Pink Floyd - Hey Hey Rise Up (2022)

Pink Floyd - Hey Hey Rise Up (2022)

Pourquoi écouter ce disque ?

Le 8 avril 2022, à la surprise générale, Pink Floyd publie une nouvelle chanson. Ce n'était pas arrivé depuis 2014 et The Endless River. Il aura fallu une guerre monstrueuse pour que David Gilmour réactive le Floyd soutenu par son complice Nick Mason. Lorsque la Russie envahit l'Ukraine en février 2022, le monde est figé. Une guerre d'une intensité sans précédent sur le continent européen depuis la fin de la Seconde Guerre mondiale s'ensuit. Gilmour qui a une belle-fille et des petits-enfants ukrainiens décide donc d'agir pour le rétablissement de la paix et apporte un soutien sans faille au peuple ukrainien. Dès le 11 mars, il coupe l'accès en streaming à la Russie et au Belarus de tous ses enregistrements en solo et de ceux de Pink Floyd après 1987. Touché par le chanteur du groupe Boombox, Andriy Khlyvnyuk qui interprète a capella, en tenue militaire, devant la cathédrale Sainte-Sophie de Kiev, un chant patriotique composé durant la guerre de 14-18, il lui demande l'autorisation d'utilisé sa voix pour l'inclure dans une chanson inédite dont les fonds récoltés serviront à aider les victimes ukrainiennes de la guerre. Celui-ci accepte. La chanson devient Hey Hey Rise Up, un nouvel ovni dans la carrière de Pink Floyd puisque ce morceau ne ressemble à aucun autre. Il est couplé d'une nouvelle version de A Great Day For Freedom, à l'origine parue sur The Division Bell (1994). Sur cette version épurée, sont seuls crédités David Gilmour, Nick Mason et le regretté Richard Wright, ainsi que les trois choristes qui avaient accompagné le groupe durant leur tournée de l'époque, Sam Brown, Durga McBroom et Claudia Fontaine. Cette chanson à l'ambiance romantique évoquait les inquiétudes de Gilmour sur les conséquences de la chute, toute récente, du mur de Berlin. Contrairement à Roger Waters, Gilmour a toujours était très discret sur ses engagements politiques. Cette guerre en Ukraine met en exergue la rivalité entre les deux hommes qui prend ainsi une dimension géopolitique. Du jamais vu dans l'histoire du rock. En soutenant fermement le peuple ukrainien, Gilmour répond à un Waters qui apparait aujourd'hui comme un pro-russe (les Polonais ont annulé récemment deux de ses concerts dans leur pays). Choisis ton camp, camarade ! Waters paye ses ambiguïtés face à l'annexion de la Crimée en 2014 et ses positions sur le régime de Poutine. Une semaine avant l'invasion, il balayait d'un revers de la main les rumeurs, les qualifiant de propagande contre la Russie. Et ce ne sont pas ses déclarations tordues après l'invasion qui ont calmé les esprits. Qualifiant tout de même Poutine de "gangster", il ose mettre sur un même plan le pays envahit et son envahisseur, rejetant une grande partie de la faute sur les Occidentaux (son obsession depuis des décennies) du fait de leur aide militaire aux... Ukrainiens. Selon lui, tout irait mieux si l'Ukraine était désarmée face à son ennemi. Une paix serait à coup sûr signée. Il oublie juste de préciser qu'un pays indépendant serait rayé de la carte. Aujourd'hui, il s'étonne d'être sur des listes noires d'organisations clandestines ukrainiennes et se fait passer pour une victime en criant, à qui veut l'entendre, que le gouvernement ukrainien souhaite l'assassiner. Triste dérive (prévisible) pour un artiste aussi talentueux. C'est pourquoi, au final, je préfère nettement plus la démarche d'un Gilmour, même si, je dois l'avouer, j'aurais préféré que Hey Hey Rise Up sorte sous son seul nom. Mais il est évident que cela aurait eu beaucoup moins d'impact si cela n'avait pas été signé Pink Floyd. 

