And The Hangman

07. The Brilliancy Medley / Cherokee Shuffle

08. Woman Or A Man

09. High School Confidential

Vidéos

Matty Groves : lien vidéo ici

Concert : lien vidéo ici (Judy Dyble apparaît à 44')

Farpoint - Grace (2003)

Farpoint - Grace (2003)

Pourquoi écouter ce disque ?

Originaire de Caroline du Sud, Farpoint fait un retour en grâce en 2003 avec son deuxième album Grace. A l'image de la pochette, la musique est soignée et harmonieuse. De cinq, le groupe est passé à six musiciens suite à l'arrivée du guitariste Mike Avins. Laissant les parties de guitare acoustique au membre fondateur Kevin Jarvis ainsi qu'au chanteur Clark Boone, son jeu à la guitare électrique éblouit l'ensemble de ce disque. Chacune de ses interventions fait mouche, donnant du relief au morceau. On se délecte ainsi d'un néo-prog proche de Credo et de Mostly Autumn, avec un héritage bluegrass et folk. D'ailleurs, les douces interventions de Dana Oxendine, que ce soit au chant ou à la flûte, ne sont pas sans rappeler celles d'Heather Findlay dans la bande de York. Côté paroles, Farpoint s'alignerait du côté de Iona ou de Neal Morse du fait de leur inspiration spirituelle chrétienne. La foi commune entre les membres du groupe les anime, c'est elle qui donne du sens à leur musique. Il est intéressant aussi de noter la participation de Rick Walter venu poser sa voix sur trois titres. C'est lui qui a fondé Farpoint à la fin des années 90, avec Kevin Jarvis, mais il avait quitté le navire juste avant l'enregistrement du premier album First Light. Sa présence rappelle que Farpoint, comme Mostly Autumn, c'est avant tout une grande famille liée par une amitié très forte. 

Musiciens

Clark Boone : chant, guitare

Dana Oxendine : chant, flûte, claviers

Kevin Jarvis : guitares, mandoline, claviers, basse, chant

Mike Avins : guitares

Frank Tyson : basse, guitares, chant

Johnathan Rodriguez : batterie, percussions, chant

Rick Walker : voix

Buddy Harre : chant

Titres

01. Into The Night 

02. Dawn 

03. Ghost

04. H2Origins 

05. Yesterday 

06. Grace

07. Sunset

08. Nevermore

09. Falling Down

10. Over Again

11. Into The Light

Vidéos

H2Origins : lien vidéo ici

Ghost : lien vidéo ici

Sunset : lien vidéo ici

Irdorath - Dreamcatcher (2016)

Irdorath - Dreamcatcher (2016)

Pourquoi écouter ce disque ?

Minsk, 14 décembre 2021. La "justice" biélorusse rend son verdict. Nadezhda Irdorath et son époux Vladimir sont condamnés à deux ans de prison ferme chacun. Le motif ? Ils ont joué de la cornemuse lors des manifestations massives contre le régime de Loukachenko en août 2020. Un an après, le 2 août 2021, jour d'anniversaire de Nadezhda, ils étaient arrêtés dans des conditions violentes, puis incarcérés avec seize autres personnes, dont le batteur Anton Shnip et le guitariste Petro Marchenko. Plusieurs artistes se sont mobilisés pour protester contre leur détention comme Corvus Corax et Faun.C'est grâce à ces derniers que j'ai pris connaissance de cette situation intolérable, mais aussi de l'existence même du groupe Irdorath. 

