Caprice - Masquerade (2010)

Caprice - Masquerade (2010)

Fini les mondes féeriques de Kywitt! Kywitt! ou des Elvenmusic, retour à la dure réalité avec Masquerade, dixième album studio de Caprice, formation néoclassique russe conduite par le compositeur Anton Brejestovski et la chanteuse Inna Brejestovskaya. Ce concept-album inspiré des œuvres des poètes Daniil Harms, Velimir Khlebnikov, Marina Tsvetaeva, Anna Akhmatova, Nikolai Gumilev, Vladimir Mayakovsky et Kirill Zakharov se divise en deux temps. 

La première partie porte sur le temps de l'innocence, de la liberté de création et de la folie positive qui en découle où tout semble possible. Le poète, contraint par aucune limite, est maître de son œuvre, qu'elle soit d'avant-garde, romantique ou de contestation. Cette joie de vivre est palpable tout au long de ce cycle malgré l'orage qui s'annonce. 

Le basculement intervient à partir de l'interlude musicale The Master's Shadow d'inspiration wagnérienne. L'atmosphère s'assombrit subitement, à l'image de cette Russie sombrant dans le totalitarisme sanguinaire mis en place par Lénine, Trotski, puis Staline. Les masques tombent et, comme sur la pochette imaginée par Sabine Adélaïde, derrière se dissimule un système politique monstrueux dans lequel la peur règne et la mort rôde. Des poètes cités, un seul survivra. Exécutions sommaires, manques de soins volontaires, déportations et suicides plus ou moins assistés emporteront prématurément ces artistes et des millions d'autres innocents. Dans Unmasked, ces disparitions de masse sont incarnées à travers chaque battement, tandis qu'un chœur symphonique orthodoxe symbolise ces âmes torturées. Ce même chœur intervient dans Listen! où la mort devient la seule issue salvatrice à ce chaos et monde de souffrance. Après les supplications vaines (What Have I Done To You), la Russie s'est transformée en un champ de ruine duquel s'échappe le chant mortuaire God's Wrath Has Smitten Our World. La folie dévastatrice est à son comble dans Fox And Cockerel relatant les derniers moments de ce prisonnier ayant perdu la raison suite à la peur, la faim et la maltraitance et qui, dans un dernier moment de lucidité, crache au visage de ses geôliers révolutionnaires soit-disant agissant pour le bien de l'humanité, avant son exécution.

Album bouleversant d'un bout à l'autre, on ne ressort pas indemne de l'écoute de ce Masquerade dont le chant en russe lui confère toute une dimension symbolique. Rares sont les œuvres musicales s'aventurant avec autant de justesse dans les méandres de l'Histoire et explorant avec cette même intensité sa face obscure. Ne jamais oublier, telle est la mission du devoir de mémoire.

Musiciens

Irena Brejestovskaya : chant
Anton Brejestovski : piano, claviers, programmation
Alexandra Korzina : violon
Alexey Tolstov : violoncelle
Nikolai Gorshkov : contrebasse
Vladimir Bobovnikov : flûte, piccolo
Anton Konchakov : clarinette
Alexei Bazhalkin : basson
Vladislav Lavrik : trompette
Tanya Strunina : harpe
Minister of Sounds : guitare électrique
Max Brejestovski : basse
Dmitriy Vlasenko : batterie

Lyudmila Shamina : chant
Marina Nefteeva : chant
Vsevolod Vasiliev : chant
Vladimir Sudakov : chant
Vyacheslav Kirilyuk : chant
Maxim Osokin : chant

Titres

Part One
01. Reality
02. Agnesa
03. Stones
04. Marina
05. To A Girl
06. Venice
07. Elizabeth Played With Fire
08. Forest Lullaby

Part Two
09. The Master's Shadow
10. What Have I Done To You
11. Hunger
12. God's Wrath Has Smitten Our World
13. Hottentot Cosmogony
14. Unmasked
15. Listen!
16. Fox And Cockerel

Tarja - What Lies Beneath (2010)

Tarja - What Lies Beneath (2010)

Tarja, la diva finlandaise, est de retour en 2010 avec un nouvel album sobrement intitulé What Lies Beneath. Définitivement détachée de son ancienne formation Nightwish, elle affiche désormais clairement son ambition d'asseoir son titre si prisé de Reine du metal symphonique. 

