Lia Hide - Genocide (2019)

Lia Hide - Genocide (2019)

Pourquoi écouter de disque ?

Genocide est à part dans la discographie de l'artiste grecque Lia Hide. Empreint de douleurs et souffrances, ce disque avait pour vocation d'illustrer musicalement la performance scénique du même nom élaborée par l'acteur et chorégraphe athénien Pavlos Kourtidis. Malheureusement, Covid oblige, peu de représentations ont eu lieu de ce travail de mémoire éloquent. En parallèle au génocide arménien, l'empire Ottoman a organisé le massacre d'environ 350 000 Grecs pontiques entre 1915 et 1923. Cette population était installée sur les bord de la mer Noire, au nord de la Turquie actuelle, depuis des millénaires. Il n'en restera plus rien par la suite, à l'exception de ceux qui se résignèrent à se convertir à l'islam. Les autres survivants, ayant tout perdu, émigrèrent vers la Grèce, la Russie et la Roumanie. Peu d'espoir dans ce crépuscule des dieux, la musique entièrement composée par Lia fait écho à ces âmes en peine, à toute cette civilisation engloutie en un rien de temps. Si le morceau d'ouverture Home, chant funèbre pleurant mais aussi honorant les ancêtres et cette terre perdue, provoque autant de frissons que le Emmeleia de Dead Can Dance, les autres morceaux, tous des instrumentaux, nous plonge dans les méandres insensés de cette tragédie sans nom. Ne jamais oublier, quoiqu'il arrive…  

Musiciens

Lia Hide : chant, claviers

Aki'Base : basse

Geaorge Rados : batterie

Titres

01. Home (Την Πατρίδα μ' Εχασα)

02. Umbra (Σκιά)

03. Tocatta (Δραμός)

04.nGea (Γη)

05. Drown The Horizon (Φούρκισμα)

06. Wail Weep And Howl (Βαγμονή)

07. Ascend (Ανεβασιά)

08. Hurt Harm And Ruin (Χαλασμονή)

09. Aura (Εβόρα)

Photos du spectacle

Eivør - Segl (2020)

Eivør - Segl (2020)

Pourquoi écouter ce disque ?

"Personne ne sait où le vent, sifflant dans les voiles, nous mènera". Eivør qualifie ainsi la beauté de la vie, celle des beaux jours mais aussi des heures sombres. Segl, son nouvel album, qui, traduit du féroïen signifie "voile", illustre cette philosophie en douze chansons, chacune illustrée par une phase de la lune. Sorti sur son propre label, il marque le début d'une nouvelle ère pour la chanteuse aujourd'hui installée à Copenhague, loin de ses Féroé natales. Si les années 2000 correspondaient à ses débuts, celles où elle se cherchait encore en explorant différents courants musicaux (folk, jazz, country, pop, rock, opéra, celtique…), elle a affiné son style, s'inscrivant dans le mouvement folktronica la décennie suivante. En 2009, Live avait clôturé la première période, tandis que la deuxième s'est achevée avec son Live In Tórshavn (2018). Segl ouvre donc un nouveau cycle, Eivør ayant abandonné ses habits folks pour embrasser une pop électronique incandescente où sa voix, toujours empreinte de cette mélancolie nordique mêlée de passion, se veut moins démonstrative, plus en retenue et mature. Si les premières mesures de Only Love sur lequel apparaît le chanteur islandais Ásgeir, ne sont pas sans évoquer une certaine Adele, Eivør déploie ses ailes lors du sensuel Hands, suite officieuse au Wake Me Up de Room, suivi par deux autres moments forts : Nothing To Fear et Truth. En mars 2020, peu avant la sortie du disque, elle a eu la possibilité de roder certains titres sur scène, à Helsinki, comme le déjà cité Hands, Gullspunnin, Stirdur Saknur, tous deux chantés dans sa langue natale, et le bien nommé Patience en cette période de pandémie si compliquée. Artiste désormais incontournable de la scène scandinave, elle ne cesse de surprendre, d'évoluer album après album, sans rien perdre de son intégrité. 