Nadezhda et Vladimir se rencontrent alors qu'ils sont étudiants. En 2011, ils abandonnent tout pour s'installer à Minsk où ils occupent un ancien sanatorium désaffecté qui leur sert de lieu de répétition. Ils sont très vite rejoints par Anton Shnip. Irdoath est né. Leur musique se veut ouverte sur le monde, tissant des liens jusqu'aux lointaines steppes mongoles, mais aussi vers les Balkans et l'Europe centrale. Leur premier album Ad Astra, sorti en 2012, revisite d'anciens airs médiévaux. Mais c'est avec Dreamcatcher, en 2016, qu'ils prennent leur envol. Grâce à l'arrivée de nouveaux membres, ils affinent leur style, s'orientant vers ce qu'ils appellent eux-mêmes du fantasy folk, mélange de musiques du monde, de pagan folk, de metal, avec des textes inspirés des mythes et légendes slaves. Leur scène, c'est la rue, les festivals, la forêt. 

Leurs prestations, à la fois festives et explosives, leurs ont ouvert les portes d'un large public. Rares sont les artistes capables de se produire aussi bien au Wacken Open Air (festival de metal), qu'au Wave Gotik Treffen (festival de musique gothique), au Mittelalterlich Phantasie Spectaculum (festival de musique médiévale), ou au Wild Mint, plus grand festival de world music de Russie. Pour l'anecdote, Nadeshda et Vladimir se sont mariés sur scène, le 25 avril 2014, à Minsk. La bande-originale de leur union se trouve sur Dreamcatcher (Wedding Theme 1 et Wedding Theme 2).

Je ne sais pas si écouter un disque équivaut à un acte de résistance. Cela me semble prétentieux. Mais il est certain qu'écouter la musique d'un artiste permet d'éviter qu'il ne tombe dans l'oubli. Aujourd'hui, plus que jamais, Irdorath a besoin de nous.

Musiciens

Vladimir Irdorath : chant, cornemuse, didjeridoo, rauschpfeife, guimbarde

Nadezhda Irdorath : chant, cornemuse, claviers, vièle à roue

Anton Shnip : batterie, percussions, bouzouki, chant

Petro Marchenko : guitares, chant

Valery Priyomko : batterie

Anastasia Filipenko : violoncelle

Alexandra Aleksyuk : violoncelle

Yulia Viten : violon

Anna Semyonova : percussions

Titres

01. Dreamcatcher

02. As Bas

03. Tam Nikto

04. Kryly

05. Dimna Juda

06. Wedding Theme 1

07. Wedding Theme 2

08. Tochka Orchestra

09. Byu Lost' Budu

10. Tango

Vidéos

As Bas : lien vidéo ici

Dreamcatcher (live) : lien vidéo ici

Dimna Juda (live) : lien vidéo ici

Wedding on stage : lien vidéo ici

Joshua Burnell - Seasons Vol.2: Spring (2021)

Joshua Burnell - Seasons Vol.2: Spring (2021)

Pourquoi écouter ce disque ?

C'est le printemps aujourd'hui ! Journée idéale pour découvrir le deuxième volet du projet fou de Joshua Burnell. Du 21 décembre 2016 au 13 décembre 2017, ce jeune prodige de la scène prog-folk britannique a enregistré une chanson folk par semaine dans le but de les réunir sur quatre albums inspirés des saisons. Après l'hiver (Winter), voici le sacre du printemps, Spring. Les treize morceaux sélectionnés pour l'illustrer partagent une thématique commune, celle de la séparation par la mer, domaine dans lequel le répertoire traditionnel britannique demeure intarissable. Il en résulte une mélancolie générale, non dénuée d'espoir. High Germany, Lowlands Of Holland, Black Is The Colour, Wild Mountain Thym ou bien ma préférée, The Poggy Dew sont toutes des classiques revisitées de manière ingénieuse et originale. L'ombre bienveillante des artistes ayant influencés Joshua plane, que ce soit Martin Cathy, sa fille Eliza, The Chieftains, Steve Howe et Yes, Steeleye Span, Bruce Springsteen, Nina Simone, The Waterboys (Mrs McGrath), Loreena McKennitt (Black Is The Colour Version B interprété à la harpe), ou Renaissance et Annie Haslam. A ce propos, pour At The Harbour, Joshua a fait une exception à sa règle. Cette chanson n'est pas extraite du répertoire folk. Elle se trouve à l'origine sur l'album Ashes Are Burning (1973) de Renaissance. Ses paroles sont signées Betty Thatcher, parolière attitrée du groupe durant les années 70. Interprétée tout en nuance par Frances Sladen, elle symbolise en quelque sorte le lien particulier unissant Joshua à Annie Haslam. Les amateurs de Renaissance auront reconnu sans difficulté le style d'Annie sur la pochette de l'album. Grand fan du groupe et connaissant les talents en peinture d'Annie, Joshua l'avait contactée pour lui demander l'autorisation d'utiliser une de ses œuvres picturales pour Spring. A sa grande surprise, Annie lui a répondu de manière favorable. Elle lui a même proposé d'illustrer ses trois autres albums, conférant ainsi une plus grande unité au projet, ce que Joshua a accepté avec le plus grand enthousiasme. Dernière personnalité à évoquer, Angela Gordon (Mostly Autumn, Odin Dragonfly). Originaire de York, comme Joshua, elle avait déjà participé à son premier album Into The Green. Elle joue ici de la flûte irlandaise, apportant une touche celtique bienvenue sur les instrumentaux Tabhair Dom Do Lámh et Trip To Durrow. Vivement l'été maintenant !