Musiciens 

David Gilmour : chant, guitares, claviers

Nick Mason : batterie

Rick Wright : claviers (2)

Andriy Khlyvnyuk : chant (1)

Guy Pratt : basse (1)

Nittin Sawhney : claviers (1)

Romany Gilmour : chœurs (1)

Veryovka Folk Song and Dance Ensemble : chorale (sample) (1)

Sam Brow : chœurs

Claudia Fontaine : chœurs

Durga McBroom : chœurs

Titres

01. Hey Hey Rise Up

02. A Great Day For Freedom 2022

Vidéos

Hey Hey Rise Up : lien vidéo ici

An

Andriy Khlyvnyuk : lien vidéo ici

Bridget St. John - Jumblequeen (1974)

Bridget St. John - Jumblequeen (1974)

Pourquoi écouter ce disque ?

Courtisée par Virgin et Rocket Records, le label d'Elton John, la chanteuse folk britannique Bridget St. John signe finalement chez Chrysalis après que sa maison de disque Dandelion où elle a sorti ses trois premiers albums, ait fermée ses portes. Ce contrat, elle l'a obtenu par l'intermédiaire de son ami Rick Kemp, qui a fait pression auprès de l'impétueux Jo Lustig, alors manager de son groupe Seeleye Span, qui a su jouer de ses relations. A cette époque, les têtes d'affiche de Chrysalis se nommaient Steeleye Span, Jethro Tull et Ten Years After. La maison de disque demande à Leo Lyons, membre fondateur et bassiste de Ten Years After, alors en quête de nouvelles ambitions, de produire le nouvel album de Bridget, Jumblequeen. Les deux artistes s'entendent immédiatement à merveille, devenant même amis. Leo a su capturer l'essence acoustique et mélancolique des chansons de Bridget, leur adjoignant de subtils arrangements. Ils se sont entourés d'excellents musiciens, tels que le complice de Leo au sein de Ten Years Afters, Chick Churchill aux claviers, Beverley Martyn, épouse de John Martyn, au chant, le guitariste américain Stefan Grossman, le bassiste Dave Winter, Mike Giles (ex-King Crimson) à la batterie, Bernie Marsden, futur fondateur de Whitesnake, et un quatuor à cordes. Sur le plan artistique, Jumblequeen est l'album de la maturité, Bridget est dans son élément. Elle écrit et chante sur sa vie, ses sentiments, ses proches, et le monde environnant. Sur le plan personnel, la situation est plus compliquée. La rupture avec son mari Nigel Beresford s'amorce. C'est d'ailleurs le thème de la chanson qu'il lui a écrite, Last Goodnight. Malgré de belles critiques, Jumblequeen n'obtiendra pas le succès escompté. Chrysalis ne signant pas pour un autre disque, Bridget s'en ira vers les États-Unis recommencer une nouvelle vie. Une page se tourne...

Musiciens

Bridget St. John : chant, guitare

Stefan Grossman : guitare, bottleneck

Bernie Marsden : guitare

Chick Churchill : claviers

Dave Winter : basse

Mike Giles : batterie

Gavyn Wright : violon

Godfrey Salmon : violon

Don Mc Vay : alto

Michael Hurvitz : violoncelle

Beverley Martyn : chant

Titres

01. Sparrowpit

02. Song For The Waterden Widow

03. I Don't Know If I Can Take It

04. Some Kind Of Beautiful

05. Last Goodnight

06. Curious & Woolly

07. Want To Be ith You

08. Jumblequeen

09. Sweet Painted Lady

10. Long Long Time

Vidéos

Song For The Waterden Widow : lien vidéo ici

Jumblequeen : lien vidéo ici

Last Goodnight : lien vidéo ici

Supper's Ready - A Tribute To Genesis (1995)

Supper's Ready - A Tribute To Genesis (1995)

Pourquoi écouter ce disque ?

