Bilja Krstić & Bistrik - Извориште: A Cappella (2013)
Pourquoi écouter ce disque ?
Depuis le début des années 2000, l'ancienne star de la pop serbe (et yougoslave) Bilja Krstić revisite le folklore ancestral de son pays en compagnie de son groupe le Bistrik Orchestra. Elle s'est fixée comme mission de transmettre le patrimoine musical de son peuple aux générations futures. Sorti en 2013, Извориште qui peut se traduire par La Source, est son quatrième album. Il emprunte un chemin différent des précédents car Bilja n'a convoqué que la section féminine du Bistrik pour proposer douze chants anciens, interprétés uniquement a cappella, sans aucun autre instrument que la voix humaine. D'une durée parfaite de trente minutes, pas une seconde de plus, pas une de moins, le résultat est simplement magnifique, envoutant. En un claquement de doigts, Bilja nous transporte au cœur des Balkans mystérieuses avec ses chants polyphoniques traditionnels d'une beauté à couper le souffle. Véritable parenthèse enchantée, cet album présente une autre facette de ce petit pays qui mérite d'être découvert. Dommage qu'il n'ait pas été édité en dehors de la Serbie car il est toujours bon d'entendre battre le cœur d'un peuple, au-delà des préjugés.
Aidée du compositeur et arrangeur Krassimir Kyirkchiyski, la chanteuse lyrique mezzo-soprano Vesselina Kasarova, une des plus belles voix de Bulgarie, nous initie le temps d'un disque aux mystères de l'âme bulgare. Avec plus de 300 000 chansons et pièces instrumentales, la musique populaire bulgare constitue l'essence même de l'identité culturelle de ce petit pays situé entre l'Orient et l'Occident, au cœur des Balkans fragmentés. Si chacune de ses régions historiques a développé un style bien défini, variant néanmoins d'un village à un autre, elles ont en commun la particularité d'avoir différencié le chant et la musique, considérés comme deux arts à part. Les chansons ne sont, par tradition, que rarement accompagnées de musique réservée plutôt à la danse. Autre caractéristique, le chant est avant tout une affaire de femme, ce qui laisse supposer que ces pièces ancestrales, transmises de générations en générations, ont été créés par des femmes. Souvent mélancoliques, elles relatent des faits héroïques légendaires, évoquent l'amour, s'inspirent d'anciens rituels profanes, ou célèbrent les durs labeurs de la paysannerie. Sur ce blog, nous avons déjà croisé les routes du Mystère de Voix bulgares (devenu The Mystery Of The Bulgarian Voices), d'Irfan et de Darina Zlatkova, Vesselina Kasarova propose une autre approche toute aussi originale, entre classique et folk traditionnel.
Angela Gheorghiu ou l'étoile scintillante de Roumanie. En 2001, lorsque sort Mysterium, elle est devenue une star internationale. Sa carrière débute au début des années 90, suite à la chute du régime communiste de Ceaucescu. Elle peut désormais sortir sans crainte de son pays et se produire sur les plus prestigieuses scènes du monde comme le Royal Opera House ou la Scala. Mariée en 1996 à Roberto Alagna, sa voix ne cesse de fasciner les amateurs d'opéra. Pour autant, elle n'oublie pas sa Roumanie natale. Mystérium célèbre quinze airs sacrés, dont quatre roumains. Il faut attendre le XIXe siècle pour qu'apparaissent les premiers compositeurs roumains tels que Pann ou Humulescu. En interprétant leurs œuvres aux côtés de celles de Gounod, Schubert ou Brahms, elle ancre définitivement la culture roumaine (si riche mais si méconnue) à celle de l'Europe. Les tous premiers sons de ce disque à l'atmosphère mystique, telle celle des églises orthodoxes, proviennent d'une toaca. Cet instrument à percussions, typique de Moldavie, est apparu à l'époque médiévale, en remplacement des cloches dont le métal était fondu par l'envahisseur turc. Il les remplaçait pour l'appel à la prière. Depuis, il est entré dans la tradition religieuse. En rupture avec notre monde matérialiste, Angela Gheorghiu cherche à atteindre nos âmes à travers ses chants divins, accompagnée par le chœur Madrigal, fondé et conduit par Marin Constantin, et l'Orchestre Philarmonique de Londres.