Musiciens

Joshua Burnell : chant, instruments

Frances Sladen : chant

Ben Burnell : guitare

Nathan Greaves : basse, guitare

Angela Gordon : flûte irlandaise

Sarah Loughran : fiddle

Antonio Curiale : fiddle

Paul Young : mélodéon

Rachel Brown : violoncelle

Catriona Cannon : harpe

Matthew Mefford : basse

Greg Palmer : chœurs

Titres

14. High Germany

15. Tabhair Dom Do Lámh

16. At The Harbour

17. Lowlands Of Holland

18. The Foggy Dew

19. Black Is The Colour (Version A)

20. May Song

21. Mrs McGrath

22. Trip To Durrow

23. Leave Her Johnny

24. Barrack Street

25. Black Is The Colour (Version B)

26. Wild Mountain Thyme

Vidéos

At The Harbour : lien vidéo ici

High Germany : lien vidéo ici

L'Ham De Foc - U (1999)

L'Ham De Foc - U (1999)

Pourquoi écouter ce disque ?

L'Ham De Foc (l'hameçon de feu) est né, en 1998, de la rencontre entre la chanteuse Mara Aranda et le guitariste Efrén López. Se produisant d'abord sous la forme d'un duo, L'Ham De Foc se transforme très vite en collectif suite à l'arrivée de six musiciens avec lesquels ils enregistrent leur tout premier album en 1998, U. Deux autres suivront, Cançó De Dona I Home (2002), puis Cor De Porc (2005) au cours desquels ils affineront leur style. Aujourd'hui considérés comme les précurseurs du mouvement néofolk espagnol dont ses illustres représentants sont Trobar De Morte et Cuélebre, L'Ham De Foc a la particularité, dès ses origines, de se nourrir des musiques traditionnelles du monde pour alimenter ses propres compositions. C'est d'ailleurs à Valence qu'ils voient le jour, ville portuaire qui a toujours été un lieu d'échange culturel important dans l'histoire de l'Espagne. La péninsule ibérique, la Méditerranée, l'Afrique du Nord, les Balkans, le Moyen-Orient ainsi que l'Inde sont sources inépuisables d'inspiration. Armés de leurs instruments anciens et acoustiques, les huit musiciens aiment avant tout créer leur propre musique, à la fois vivante et généreuse. Avec le temps, ils ont su séduire un public des plus divers, à l'image de leur univers, amateur de world music et de folk, mais aussi de musique classique, de pop-rock, de musique médiévale et gothique. U est un album chaleureux qui saura séduire les plus exigeants, emportés par la voix profonde de Mara Aranda.