Créé en 1989, Magna Carta Records est un label américain basé à New-York, spécialisé dans les musiques progressives, le metal, le jazz et le rock alternatif. En 1995, pour les vingt ans du départ de Peter Gabriel de Genesis, un tribute est édité sous le titre emblématique de cette formation britannique incontournable dans l'histoire du rock, Supper's Ready. Cette même année, la maison de disque publie deux autres tributes, Tales From Yesterday dédié à Yes, et The Moon Revisited en hommage à Pink Floyd. Personnellement, je ne suis pas très fan de ce genre d'exercice, mais celui-ci a attiré mon attention du fait de la participation d'Annie Haslam de Renaissance (que l'on retrouvera également sur Tales From Yesterday). Deux types d'artistes ont été conviés, la nouvelle génération marquée par Genesis (Enchant, Magellan Shadow Gallery...) et quelques contemporains de Genesis tels que Annie Haslam, mais aussi Richard Sinclair de Caravan qui livre une sublime version de For Absent Friends, Pete Bardens de Camel, avec le futur batteur de Genesis (sur Calling All Stations) au chant, Nick D'Virgilio, sur un passable Many Too Many, et David Hentschel, producteur de Genesis dans les années 70, impressionnant sur Undertow avec Jay Tausig au chant. Quant à Annie Haslam, elle réenchante littéralement le magnifique Ripples. Si aucuns extraits des albums Trespass, Wind & Wuthering, Invisible Touch et We Can't Dance n'ont été retenus, un certain équilibre s'est créé entre les années Peter Gabriel (six titres) et l'ère Phil Collins (huit titres). De Firth Of Fith (Over The Garden Wall) à Mama (Magellan) en passant par Squonk (Cairo) ou Entangled (Shadow Gallery), à vous de voir quelles versions saurons au mieux vous séduire. 

Titres et Artistes

01. WATCHER OF THE SKIES

Robert Berry and Hush

Robert Berry : chant, basse, guitare

Paul Keller : guitare

Mike Wible : claviers

Roger Bonasera : batterie

Gene Perrault : percussions

02. FIRTH OF FIFTH 

Over The Garden Wall

Marc Leveille : chant

Greg Bennett : guitares

Sue Bennett : claviers, chant

Gene Stout : basse

Paul Marangoni : percussions

03. UNDERTOW

David Hentschel and Jay Tausig

Jay Tausig : chant, guitares

David Hentschel : claviers

Daniel Todd Carter : batterie

04. RIPPLES

Annie Haslam

Annie Haslam : chant

David Biglin : instruments, chant

05. BACK IN NYC 

Kevin Gilbert

Kevin Gilbert : chant, guitares, basse, claviers, violoncelles, flûte 

Mike Keneally : guitares, kalimba, piano, flûte

Nick D'Virgilio : batterie, chant

Toby Holmes : trombone

06. FOR ABSENT FRIENDS

Richard Sinclair

Richard Sinclair : chant

David Rees-Williams : piano, clavecin, claviers

07. MAMA 

Magellan

Trent Gardner : chant, claviers

Wayne Gardner : guitares

Roger Patterson : batterie, percussions

08. MAN OF OUR TIMES

Enchant

Ted Leonard : chant

Douglas A. Ott : guitares, claviers

Ed Platt : basse

Paul Craddick : batterie

09. MANY TOO MANY 

Pete Bardens "Mirage"

Pete Bardens : claviers

Nick D'Virgilio : chant, batterie

Desha Dunnahoe : basse

Stevie Adams : guitares

 

10. ENTANGLED 

Shadow Gallery

Mike Baker : chant

Brendt Allman : guitares

Gary Wehrkamp : guitares

Chris Ingles : piano

Carl Cadden-James : chœurs

11. SQUONK 

Cairo

Bret Douglas : chant

Alec Fuhrman : guitares

Mark Robertson : claviers

Jeff Brockman : batterie

12. I KNOW WHAT I LIKE (IN YOUR WARDROBE) 

Crack The Sky

John Palumbo : chant, claviers, guitares

Ian Palumbo : guitares, chant

Tim Deaner : chant

Dr. Maurice Hayes : narration

13. CARPET CRAWLERS

John Goodsall with Michael Zentner

John Goodsall : guitares

Michael Zentner : chant

Tommy Mars : claviers

Jeff Berlin : basse

Tos Panos : batterie

Ty Parr : chœurs

Susan Willett : chœurs

14. KEEP IT DARK

World Trade

Billy Sherwood : chant, basse, guitares, claviers

Jay Schellen : batterie

Vidéos

Annie Haslam - Ripples : lien vidéo ici

Magellan - Mama : lien vidéo ici

Richard Sinclair - For Absent Friends : lien vidéo ici

Over The Garden Wall - Firth Of Fith : lien vidéo ici

Tvinna - One: In The Dark (2021)

Tvinna - One: In The Dark (2021)

Pourquoi écouter ce disque ?