Après vingt-cinq ans de carrière et une dizaine d'albums à son actif, Luar Na Lubre opère un retour aux sources. Solsticio, son nouvel album aux sonorités celtiques et médiévales, revisite les mélodies galiciennes ancestrales. Les instruments acoustiques, en particulier la vielle à roue qui avait été délaissée sur leurs dernières productions, sont à nouveau sollicités et mises à l'honneur par Bieito Romero, ses musiciens et leurs invités. Solsticio célèbre à la fois la musique médiévale chrétienne et la musique profane traditionnelle de Galicie, du Portugal et d'autres régions européennes. Le célèbre Chemin de Compostelle, ses pèlerins anonymes à travers les âges, les textes du troubadour Martin Codax qui vécut au XIIIe siècle, ou encore le Codex Calixtinus compilant des textes liturgiques, historiques et hagiographiques à la gloire de Saint-Jacques, sont quelques-unes des sources d'inspiration qui ont alimenté l'imagination de nos amis galiciens. Mais c'est surtout les chansons du roi Alphonse X le Sage, du moins celles qui lui sont attribuées, qui ont été déterminantes. Huit d'entre elles ont été sélectionnées parmi les quatre cents et plus répertoriées. A sa première écoute, Solsticio apparaît comme un album essentiellement instrumental. Sara Vidal, sa chanteuse depuis sept ans, ne pose sa voix que sur quatre titres, les meilleurs du disques, parmi lesquels l'entrainant Schiarazulla Marazulla / A Carolina, Ven Bailar Carmiña aux effluves nostalgiques, et le morceau final Romance De Don Gaiferos évoquant la légende du duc d'Aquitaine Guillaume X qui trouva la mort à son arrivée à la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle, à l'issu de son pèlerinage. La soprano Xulia Cea ainsi que la chanteuse Diana Navarro (entendue sur Ao Vivo) apparaissent chacune sur un titre, Na Frouseira / Maravillosos Et Piadosos pour la première, A Miña Amiga pour la seconde. Solsticio donne un nouvel élan à Luar Na Lubre qui, juste après sa sortie, se séparera de Sara, pour accueillir en son sein Paula Rey au style plus proche de Rosa Cedrón.
Musiciens
Seuls les musiciens invités sont crédités dans la pochette du disque :
Ougenweide est un des groupes les plus singuliers de l'Allemagne des années 70. Pour son deuxième album sorti à peine un an après le premier, il accueille en son sein une nouvelle chanteuse, Minne Graw. Elle incarnera Ougenweide comme Grace Slick a incarné Jefferson Airplane ou Sandy Denny Fairport Convention, toutes trois ayant comme point commun d'être arrivées lors du deuxième album de leur formation respective. Pour une décennie, Minne devient ainsi la Voix féminine du groupe. Dans le Hambourg bouillonnant des seventies, Ougenweide joue une musique d'inspiration médiévale, accessible au grand public grâce à ses incursions pop et rock. Ses cousins s'appellent Fairport Convention, Steeleye Span, The Incredible String Band ou Malicorne. Der Fuchs Und Der Rabe, le premier morceau d'All Die Weil Ich Mag, laisse découvrir le chant cristallin de Minne, guère éloigné de celui de Jacqui McShee de Pentangle. Les arrangements, très travaillés, sont somptueux et délicats, tout autant que les harmonies vocales. Les textes explorent le passé de l'Allemagne. Der Rattenfänger est signé Goethe, Der Rivale date du XVIIe siècle, Palästina Lied évoquant les Croisades est de Walther von der Vogelweide-Bearb, grand poète des XIIe-XIIIe siècles, et Merseburger Zaubersprüche reprend une des deux incantations magiques de Mersebourg, les plus vieilles connues relatives aux croyances païennes germaniques, conservées dans leur langue d'origine. Sans Ougenweide et son extravagance, il est certain qu'Estampie ou Faun n'auraient jamais vu le jour.