Musiciens

Mara Aranda : chant, tampura

Efrén López : guitares, mandoline, saz, psaltérion, cümbüş, sitar, oud, vielle à roue], bouzouki

Pep Ahuir : saz, bouzouki, guitares

Joansa Maravilla : percussions

Xavi Navarro : violon

Carlos Sanchis : accordéon

Diego López : bendir, darbouka, didjeridoo, percussions

Eduard Navarro : gralla, hautbois, sacs de gemecs, cornemuse

Ainhoa Izaguirre : alboka

Josete Castro : clarinette

Xavier Ahuir : flûte

David Antich : flûte

Ricardo Esteve : guitare flamenco

Josep Amírola : vielle

Titres

01. El Nord

02. Lluna D'Algeps

03. Al Matí

04. Veritat

05. Cançó De Bressol

06. D'Un Joc De Flors

07. Nikita I Estelis

08. Els Camins

09. La Lluna No Vol

10. Rodamons

11. Si

12. Dels Amors Del Dimoni

13.Tocs Occitans

14. La Fe

Vidéos

La Lluna No Vol : lien vidéo ici

Rodamos : lien vidéo ici

Meer - Playing House (2021)

Meer - Playing House (2021)

Pourquoi écouter ce disque ?

Meer fait partie de ces belles surprises musicales de l'année 2021 au même titre que le retour de Cyan, le 5.20 de Nine Skies, le nouveau projet de Ian Jones et Agnieszka Swita, Illuminae, ou les seconds albums de Three Colours Dark, The Paradox Twin et Auri. Playing House est également leur deuxième album, le premier était sorti de manière confidentielle en 2016. Pour celui-ci, Meer a signé chez Karisma Records, maison de disque de qualité basée à Bergen. Elle a déjà à son catalogue Airbag, Bjørn Riis, Arabs In Aspic et Magic Pie. L'aventure commence en 2008 lorsque Knut Kippersund Nesdal (chant, claviers) et sa sœur Johanne-Margrethe (chant) créent le duo Ten Glen Extended dans leur ville natale de Hamar, située dans l'est de la Norvège, près de la frontière avec la Suède. Suite à l'arrivée progressive de nouveaux musiciens, ils abandonnent ce nom pour adopter celui de Meer. Aujourd'hui, Meer réunit deux voix, un guitariste, un claviériste, un bassiste, un batteur, une violoniste et une altiste. Ensemble, ils jouent une pop symphonique sophistiquée, s'inspirant tant de la musique classique que du rock progressif. Il n'y a aucun titre faible sur Playing House ; la force de ce disque réside dans sa capacité de vous happer dès les toutes premières notes du morceaux d'ouverture Picking Up The Pieces pour vous ouvrir grand les portes d'un univers bouillonnant où s'entrechoquent l'élégance d'un Big Big Train, les orchestrations grandioses d'un Renaissance, les envolées de Muse, l'alt-rock expérimental de Radiohead, la mélancolie profonde d'Anathema et la folie incandescente d'une Björk. Bref, ne passez pas à côté de ce Playing House, il vous fera passer un excellent moment. 

Musiciens

Johanne-Margrethe Kippersund Nesdal : chant

Knut Kippersund Nesdal : chant, claviers

Eivind Strømstad : guitares, mandoline, claviers, programmation, chœurs

Ole Gjøstøl : claviers, glockenspiel, chœurs

Morten Strypet : basse, chœurs

Mats Lillehaug : batterie, percussions, chœurs

Åsa Ree : violon, percussions, chœurs

Ingvild Nordstoga Eide: alto, chœurs

Gärtner Fremmelid : percussions, claviers, programmation, chœurs

Titres

01. Picking Up The Pieces

02. Beehive

03. All at Sea

04. Songs of Us

05. Child

06. You Were A Drum

07. Honey

08. Across The Ocean 

09. She Goes

10. Where Do We Go From Here

11. Lay It Down 

Vidéos

Across The Ocean : lien vidéo ici

Picking Up The Pieces (live) : lien vidéo ici

Beehive (acoustique) : lien vidéo ici