Nouveaux venus sur la scène pagan folk, Tvinna est une supergroupe réunissant Fiona Rüggeberg (ex-Faun), Laura Fella (Faun), Fieke van den Hursk (ex-Cesair), Rafael Salzmann (Eluveitie) et Jasper Barendregt (Ulsect). Comme si ce casting de luxe ne suffisait pas, ils ont invités sur leur premier album One: In The Dark la déesse des îles Féroé Eivør Pálsdóttir, Fabienne Erni d'Eluveitie et la chanteuse soprano Jessey-Joy Spronk. Tvinna est avant tout une aventure féminine et une histoire d'amitié entre Fiona, Laura et Fieke qui ont composé et produit ce disque signé chez By Norse Music, label de Warduna et Eivør. Le nom même Tvinna est issu du vieux norvégien, il signifie "entrelacer". Leur musique à la base mi-rock, mi-electro, s'inspire d'anciens airs scandinaves. Une tétralogie est prévue, In The Dark étant le premier volume. Elle s'organise autour des quatre éléments, l'eau, l'air, la terre et le feu (comme l'ont également réalisés les Russes de Moon Far Away). L'eau, symbolisant la naissance, la maternité, le passage de l'ombre à la lumière, est au cœur du concept d'In The Dark qui relate les expériences personnelles de nos trois protagonistes. Celles-ci s'intéressent aussi à la mythologie à travers, notamment, la figure de la déesse Perchta dans 12, divinité toujours vénérée dans le sud de l'Allemagne et les Alpes autrichiennes. Si les voix féériques de Fiona et Laura envoutent dès les premières notes de The Gore, le son puissant de ce disque est absolument fabuleux. Ce travail est dû à Fieke, ingénieure du son et productrice aujourd'hui reconnue pour son travail avec Eivør, Myrkur, Katja Moslehner, Nanna Barslev, Omnia, Cesair, Faun, Leaves' Eyes ou encore Elvya. Pour résumer, Tvinna serait la rencontre improbable entre Clannad et Björk. 

Musiciens

Fiona Rüggeberg : chant, flûtes, électronique

Laura Fella : chant, mandoline, électronique

Fieke van den Hursk : accordéon, claviers, array mbira, électronique, beats

Rafael Salzmann : guitares, basse

Jasper Barendregt : batterie, percussions

Eivør Pálsdóttir : chant

Fabienne Erni : chant

Jessey-Joy Spronk : chant

Titres

01. The Gore

02. 12

03. Kreiz

04. Wild Hunt

05. Inside - The Dark

06. Sunna

07. Tides

08. Partus

09. Skymning

Vidéos

The Gore : lien vidéo ici

Kreiz : lien vidéo ici

Partus : lien vidéo ici

Sally Oldfield - Celebration (1980)

Sally Oldfield - Celebration (1980)

Pourquoi écouter ce disque ?

Sœur aînée d'un certain Mike, on se souvient tous de la prestation inégalable de Sally Oldfield sur le majestueux Shadow Of The Hierophant de Steve Hackett. C'était en 1975. Trois ans plus tard, Sally présentera son premier album solo, le sublime Water Bearer, suivi en 1979 du facétieux Easy. Celebration est sa troisième réalisation, elle non plus, non dénuée d'intérêt. A travers ce disque résolument optimiste, Sally célèbre la vie, chaque être vivant. D'une douceur extrême, sa musique explore différents styles musicaux, tout en conservant une certaine cohérence. Ainsi, la première chanson Mandala fait écho au new age naissant, Morning Of My Live est une délicate ballade aux accents folk, tout comme My Damsel Heart, tandis que Celebration s'ouvre au reggae, Blue Water emprunte des sentiers sinueux plutôt prog, et le splendide Woman Of The Night nous entraîne au cœur d'un cabaret de jazz à l'ambiance feutrée. Au fil de ses albums, Sally s'est constituée au solide noyau de musiciens fidèles, tels que Frank Ricotti (percussions), Graham Jarvis (batterie) ou encore Herbie Flowers à la basse qui a collaboré par le passé avec David Bowie, Elton John et Lou Reed. Elle a également fait appel à quelques pointures que sont le groupe de reggae Aswad (sur Celebration), John Kirpatrick de Steeleye Span, complice de Richard & Linda Thompson (à l'accordéon sur Morning Of My Life), le guitariste Tim Renwick (David Bowie et plus tard Pink Floyd), ou bien Mel Collins au saxophone (King Crimson, Camel, The Alan Parsons Project). En tout, une vingtaine de musiciens ont participé à cette sucrerie qui, telle une légère brise matinale, vient caresser notre âme. 