Pour cela, elle s'est totalement investie dans ce projet en participant à la production et à l'écriture de chaque titre. Si les guitares sont bel et bien de retour, un subtil équilibre a été trouvé entre morceaux plutôt rentre dedans et ballades. Trois d'entre elles touchent au sublime : Underneath, quatrième single faisant office de pont avec My Winter Storm, Rivers Of Lust à la prestation vocale splendide, et Montañas De Silencio chantée en espagnol.

Les fidèles Alex Scholpp (guitares), Christian Kretschmar (claviers), Doug Wimbish (basse) et Mike Terrana (batterie) constituent la colonne vertébrale musicale de ce What Lies Beneath enrichi de la présence d'invités de marque. Van Canto, formation metal qui a la particularité de ce produire a cappella, apporte un aspect Bohemian Rhapsody à Anteroom Of Death, le morceau d'ouverture. Le violoncelliste Max Lilja d'Apocalyptica joue sur quatre titres. Pour la petite histoire, son comparse Eicca Toppinen fait une apparition toute aussi remarquée cette même année sur l'album Hyvästi, Dolores Haze, de Johanna Kurkela, petite amie de Tuomas Holopainen, leader de Nightwish. Complice de Doug Wimbish au sein de Living Coulour, Will Calhoun dynamise la rythmique de Crimson Deep en duo avec Mike Terrana. Ce batteur d'exception s'est construit une solide réputation en accompagnant des artistes aussi divers que Mick Jagger, B.B. King, Paul Simon ou Lou Reed. Falling Awake, fable positive sur la vie inspirée des écrits de Paulo Coelho, est illuminée dans son final par un magnifique solo de Joe Satriani.

What Lies Beneath est un album qui s'écoute avec plaisir. Il comblera aussi bien les fans de la première heure de Tarja qu'un nouveau public séduit par sa voix si précieuse. A noter que la version deluxe contient trois titres supplémentaires dont Naiad, autre ballade exceptionnelle s'étendant sur pas moins de sept minutes divines.

Musiciens

Tarja : chant, piano

Alex Scholpp : guitares, basse
Christian Kretschmar : claviers
Doug Wimbish : basse
Mike Terrana : batterie

Max Lilja : violoncelle
Jyrki Lasonpalo : violon
Pauline Fleming : violon
Rémi Moingeon : alto
Johnny Andrews : claviers
Will Calhoun : batterie, percussions
Julian Barrett : guitare, basse
Kid Crazy : claviers
Philip Labonte : chant
Joe Satriani : guitare
Marzi Nyman : guitare
Bart Hendrickson : guitare, basse, claviers

Van Canto : chant
The Slovak National Orchestra and Choir

Titres

1.01. Anteroom Of Death
1.02. Until My Last Breath
1.03. Dark Star
1.04. Underneath
1.05. Little Lies
1.06. Rivers Of Lust
1.07. In For A Kill
1.08. Montañas De Silencio
1.09. Falling Awake
1.10. The Archive Of Lost Dreams
1.11. Crimson Deep

2.01. We Are
2.02. Naiad
2.03. Still Of The Night

Johanna Kurkela - Hyvästi, Dolores Haze (2010)

Johanna Kurkela - Hyvästi,
Dolores Haze (2010) 

Johanna Kurkela est une charmante chanteuse finlandaise née en 1985. Son quatrième album, Hyvästi, Dolores Haze, disponible en 2010, a attiré notre attention pour deux raisons. La première, c'est qu'elle chante uniquement dans sa langue natale, le finnois, et c'est original. La seconde, toute aussi intéressante, est la présence de Troy Donockley aux uilleann pipes et whistles, notamment sur le titre Satojen Merien Näkijä composé par un certain... Tuomas Holopainen, leader de Nightwish. 