Musiciens
Minne Graw : chant, flûte, harmonium, clavecin, piano
Frank Wulff : flûte, mandoline, guitare acoustique, harmonium indien, guimbarde
Stefan Wulff : basse, piano, guitare acoustique
Jürgen Isenbart : marimbaphone, glockenspiel, xylophone, percussions
Robert Santamaría & Ensemble Spatium - Jaume I: Músíca De Fets Í Llegendes (2021)
Pourquoi écouter ce disque ?
Paru peu de temps après El Ojo Del Mundo, le dernier album d'Amarok, Jaume I: Músíca De Fets Í Llegendes est présenté par son créateur Robert Santamaría comme son projet le plus ambitieux. Fondateur d'Amarok, un des groupes les plus passionnants de la scène prog espagnole, Robert a élaboré avec minutie, durant une trentaine d'années, ce disque d'une incroyable richesse. Il raconte l'histoire du célèbre roi d'Espagne Jacques Ier d'Aragon dit le Conquérant qui régna de 1229 à 1276. Durant sa vie agitée, ce personnage-clé de l'histoire de la péninsule ibérique a renforcé le pouvoir royal et repris les Baléares, Valence et la Murcie aux musulmans. Robert ne s'est pas limité à la seule approche historique, il a aussi embrassé toute la dimension légendaire de cet illustre souverain devenu chevalier-roi dès l'âge de vingt ans. Sont dépeints ses succès, mais aussi ses échecs, ainsi que les trois femmes incontournables de sa vie, ses épouses successives Aliénor de Castille, Yolande de Hongrie et Thérèse Gil de Vidaure. L'idée première de ce projet pharaonique est née au début des années 90, après que Robert ait quitté son Venezuela natal pour s'installer en Catalogne. Avec Lidia Cerón, première chanteuse d'Amarok, ils posent ensemble les bases. Puis, en parallèle d'Amarok, Robert tisse patiemment les fils qui, parfois, s'enchevêtrent avec les compositions de son groupe. Ainsi, des chansons comme El Rei Infant, Canço De Guerra, Elionor De Castella, Teresa Gil et El Pi De Les Tres Branques, composées entre 1991 et 1993, aurait parfaitement pu faire partie d'œuvres telles que Els Nostres Petits Amics ou Canciones De Los Mundos Perdidos. D'autres, comme Vida Cortesana ou L'Últim Viatge datent de 1997 à 1999. Celebracions et L'Aprenent De Rei appartiennent à l'époque de Quentadharkën (2004). Enfin, Al-Àndalus, La Llum Minvant, a été composé récemment, en même temps que les thèmes d'El Ojo Del Mundo. Cette musique d'essence médiévale enrichie d'éléments folk, prog, classique et world, entre Orient et Occident, est interprétée par l'Ensemble Spatium. Cette formation de dix musiciens réunit à la fois des membres d'Amarok comme la sublime chanteuse Marta Segura, le vieux compagnon de route Manel Mayol, l'ami de toujours Victor Estrada, les nouveaux venus Tarik Smith et Marc Egea, ainsi que deux fidèles de Dafnia, autre projet parallèle de Robert, que sont Manel Vega et Coloma Bertran. Pour faire une comparaison un peu osée, cet album, au livret richement illustré tel des enluminures, m'évoque le Beneath The Waves de Kompendium, imaginé par Rob Reed de Magenta, œuvre toute aussi monumentale frôlant la perfection qui illustre à elle seule tout le savoir-faire d'un Artiste avec un grand "A".