Musiciens

Sally Oldfield : chant, piano, synthétiseurs, marimba, percussions 

Nico Ramsden : guitares

Tim Renwick : guitares

Roger Rettig : guitares

Aswad : guitares, basse, batterie, percussions

Brian Miller : claviers

Tim Cross : claviers

John Kirkpatrick : accordéon

Mel Collins : saxophone

Kenny Wheeler : trompette

Alan James : basse

Herbie Flowers : basse

Pierre Moerlen : batterie

Graham Jarvis : batterie

Tom Newman : batterie, chœurs

Stuart Elliott : batterie

 Morris Pert : vibraphone

Frank Ricotti : percussions, glockenspiel 

Duncan Kinnell : congas

Titres

01. Mandala

02. Morning Of My Life

03. Woman Of The Night

04. Celebration

05. Blue Water 

06. My Damsel Heart 

07. Love Is Everywhere

Vidéos

Celebration : lien vidéo ici

Morning Of My Life : lien vidéo ici

Mandala : lien vidéo ici

Fearful Symmetry - The Difficult Second (2022)

Fearful Symmetry - The Difficult Second (2022)

Pourquoi écouter ce disque ?

Coup de cœur de ce mois d'octobre, ce deuxième album de Fearful Symmetry est un intense plaisir auditif. Fondé en 2018 par deux passionnés de rock et de prog, Suzi James et son cousin Jeremy Shotts, cette formation britannique propose un premier opus prometteur l'année suivante, Louder Than Words, inspiré de la vie et de l'œuvre du poète William Blake. D'ailleurs, leur nom "Fearful Symmetry" est extrait d'un vers de son fameux poème The Tyger dans lequel il s'interroge sur les motivations de Dieu qui a créé à la fois le tigre et l'agneau. Projet uniquement studio, Fearful Symmetry revient avec The Difficult Second, titre malicieux évoquant tant la difficulté pour un artiste de donner une suite à un premier disque, que le rapport au temps comme l'illustre la pochette réalisée par Suzi. Celle-ci s'est retrouvée seule aux commandes après la mise en retrait de Jeremy qui a seulement contribué aux paroles du passionnant épique Battlestorm, inspirées d'un certain... William Blake. Elle a accompli un travail de titan en composant la musique, écrivant les paroles, jouant de la guitare, de la basse, des claviers, de la mandoline, de l'oud, de l'e-violon, des percussions, participant aux chœurs, produisant, mixant, et masterisant l'album. Déjà présents sur Louder Than Words, Yael Shotts et Sharon Petrover ont apporté leur contribution respectivement au chant et à la batterie. The Difficult Second s'ouvre avec Mood Swings And Roundabouts, hommage à peine voilé à Yes. Le voyage se poursuit entre Orient et Occident. En effet, sortant de sa zone de confort, Fearful Symmetry enrichit sa musique au fil des titres de délicates émanations orientales bienvenues, que ce soit sur les deux instrumentaux Shifting Sands et Shukraan Jazilaan, ou le morceau chanté Eastern Eyes. Si vous recherchez un peu de chaleur, une musique positive, mais exigeante, contribuant à éloigner le stress du quotidien, The Difficult Second est pour vous. Un must !

Musiciens

Suzi James : guitares, basse, claviers, mandoline, oud, e-violon, percussions, chœurs

Yael Shotts : chant

Sharon Petrover : batterie

Titres

01. Mood Swings And Roundabouts

02. The Difficult Second 

03. Light Of My Life 

04. Shifting Sands 

05. Eastern Eyes

06. The Song Of The Siren 

07. Hope

08. Sandworm 

09. Shukraan Jazilaan

10. Warlords

Vidéos

Sandworm : lien vidéo ici

Shifting Sands : lien vidéo ici

Warlords : lien vidéo ici

Ranarim - Morgonstjärna (2006)

Ranarim - Morgonstjärna (2006)

Pourquoi écouter ce disque ?