Cette ballade acoustique sentant bon les paysages maritimes, fait un écho lointain à The Islander des mêmes Nightwish, grâce à l'intervention du génial Troy aux flûtes irlandaises. Les autres chansons sont une collection de pop songs acidulées, proche de l'esprit Eurovision (Rakkauslaulu, premier single avec le violoncelliste Eicca Toppinen, fondateur du groupe de metal Apocalyptica) ou de la variété italienne (Ainutlaatuinen). Quant à l'entraînante Kosketusta Vailla Vapiseva Mies, elle aurait très bien pu figurer sur l'album In Your Room d'Anneke van Giersbergen. D'ailleurs, la ressemblance de leurs voix est des plus troublantes. De Piha Ilman Sua, il se dégage en revanche une ambiance sombre, triste. L'album se termine en beauté par un clin d'œil à Nabokov et à sa Lolita, Dolores Haze. 

De la même famille que le hongrois ou l'estonien, le finnois n'est ni une langue scandinave, ni une langue slave comme on pourrait le penser. Il est plaisant de se rendre compte que sa mélodie est parfaitement adaptée à ce type de répertoire qui a pour seule prétention d'apporter un peu de plaisir et d'évasion. Et de ce côté-là, s'est réussi. A noter que Johanna deviendra officiellement le 28 octobre 2015 Madame Tuomas Holopainen.    

Musiciens

Johanna Kurkela : chant

Sampo Haapaniemi : batterie, percussions, claviers
Timo Kämäräinen : basse
Markus Koskinen : guitare, claviers
Matti Paatelma : piano
Eicca Toppinen : violoncelle
Troy Donockley : uilleann pipes, whistles

Titres 

01. Tuo Se Mulle
02. Kielletyt Kielot
03. Rakkauslaulu
04. Ainutlaatuinen
05. Ilta Saapuikin Niin Äkkiä
06. Kosketusta Vailla Vapiseva Mies
07. Piha Ilman Sua
08. Maan Päällä Niin Kuin Taivaassa
09. Satojen Merien Näkijä
10. Jos Sä Tarvitset Mua
11. Hyvästi, Dolores Haze

Introitus - Elements (2011)

Introitus - Elements (2011)

Qui suis-je ? Je suis une famille avant d'être un groupe de rock néo-progressif. Ma musique évoque tout aussi bien Ayreon que Mostly Autumn ou Magenta. Je vis en Suède. Je suis ? Je suis ?... Introitus.

Album de la maturité, Elements fait suite au génial Fantasy paru en 2007. Il réunit autour d'Anna Jobs Bender (chant, paroles) et de son mari Mats Bender (claviers, compositions), deux de leurs enfants, Johanna (chant, percussions, claviers) et son frère Mattias (batterie, chant), ainsi que l'excellent guitariste Päl Helje, Henrik Björlind (guitares, flûtes, claviers) et Dennis Lindqvist à la basse.

A travers ce disque, composé de cinq longues pièces épiques (de huit à dix-sept minutes) et de quatre interludes, la famille Bender et ses musiciens ont choisi de célébrer l'amour sous toutes ses formes.

Amour de la planète d'abord. Non seulement chaque interlude musicale fait référence aux quatre éléments (terre, vent, feu, eau), mais de la colère s'exprime également avec rage contre sa mise en péril sur The Hand That Feeds You où le chant d'Anna ressemble à s'y méprendre à celui de Christina Booth - époque Revolutions. Les deux chanteuses ont la particularité commune d'exprimer une même humilité, ce qui les rend à la fois si humbles et si touchantes.