Ces quatre-là, elles sont complètement barrées ! Elles ? C'est Horzines Stara, quatuor féminin originaire de Normandie. Bords De Terre - Dubhe est leur premier album qui a nécessité quatre années de préparation. Miléna Martin (violoncelle, chant), Élise Pastor (percussions, chant), Marceline Malnoë (accordéon, chant) et Laura Zanetti (guitare, chant) sont quatre voix en polyphonie qui offrent une musique acoustique aux allures traditionnelles, nourrie d'influences multiples (chanson française, musique balkanique, folk psychédélique...) à l'image de cette génération du monde d'aujourd'hui qui a abattu les frontières culturelles. Leur modèle ? Ces conteuses d'antan, qu'elles soient normandes ou d'ailleurs. Horzines Stara qui signifie "vieilles étrangères" (horzines = étrangères en normand et stara = vieilles en polonais) ne s'impose aucune limite dans leur création, leur maître-mot étant "liberté". En lisant dans les notes du livret de l'album qu'elles avaient été en Moldavie, j'ai de suite fait un parallèle avec la formation moldave Zdob și Zdub, toute aussi imprévisible dans sa démarche artistique. A l'exception de deux textes, l'un d'Henri Michaux (L'Isoloir) et l'autre, incandescent, du poète maudit rémois Roger Gilbert-Lecomte (La Tête A L'Envers), elles écrivent leurs propres paroles en anglais, en français, mais aussi dans une langue imaginaire aux sonorités est-européennes. Je ne peux que vous inviter à vous laisser tenter par leur douce folie délicieusement contagieuse.
Le quatuor Horzines Stara révèlera son nouvel album « Bords de Terre – Dubhe » à l’occasion de sa sortie le 27 mai 2022 en digital et le 17 juin 2022 en physique chez Vlad Productions / InOuïe Distribution. Ce nouvel opus sera présenté le jeudi 30 juin 2022 sur la scène du Studio de L’Ermitage (Paris) lors d’un concert de lancement exceptionnel.
Ute Lemper - Blood & Feathers: Live From The Café Carlyle, New York (2005)
Pourquoi écouter ce disque ?
Une petite escapade entre le Berlin décadent des années 20, le Paris romantique de Jacques Prévert et le New York meurtri du nouveau millénaire, ça vous dit ? En 2005, l'artiste allemande Ute Lemper a posé ses valises au Café Carlyle de New York, où sont passées auparavant Judy Collins, Debbie Harry ou encore Eartha Kitt, pour sept semaines de spectacle aux ambiances cabaret bien déjanté. A la fois danseuse, actrice et chanteuse, Ute s'est fait connaître durant les années 80 pour ses reprises de Kurt Weill et Bertolt Brecht, mais aussi pour sa participation à la comédie musicale Cabaret pour laquelle elle a obtenu un Molière en France. En 1990, elle joue le rôle de l'épouse de Pink lors du géantissime The Wall Live In Berlin orchestré par Roger Waters. Entourée de Vana Gierig au piano, de Mark Lambert (de Renaissance) à la guitare, de Gregory Jones à la basse et du batteur Todd Turkisher, Ute propose un spectacle à la fois vivant et extravagant, en interaction sans cesse avec le public. Revisitant son répertoire, elle reprend certains classiques de Brecht qui l'ont fait connaître, mais aussi du Piaf en français dans le texte (Milord, l'Accordéoniste avec lequel elle s'envole durant une dizaine de minutes), du Stephen Sondheim (The Ladies Who Lunch) et quelques classiques pop plus contemporains signés Van Morrison, Sting, Joni Mitchell ou bien Tom Waits. Cabaret Medley clôture la représentation. Cet enchaînement est un hommage à John Kander et Fred Ebb (décédé en 2004) qui ont écrit les comédies musicales à succès Cabaret et Chicago, ainsi que la célèbre chanson New York, New York popularisée par Liza Minnelli. Seule Blood And Feathers a été composée par Ute. Cette chanson très intense est alors inédite ; elle sera enregistrée pour son album suivant Between Yesterday And Tomorrow (2007). Ute Lemper est une artiste surprenante au parcours artistique atypique. Excellente introduction à son univers surréaliste, cet album live offre une large étendue de son talent et c'est un pur régal.