Cette formation suédoise de musique folklorique a été en activité de 1997 à 2010. Quatre albums studios ont été publiés durant cette période, Morgonstjärna ("étoile du matin") est leur troisième. L'histoire de Ranarim (nom poétique qui peut se traduire par "tapisserie de rosée") commence lorsque quatre étudiants de l'Académie royale de musique de Stockholm décident de redonner vie à d'anciennes chansons du folklore suédois, souvent oubliées, avec une pointe de modernité. Ils prennent alors le nom de Ranarim. Ulrika Bodén est au chant et à la flûte, Sofia Sandén au chant et au violon, Jens Engelbrecht à la guitare, et Niklas Roswall au nyckelharpa. Niklas connaît déjà une certaine notoriété depuis qu'il a remporté en 1996 le championnat du monde de nyckelharpa. De la même famille que la vièle à roue, cet instrument à cordes frottées datant de l'époque médiévale, est l'instrument traditionnel suédois par excellence, indissociable du folklore de ce passionnant pays nordique. Cependant, sa renommée a dépassé les frontières de son pays depuis une quarantaine d'années. Des musiciens comme Laurent Vercambre (Malicorne) et Éléonore Billy (Octantrion) en France, ou Ana Alcaide en Espagne en sont devenus des spécialistes. En 2000, Ramarin sort son premier album, Till Ljusan Dag. Il est suivi trois ans plus tard par För Världen Älskar Vad Som Är Brokot qui voit l'arrivée du contrebassiste Anders Johnsson et de Sebastian Notini aux percussions. Ce dernier est remplacé par Olle Linder sur Morgonstjärna. En 2008, leur dernier album voit le jour. Il s'intitule Allt Vid Den Ljusa Stjärnan. Suite à cela, Sofia, Jens, Anders et Ollen quitteront la formation. Ulrika et Niklas rejoints par d'autres musiciens donneront le tout dernier concert de Ranarim le 15 décembre 2010. Leur chansons aériennes et plaisantes, dans la pure tradition folklorique, relatent d'anciennes légendes scandinaves, évoquent le changement des saisons, célèbrent la nature, explorent les relations humaines toujours aussi compliquées quelques soient les époques. Ulrika et Sofia qui chantent également dans un ensemble vocal, possèdent deux voix claires, complémentaires et enchanteresses se mariant à merveille. Si vous êtes intéressés par la culture scandinave, ou tout simplement curieux, Ranarim retiendra, à ne pas en douter, toute votre attention. 

Musiciens

Ulrika Bodén : chant, flûte

Sofia Sandén : chant, violon

Niklas Roswall : nyckelharpa, chant

Jens Engelbrecht : guitares, mandole

Anders Jonson : contrebasse

Olle Linder : percussions

Titres

01. Maj Vare Välkommen

02. Bondepraktikan

03. Kött På Benen

04. Inte Har Jag Pengar Inte Är Jag Pank

05. Falkvard Lagermansson

06. Kärleken Slutar Så Sena

07. Brinna Inga Hjärtan

08. Hem Igen

09. Morgonstjärna

10. Äldstebröderna

11. Sjömansvisan

12. Lyby Lasse

13. Vinder Vänder Om

14. Stolt Signhild

15. Fågel I Fjärran

Vidéos

Morgonstjärna : lien vidéo ici

Falkvard Lagermansson : lien vidéo ici

Maj Vare Valommen : lien vidéo ici

Clannad - Nádúr (2013)

Clannad - Nádúr (2013)

Pourquoi écouter ce disque ?