Amour des hommes ensuite. Like Always permet à Anna de déclamer son amour à son époux et au couple qu'ils forment ensemble depuis si longtemps. Comme sur The Hand That Feeds You, Päl Helje délivre un solo de guitare magistral, tout en émotion, digne d'un Steve Rothery. Elements se conclut par Soulprint dont l'introduction à la flûte suivie d'un violoncelle annonce la gravité. Cette chanson a été écrite à la mémoire de la mère d'Anna, emportée par un cancer, qu'elle a accompagnée jusqu'à son dernier souffle. Une aura solennelle se dégage tout au long des dix-sept minutes que dure ce vibrant hommage.

Elements possède l'intelligence rare de parler aussi bien au cœur qu'à la raison. S'il fallait comparer Introitus à une autre formation, ce serait sans aucune hésitation Magenta avec laquelle elle partage nombre de points communs, dont celui de posséder deux grandes voix ouvertes sur le monde.

Musiciens

Anna Jobs Bender : chant
Mats Bender : claviers
Pär Helje : guitares, chant
Henrik Björlind : guitares, flûtes, claviers
Johanna Bender : chant, percussions, claviers
Dennis Lindqvist : basse
Mattias Bender : batterie, chant

Stefan Ekedahl : violoncelle

Titres

01. The Hand That Feeds You
02. Earth
03. Like Always
04. Wind
05. Restless
06. Fire
07. Dreamscape
08. Water
09. Soulprint

Vamp - I Full Symfoni II (2010)

Vamp - I Full Symfoni II (2010)

Vamp est un groupe folk norvégien combinant rock et musique celtique. Il est fondé en 1991 par Øyvind Staveland, un charpentier également multi-instrumentiste (chant, violon, accordéon, flûte), à Haugesund, ville portuaire de la côte ouest. Un premier album, God Morgen, Søster, sentant bon l'air marin, est disponible en 1993. Des musiciens partiront, d'autres entreront au fur et à mesure que le succès deviendra croissant.

Durant sa carrière, toujours active, Vamp a reçu une multitude de récompenses et a vendu 700 000 albums, dont 150 000 de I Full Symfoni (2006) enregistré avec le prestigieux orchestre symphonique de la radio norvégienne. Une suite lui est donnée en 2010 avec, en guest, Eivør Pálsdóttir, célèbre chanteuse des îles Féroé.

Ce concert, dénommé tout simplement I Full Symfoni II, a été donné au mois d'avril de cette même année au Rockfeller Music Hall d'Oslo qui accueille, entre autre, le Inferno Metal Festival depuis 2001. C'est donc l'occasion de découvrir Eivør accompagnée d'un orchestre symphonique, et, disons-le tout de suite, c'est un pur régal.

Elle ouvre en duo le spectacle avec På Bredden, délicieuse ballade enchanteresse. Puis revient seule sur le mélancolique Et Nytt Land, suivi de St. Mandag aux airs d'opéra, et Salme I Mars, autre chanson émouvante au crescendo saisissant. Nú Brennur Tú Í Mæer, de son deuxième album solo Krákan, est également interprétée avec toute la justesse qui lui est due, mêlant à la fois fureur et grâce. Eivør l'a composée dans sa jeunesse, suite à sa première rupture amoureuse. Le concert se clôture à nouveau en duo avec Tir n'a Noir, premier succès de Vamp, aux paroles écrites par le célèbre poète contemporain Kolbein Falkeid, faisant référence au monde de l'éternelle jeunesse de la mythologie celtique.

I Full Symfoni II est un superbe concert de folk pour qui aime s'aventurer vers l'inconnu et découvrir des artistes aux langues peu familières. Toutes les chansons font mouche instantanément, même si nos favorites demeurent celles chantées par Eivør.