Et la lumière fut... Tel un phénix, AmartiA renait de ses cendres en 2014 suite à la rencontre entre Vincent Vercaigne, son fondateur et guitariste, et la chanteuse Amandine Duwooz. Groupe lillois apparu au début des années 2000, il éclate une dizaine d'années plus tard après avoir accueilli en son sein deux chanteuses successives. Grâce à l'arrivée d'Amandine, Vincent reprend confiance. Il rappelle son vieux complice Cyril Carrette derrière les claviers depuis 2002, et s'entoure d'une nouvelle rythmique, Sébastien Descarpentries à la basse et Thomas Desmet à la batterie. En 2017, AmartiA présente son cinquième album, l'acclamé The Beast Within... aux influences metal prog. Quatre ans après, ils reviennent avec un Daylight Beauty, plus apaisé, mais tout aussi éblouissant. Le line-up demeure inchangé, à l'exception du poste de batteur désormais occupé par Quentin Daumal arrivé juste après la sortie de The Beast Witin... . AmartiA s'est transformé en une véritable aventure humaine réunissant cinq musiciens soudés, bien loin de ce qu'il était à ses débuts, et cela s'entend dans sa musique. Lumineux et flamboyant, Daylight Beauty s'oppose à son prédécesseur ténébreux et sombre, tout en étant complémentaire. Ces deux opus indissociables ont été imaginés comme les deux faces d'une même pièce, à l'instar de ce qu'avait proposé Hubert-Félix Thiéfaine avec La Tentation Du Bonheur et Le Bonheur De La Tentation. Portée par les soli étincelants de Vincent, les claviers majestueux de Cyril et une rythmique solide et inventive, Amandine nous éblouit par ses lignes de chant incandescentes, rivalisant sur certains passages avec Anneke van Giersbergen (Lily, Old Man And The Sea, Cloud 9). Elle-même avoue avoir gagné en confiance. Même si ma préférence va pour The Journey, voyage onirique au subtil développement progressif, il n'y a aucun moment faible sur ce disque doté d'une identité forte, évoquant par moments Magenta, Karnataka, Anathema ainsi que The Gathering. Avec Daylight Beauty, AmartiA atteint des sommets stratosphériques, tant sur le plan émotionnel que musical. Il deviendra, à ne pas en douter, un incontournable de la discographie du groupe, mais aussi un classique de référence de ce que propose la scène prog française actuelle. A posséder absolument !
Elle était mannequin. Elle était écrivaine. Elle était chanteuse. Andrea Haugen a été assassinée le 13 octobre 2021 dans les rues de Kongsberg, en Norvège, par un illuminé armé d'un arc et de flèches. Quatre autres personnes ont été tuées ce sinistre jour, majoritairement des femmes, et trois autres ont été blessées. Andrea s'est forgée une solide réputation au sein de la scène underground dark à partir des années 90, sous les noms d'Aghast puis d'Hagalaz' Runedance. Avec les années 2000, son projet musical devient Nebelhexë, ce qui peut se traduire par "sorcière du brouillard". Trois albums sortiront sous ce nom, Laguz, Within The Lake (2004), Essensual (2006), et Dead Waters (2009). Lorsqu'elle a commencé à travailler sur Essensual, elle était dans une mauvaise période de sa vie, tant sur le plan émotionnel que philosophique. Elle avait du mal à se reconnaître dans ce monde tourmenté. En réponse, elle est partie à la recherche de nouvelles sonorités, développant l'aspect électro et dansant de sa musique peu exploré jusque-là, sans pour autant abandonner les guitares tranchantes, comme en témoignent celles de Purple Nightshades ou d'Invisible Entity, ni les ambiances sombres ou ésotériques. Les oreilles affutées aux années 80 se remémoreront à l'écoute de ce disque les premiers Depeche Mode, Kate Bush mais aussi The Cure dont elle reprend ici de manière honnête leur cultissime The Figurehead. Avec Essensual, Andrea élargit son champ d'horizon, comme l'a fait cette même année 2006 une autre figure incontournable de la scène gothique, Monica Richards de Faith & The Muse avec son premier album solo, InfraWarrior.