Quarante ans de Clannad résumés en un seul et même disque. Sorti en 2013, tout juste quarante ans après leur tout premier album, Nádúr ("nature" en gaélique) résume à lui tout seul la longue et passionnante carrière de ce groupe irlandais sans équivalence. Moya Brennan disait à sa sortie "chaque piste est différente, mais chaque piste est du pur Clannad". Ce qu'elle ne savait pas alors, c'est que cette petite merveille serait leur tout dernière production en studio. Par chance, c'est un Clannad de nouveau à cinq qui fait son retour. Pól Brennan qui avait quitté le clan en 1990 est de retour aux côtés de Moya, Ciarán Brennan, Noel Duggan et son frère jumeau Pádraig Duggan. Ce dernier décèdera en 2016. Parmi les musiciens qui les accompagnent, citons Ged Lynch à la batterie (David Gilmour, Peter Gabriel, Sting), Steve Turner aux claviers (Kylie Minogue) ainsi que le chanteur nord-irlandais Duke Special en duo avec Moya sur le titre phare de l'album, l'irrésistible Brave Enough, véritable hymne. Pour la première fois un harmonica se laisse entendre et c'est sur The Fishing Blues égayé par cet instrument (qui me rappelle l'air de Karma Chameleon de Culture Club). Autres moments forts, TransAtlantic aux paroles signées de l'auteur irlandais Colum McCann, The Song In Your Heart dédiée au père de Moya, Vellum, en ouverture, qui évoque le somptueux Livre de Kells, manuscrit médiéval considéré comme le plus beau trésor national d'Irlande (et dont Iona, héritier de Clannad, avait consacrait un album entier, The Book Of Kells en 1992), ou encore Setanta où il est question du héros mythologique irlandais Cú Chulainn. Aussi empreint de mysticisme que ses prédécesseurs, cet album clôt dignement une fabuleuse saga débutée dans un coin perdu du nord de l'Irlande et dont les protagonistes sont devenus, malgré eux, d'immenses stars internationales grâce, avant tout, à leur talent et à leur pugnacité. 

Musiciens

Moya Brennan : chant, harpe

Ciarán Brennan : basse, guitares, mandoline, claviers, chant

Pól Brennan : flûtes, guitares, claviers, bodhrán, chant

Noel Duggan : guitares, chant

Pádraig Duggan : mandole, chant

Duke Special : chant

Leon Brennan : chant

Steve Cooney : guitare nylon

Steve Turner : claviers

Alan Bailey : cornemuse

Eamon Murray : harmonica

Aisling Jarvis : bouzouki

Ged Lynch : batterie, percussions

Titres

01. Vellum 

02. Rhapsody Na Gcrann

03. TransAtlantic (3:57)

04. Turas Dhómhsa Chon Na Galldachd

05. Brave Enough

06. The Fishing Blues 

07. Lámh Ar Lámh 

08. Tobar An Tsaoil 

09. The Song In Your Heart 

10. A Quiet Town

11. Hymn (To Her Love) 

12. Setanta 

13. Cití Na Gcumann 

Vidéos

Brave Enough : lien vidéo ici

Vellum (radio edit) : lien vidéo ici

The Fishing Blues : lien vidéo ici

Kaipa - Urskog (2022)

Kaipa - Urskog (2022)

Pourquoi écouter ce disque ?

Géant du prog symphonique suédois, Kaipa a eu deux vies bien distinctes. Fondé en 1973 par le claviériste Hans Lundin, le groupe s'inspire à la fois de ses contemporains (Camel, Yes, Genesis...), de la musique classique (Bach) et du folklore suédois. Durant cette première aventure qui s'arrêtera nette en 1982, ils produisent cinq albums dont trois avec le futur fondateur de The Flower Kings, Roine Stolt. Au début du nouveau siècle, Hans Ludin réactive la machine Kaipa avec de nouveaux musiciens et deux chanteurs, Patrik Lundström et Aleena Gibson. Cette dernière est connue dans son pays pour graviter dans la sphère du concours de l'Eurovision, très prisé dans les pays nordiques, en tant qu'interprète mais aussi comme compositrice. Devenu seulement un projet studio, Kaipa en est aujourd'hui à son neuvième album. A l'image de la pochette représentant la profonde et dense forêt suédoise, Urskog peut se traduire par "forêt vierge". C'est elle qui a été la source première d'inspiration pour Hans, ainsi que le cycle des saisons. Les six morceaux présentés, dont deux épiques dépassant les quinze minutes, ont été imaginés comme une déambulation sensorielle au fil des saisons scandinaves. Les musiciens frôlent la perfection, y compris le nouveau venu à la batterie, Darby Todd (proche de Devin Townsend) à la frappe plus forte que son prédécesseur. Pour la première fois, un saxophone se laisse entendre sur une composition de Kaipa, permettant une légère incursion du côté du jazz. Kaipa propose une musique complexe, sophistiquée et avant tout lumineuse, très positive. Bref, pour qui aime le rock progressif symphonique exigeant, c'est l'éclate totale.