Musiciens

Øyvind Staveland : violon, accordéon, flûte, chant
Torbjørn Økland : mandoline, guitare, trompette, chant
Carl Øyvind Apeland : basse, chant
Paul Hansen : chant, guitare
Odin Staveland : piano, claviers, batterie, percussions, chant

Eivør Pálsdóttir : chant

Orchestre symphonique de la radio norvégienne

Titres

01. På Bredden
02. Ta Meg Med
03. Et Nytt Land
04. Tvangstanker
05. Gla I Deg
06. Men Går Eg Øve Engene
07. Tils Havs, Sao Raphael!
08. St. Mandag
09. Schultz gt.
10. Alt I Orden
11. Salme I Mars
12. Velkommen Inn
13. En Annen Sol
14. Nú Brennur Tú Í Mær
15. Tir n'a Noir

Kristian Blak & Yggdrasil - Yggdrasil (2002)

Kristian Blak & Yggdrasil -
Yggdrasil (2002)

Dans la mythologie nordique, Yggdrasil est l'arbre cosmique, symbole de la vie, du savoir et de l'avenir. C'est ce nom qu'a choisi Kristian Blak pour son projet musical associant chants traditionnels et jazz érudit. 

D'origine danoise, Kristian Blak s'installe dans îles Féroé dès 1974. Il est devenu en quelques années une figure incontournable de la scène musicale locale. En 1977, il participe à la fondation du label Tutl ("murmure" en français), véritable institution culturelle de nos jours. Une centaine d'artistes représentant tous les styles musicaux (rock, pop, folk, jazz, metal...) figurent au catalogue. Le label organise annuellement des festivals au rayonnement international tel le G! Festival ou le Summer Festival qui a vu passer entre autres Scorpions, Roger Hodgson (ex-Supertramp) et Mika.

Kristian a imaginé en 1981 Yggdrasil comme un collectif dans lequel évolueraient des musiciens de tous horizons, que ce soit sur le plan musical ou géographique. Dès l'origine, son idée est de lier la musique à d'autres arts en croisant les disciplines (poésie, danse, arts visuels...). Il organise également des concerts inédits dans des lieux insolites : petits villages isolés, grottes marines etc. 

Yggdrasil, disponible en 2002, est incarné par la puissante voix de l'étoile montante de la scène féroïenne, Eivør Pálsdóttir. Elle n'a alors a son actif qu'un seul album, mais il est clair que Kristian a su déceler en elle tout un potentiel artistique appeler encore à éclore. Inspirées des grands espaces environnants et de la beauté fragile de la nature, les compositions revisitent le folklore local, mais aussi norvégien, suédois, groenlandais et même anglais en empruntant des textes à Shakespeare (A Vain And Doubtfull Good, Crabbed Age And Youth). Elles se muent ensuite en une musique contemporaine d'inspiration jazz, classique et rock. 

Le résultat est surprenant, parfois déconcertant, mais fait avant tout preuve d'une originalité qui comblera les amateurs de musique exigeants et curieux. Œuvre à part entière dans la carrière d'Evør, elle illustre son éclectisme artistique ainsi que sa capacité à interpréter tous les genres musicaux, aussi complexes soient-ils, avec une même aisance toute naturelle. 

Musiciens

Eivør Pálsdóttir : chant
Kristian Blak : piano
Tore Brunborg : saxophone
Anders Hagberg : flûtes
Anders Jomin : basse
Brandur Jacobsen : batterie, percussions

Titres

01. Náttina Eftir Fríggjanátt
02. Bort, Bort
03. The Eagle
04. Ognad
05. Led Er Din Sang
06. Yggdrasil
07. Oxberg
08. A Vain And Doubtfull Good
09. Crabbed Age And Youth
10. Smyril
11. Sorgen Var I Min Hu
12. Ajukutooq

Joanne McIver & Christophe Saunière - The Cannie Hour (2011)

Joanne McIver & Christophe Saunière -
The Cannie Hour (2011)

La dernière fois, la sonneuse Joanne McIver et le harpiste Christophe Saunière nous avaient conté le destin tragique de trois sœurs de l'île d'Arran. Cette fois-ci, ils nous invitent à passer une "heure douce" en leur compagnie, tranquillement installé au coin d'un feu, à écouter The Cannie Hour. En écossais, "cannie" signifie "doux", "calme", à l'image de ce disque à l'ambiance feutrée. 

Auteurs-compositeurs, le duo puise son inspiration aussi bien dans les mystérieuses légendes d'Écosse (John Macnab, The Orra Man, Ghosts) que dans les récits historiques de batailles héroïques (Bannockburn) ou de vies brisées (The Letter, A Year And A Day où une jeune femme attend avec inquiétude le retour de son fiancé parti à la guerre). Bien évidemment, la tradition est respectée grâce à la présence de reel (Tha Mòrag A' Dol), gigue (Barabal Òg) et simple chanson d'amour (My Bonnie Jo). 

Outre leurs instruments traditionnels, flûtes et cornemuses pour Joanne, harpe pour Christophe, ils ont introduit dans leur musique une guitare, une basse, des claviers et quelques percussions. Toujours dans l'esprit d'apporter une certaine consistance à leurs compositions, ils ont invité l'accordéoniste Pascal Pallisco (Dick Annegarn, Pierre Perret, Agnès Jaoui) et privilégié les cordes à travers les interventions bienvenues de l'altiste David Gaillard et du quatuor Whisky And Pistols. 

Avec The Cannie Hour, Joanne, dont il faut signaler ici la très belle voix, et Christophe offrent un magnifique voyage entre landes vertes infinies et lochs fascinants. Dépaysement garanti !

Musiciens 

Joanne McIver : chant, flûtes, cornemuse
Christophe Saunière : harpes, guitares, basse, claviers, percussions, chœurs

Pascal Pallisco : accordéon

The Whisky And Pistols String Quartet
Marc Vieillefon : violon
Claire Couic : violon
David Gaillard : alto
Morgane Saunière : violoncelle

Titres

01. John Macnab
02. A Year And A Day
03. The Orra Man
04. My Bonnie Jo
05. Tha Mòrag A' Dol
06. Bannockburn
07. The Mistress Stone
08. Thai I Fuar
09. The Sun Begins To Set
10. Barabal Òg
11. Ghosts
12. The Letter
13. Sail To Australia

Children In Paradise - Esyllt (2012)

Children In Paradise - Esyllt (2012)

Children In Paradise aurait pu être un supergroupe comme le rock progressif aime tant en produire, réunissant Heather Findlay (ex-Mostly Autumn) au chant, Chris Fry (Magenta) à la guitare, Dave Bainbridge (Iona) aux claviers, Troy Donockley (ex-Iona) aux uilleann pipes et whistles, Ian Jones (Karnataka) à la basse et Gavin Griffiths (Panic Room) à la batterie...

En réalité, les Children In Paradise sont Français, et même Bretons pour être plus précis. Mais si les musiciens cités avaient bien joué ensemble, il est certain que cela aurait sonné comme Esyllt tellement ce premier disque est d'une qualité exceptionnelle. Tout y est. La maîtrise technique de Magenta, l'ambiance atmosphérique de Karnataka, la touche celtique si caractéristique de Iona, l'intensité émotionnelle de Mostly Autumn et l'audace de Panic Room.

C'est en 2007 que Dam Kat, de son vrai nom Kathy Millot, réalise les toutes premières compositions de ce que deviendra Esyllt. Elle est rapidement rejointe par le guitariste Gwalchmei (Hengrist). Ensemble, ils forment le noyau dur de Children In Paradise. Ils choisissent ce nom en hommage aux anciens Celtes qui pensaient que les enfants naissaient avec le Savoir, mais qu'ils en perdaient l'essentiel en grandissant et vieillissant.

A l'image de la pochette, Esyllt est un disque introspectif, sombre ; miroir d'un imaginaire habité de personnages légendaires. On y croise Tristan et Iseult (Esyllt en celte) enflammés d'un amour éternel, le vaillant roi Arthur à la fin de sa vie (King Arthur's Dead), ainsi que Oengus, dieu solaire de la mythologie irlandaise symbolisant l'amour (Silent Agony). Telle une ensorceleuse, Dam Kat, dont le chant hypnotique trouble les esprits autant que celui de Beth Gibbons de Portishead, nous entraîne dans son univers tolkienien onirique (Little Butterfly) fait de guerres violentes (The Battle) où rôde la mort (Don't Forget Me).