Musiciens

Patrik Lundström : chant

Aleena Gibson : chant

Hans Lundin : claviers, chant

Per Nilsson : guitares

Jonas Reingold : basse

Darby Todd : batterie

Elin Rubinsztein : violon

Olof Åslund : saxophone

Titres

01. The Frozen Dead Of The Night

02. In A World Of Pines 

03. Urskog

04. Wilderness Excursion 

05. In Tthe Wastelands Of My Mind

06. The Bitter Setting Sun 

Vidéos

Wilderness Excursion : lien vidéo ici

Urskog : lien vidéo ici

Vael - Kairós (2019)

Vael - Kairós (2019)

Pourquoi écouter ce disque ?

Dans la péninsule ibérique préchrétienne, Vaelico était le dieu loup commun aux tribus celtes qui la peuplaient. Fascinés par cette époque reculée et soucieux de porter un nom de groupe symboliquement rassembleur, le loup étant un animal mythique présent dans de nombreuses cultures, ce jeune ensemble espagnol a adopté le nom de Vael. En 2015, Daniel Iturriaga Chivo (flûtes, guzheng, cornemuse, cithare, hulusi, chant) et Macarena Pingarrón Romero (nyckelharpa, percussions, chant) s'associent à d'autres musiciens dans l'optique de produire une musique originale au concept encore flou, néanmoins inspirée de Tolkien et des univers celtiques. Très vite, Guillermo García Legidos (davul, bodhran, darbuka, tablas, udu) et Violeta M. Triviño (violon) les rejoignent, suivis de Camilo García Molinero (guitare classique, baglama, saz), Teresa Peciña Rodríguez (vielle à roue, flûtes, daf, chant) et José M. Vincente (guitare espagnole). Vael prend ainsi sa forme définitive en 2016, adoptant une toute nouvelle orientation musicale qui consiste à jouer une musique folk ayant pour dessein de fusionner les styles musicaux du monde entier. Les sept musiciens nomment ce nouveau courant panfolk. Ce choix est d'autant plus honorable que lorsqu'on se penche sur la formation musicale de chacun, on constate que l'une vient du classique, un autre du punk, une du jazz, une du grunge, un du metal folk, et un du flamenco. Toute cette diversité au service d'une ambition a donné ce succulent Kairós. Sorti en 2019, leur premier album a été conçu dans un esprit unificateur, colonne vertébrale du projet. Véritable invitation au voyage, il compile un travail conséquent entamé depuis quatre ans. Tel un tourbillon, il nous entraîne des steppes infinies de Russie au vaste Sahara africain, prenant un détour du côté de la Chine, de la Mongolie, de l'Europe balkanique, du Moyen Orient, de l'Amérique du Sud et d'une multitude d'autres endroits aussi insolites les uns que les autres, apportant une richesse sans fin à cette musique à la fois envoutante et solaire. Si les voix féminines m'évoquent celle de Francesca Nicoli d'Ataraxia, leur démarche artistique (et philosophique) se rapproche davantage de celle leurs compatriotes Amarok, L'Ham De Foc, et Ana Alcaide, mais aussi de Boann, Al Andaluz Project et, surtout, Loreena McKennitt. Pour autant, Vael et leur Kairós (à la pochette magnifique) demeurent une expérience unique à découvrir absolument. 

Musiciens

Teresa Peciña Rodríguez : vielle à roue, flûtes, daf, chant

Macarena Pingarrón Romero : nyckelharpa, percussions, chant

Daniel Iturriaga Chivo : flûtes, guzheng, cornemuse, cithare, hulusi, chant

Violeta M. Triviño : violon, chœurs

Camilo García Molinero : guitare classique, baglama, saz, chœurs

José M. Vincente : guitare espagnole, chœurs

Guillermo García Legidos : davul, bodhran, darbuka, tablas, udu, chœurs

Cristina R. Galván de Aegri Somnia : percussions

Caco Castellanos de Ocelon : chœurs

Talanka : chœurs

Tuchy Regueras : chœurs

Victor Saiz : chœurs

Titres

01. Caravanserai 

02. Harsha

03. Prometeo

04. Verde Olivo 

05. Danza Dos Teixos 

06. Montañas De Jade 

07. Nana

08. Nimue

09. Ängpolska

10. Czarne Czary

11. Vesna

Vidéos

Nimue : lien vidéo ici

Caravanserai : lien vidéo ici

Verde Olivo : lien vidéo ici

Nimue (live Castelfest 2019) : lien vidéo ici