Outre Gwalchmei, elle s'est entourée de Patrick Boileau à la batterie, Loïc Bléjean à la cornemuse et aux flûtes irlandaises, Hilaire Rama à la basse et Philippe Turbin aux claviers. Deux invités de marque lui ont fait l'honneur de leur présence : la harpiste Clotilde Trouillaud et Pat O'May, guitariste connu pour son travail avec Alan Simon (Excalibur, Anne De Bretagne).

Esyllt, premier volet d'une ambitieuse trilogie consacrée aux mythes et légendes de la civilisation celtique, permet à Children In Paradise d'intégrer directement la cour des grands. Morrigan, son honorable successeur, viendra apporter en 2016 un vent nouveau à cette saga placée sous les meilleurs auspices. 

Musiciens

Dam Kat : chant
Gwalchmei : guitare
Philippe Turbin : claviers
Hilaire Rama : basse
Parick Boileau : batterie
Loïc Bléjean : uilleann pipes, low whistle

Pat O'May : guitare
Clotilde Trouillaud : harpe

Titres

01. Little Butterfly
02. King Arthur's Death
03. My Son
04. The Battle
05. Esyllt
06. Silent Agony
07. Don't Forget Me
08. I'm Not Scared
09. Lokk Around You
10. I'm Alive

Madredeus - Lisboa (1992)

Madredeus - Lisboa (1992)

Madredeus est né du souhait de deux musiciens, Pedro Ayres Magalhães et Rodrigo Leão, de réinventer la musique populaire portugaise en s'inspirant aussi bien du fado que d'influences brésiliennes ou de musique classique. 

Pedro Ayres Magalhães, âme véritable de Madredeus, abandonne son collège militaire le 25 avril 1974, au moment où éclate la révolutions des Œillets entraînant la chute de la dictature salazariste au pouvoir depuis 1933. Il décide alors d'étudier la musique. D'abord autodidacte, il a le privilège de suivre ensuite des cours dans une académie de musique. Avant-gardiste, il fonde à la fin des années 70 Faíscas considéré comme la première formation punk du Portugal. Au début de la décennie suivante, il enregistre avec Corpo Diplomático le premier disque new-wave de son pays. Son groupe suivant, Heróis do Mar, s'oriente plutôt vers une direction pop-rock plus conventionnelle. 

En 1985, avec son ami Rodrigo Leão de Sétima Legião, il a l'idée d'un nouveau projet musical. Rejoints par l'accordéoniste Gabriel Gomes puis le violoncelliste Francisco Ribeiro, ils partent à la recherche d'une chanteuse... introuvable. En vain, auditions après auditions, personne ne correspond à leur attente. La légende veut que ce soit dans une taverne du vieux Lisbonne que Pedro Ayres trouve enfin la perle rare. Tranquillement installé à une table, il entend à côté une jeune fille d'à peine dix-huit ans chanter autour d'un groupe d'amis. C'est Teresa Salgueiro. Subjugué, Pedro Ayres finit par la convaincre d'intégrer ce qui deviendra Madredeus. 

Le nom Madredeus sera, en effet, choisi ultérieurement. Il provient d'un ancien monastère de Lisbonne transformé en salle de spectacle où se produiront les cinq musiciens à leurs débuts. En 1987, leur premier album Os Dias Da Madredeus rencontre un vif succès, confirmé par le suivant, Existir (1990). Madredeus enchaîne tournées sur tournées, aussi bien au Portugal qu'en Europe ou dans le reste du monde. Le double album Lisboa est le témoignage live de cette époque.

Il a été enregistré le 30 avril 1991 au Colisée des Recreios, théâtre mythique de Lisbonne ouvert en 1890, où passeront des artistes aussi divers que Nightwish, Massive Attack ou Patti Smith. Durant sa représentation, Madredeus joue la moitié des titres du premier disque et la quasi-intégralité du deuxième. Seule manque Tardes De Bolonha, un très joli instrumental. O Pastor, leur plus grand "tube", a le privilège d'être joué deux fois, notamment à la clôture du spectacle. Ils sont accompagnés sur scène par les guitaristes Luisa Amaro et Carlos Paredes, un grand maître de la guitare classique portugaise. Tout est douceur, la voix soprano de Teresa d'une très grande pureté est tout simplement magnifique. Elle exprime comme personne la saudade, cette mélancolie typiquement portugaise empreinte de nostalgie que l'on retrouve dans le fado. 

Madredeus a rencontré un succès fulgurant, tant sur le plan national qu'international. Réussissant le pari de renouveler un genre musical jugé démodé, ils entreront, en moins d'une décennie, au panthéon des artistes incontournables de la musique portugaise contemporaine. 

Musiciens

Teresa Salgueiro : chant
Pedro Ayres Magalhães : guitare acoustique
Rodrigo Leão : claviers
Gabriel Gomes : accordéon
Francisco Ribeiro : violoncelle

Carlos Paredes : guitare portugaise
Luisa Amaro : guitare acoustique

Titres

1.01 Matinal
1.02. A Cidade
1.03. A Península
1.04. Cuidado
1.05. O Ladrão
1.06. O Pomar Das Laranjeiras
1.07. Mudar De Vida
1.08. Canto De Embalar
1.09. O Navio
1.10. O Pastor
1.11. As Ilhas Dos Açores
1.12. A Vontade De Mudar

2.01. A Cantiga Do Campo
2.02. Amanhã
2.03. A Sombra
2.04. Solstício
2.05. A Estrada Do Monte
2.06. A Vaca De Fogo
2.07. A Confissão
2.08. As Montanhas
2.09. O Menino
2.10. Fado Do Mindelo
2.11. O Pastor

Amarok - Gibra'ara (1998)

Amarok - Gibra'ara (1998)

Avec Gibra'ara, son troisième album, la formation espagnole Amarok, conduite par Robert Santamaría, prend son envol. 

Marqué par les départs successifs d'Asy Guerrero (guitares), d'Alfredo Arcus (batterie) et de Joan Morera (violon), Amarok s'enrichit de deux nouveaux arrivants qui deviendront des personnages clé de son histoire. Il s'agit du flûtiste Manel Mayol originaire de Majorque, et du bassiste Victor Estrada. 

Santamaria a conçu Gibra'ara comme une œuvre symphonique saupoudrée d'une délicate couche de musiques progressive et folk. Ici, pas, ou peu, de synthétiseurs, ni de batterie, les instruments acoustiques ont été privilégiés. L'esprit pastoral qui se dégage de l'ensemble n'est pas sans rappeler l'ex-Genesis Anthony Phillips, influence fièrement revendiquée. 

Gibra'ara est dédié au culte de la Terre nourricière, source de vie. Les trois autres éléments sont également mentionnés à travers de La Danza De Los Murciélagos (Air), le futur classique El Mestre De La Caverna (Feu), Laberintos De Piedra et Merla Aquàtica (Eau). 

Santamaria et sa bande signent là un album brillant, porté une nouvelle fois par le chant si gracieux de la douce Lídia Cerón aux nombreuses capacités enfin dévoilées. 

Musiciens

Lídia Cerón : chant
Robert Santamaría : piano, claviers, guitare, percussions
Victor Estrada : basse, guitare
Manel Mayol : flûtes, didgeridoo, chœurs
Magno Maccaferri : violon
Juan A. Arteche : percussions
Jordi Vallverdú : percussions
Mauricio Antón : percussions
Manel Sesé : percussions
Kerstin Kococinski : hautbois, cor anglais
Dolors Vidal : violoncelle

Titres

01. Laberintos De Piedra
02. El Mestre De La Caverna
03. La Danza De Los Murcélagos
04. Merla Aquàtica
05. Tormenta
06. Por La Senda De Los Cerezos En Flor
07. Gibra'ara
08. Al Otro Lado
09. Laberintos De Piedra (Conclusión)