Musiciens

Eivør : chant, guitare

Mikael Blak : basse, claviers, vocoder

Per I. Højgaard Petersen : batterie

Mattias Kapnas : claviers

Fieke van den Hurk : accordéon

Who Killed Bambi : cordes

Ásgeir : chant

Einar Selvik : chant ou batterie

Titres

01. Mánasegl

02. Let It Come

03. Sleep On It

04. Hands

05. Nothing To Fear

06. Truth

07. Skyscrapers 

08. Only Love Feat

09. This City

10. Patience

11. Stirdur Saknur

12. Gullspunnin

Vidéos

Patience : lien vidéo ici

Let It Come : lien vidéo ici

Hands (live) : lien vidéo ici

Maddy Prior - Woman In The Wings (1978)

Maddy Prior - Woman In The Wings (1978)

Pourquoi écouter ce disque ?

Une curiosité pour les amateurs de Jethro Tull, un incontournable pour les fans de Maddy Prior et Steeleye Span. Alors que ces derniers viennent de sortir Storm Force Ten, Maddy Prior, sa légendaire chanteuse, éprouve le besoin de s'exprimer en solo. Sa collaboration avec June Tabor sous le nom de Silly Sisters avait commençait à lui donner des ailes, Woman In The Wings confirme son envol. Pour ce premier opus dont elle a signé seule paroles et musiques, elle s'est complètement éloignée de ses amis de Steeleye Span pour privilégier ceux de Jethro Tull. A l'exception de John Evans, tous les membres de l'époque ont participé à l'élaboration de ce disque : Ian Anderson (production, flûte), David Palmer (production, arrangements, claviers), Barriemore Barlow (batterie), John Glascock (basse) et Martin Barre qui exécute un solo de guitare inspiré sur un Cold Flame lumineux. Au fil des années, des liens solides se sont tissés entre les deux formations qui tournent souvent ensemble, Ian Anderson a même participé à la production de Now We Are Six en 1974 (sur lequel on entend un certain David Bowie au saxophone), tandis que Maddy a posé sa voix sur la chanson titre de l'album Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die! de 1976. Woman In The Wings est un album solide explorant différent styles, flirtant avec un prog symphonique type Renaissance pour la chanson titre ou Deep Water (les voix de Maddy et d'Annie Haslam étant assez similaires), un folk rock excitant comme sur Gutter Geese avec un Ian Anderson habité à la flûte, ou le swing d'un big band (I Told You So, Baggy Pants). La superbe ballade Long Shadows écrite un jour neigeux à Lake District ainsi que l'émouvant Mother And Child seront repris respectivement sur les albums Year et Happy Families, ainsi que sur l'album live rétrospectif Ballads And Candles.

Musiciens

Maddy Prior : chant

Andy Roberts : guitare

Martin Barre : guitare

Bob Gill : guitare

David Palmer : claviers

Barry Booth : piano

John Glascock : basse

David Olney : basse

Barriemore Barlow : batterie

John Halsey : batterie

Ian Anderson : flûte 

Shona Anderson : chœurs

Cherry Gillespie : chœurs

Titres

01. Woman In The Wings

02. Cold Flame

03. Mother And Child

04. Gutter Geese

05. Rollercoaster

06. Deep Water

07. Long Shadows

08. I Told You So

09. Rosettes

10. Catseyes

11. Baggy Pants

Vidéos

Gutter Geese : lien vidéo ici

Woman In The Wings : lien vidéo ici

Cold Flame : lien vidéo ici

Annie Haslam - Live In Philadelphia 1997 (2010)

Annie Haslam - Live In Philadelphia 1997 (2010)

Pourquoi écouter ce disque ?

A la fin des années 90, Annie Haslam, alors ancienne chanteuse de Renaissance, revient de loin. Elle a vaincu la maladie, un cancer, qui avait interrompu sa carrière solo. En 1994, Blessing in Disguise marque son retour, tant sur le plan discographique que sur scène. La scène, elle aime ça depuis toujours. Live Under Brazilian Skies ainsi que Live In Philadelphia 1997 sont deux témoignages complémentaires de cette époque. Pour ce dernier, elle est entourée de Rave Tesar (claviers), son futur complice au sein du nouveau Renaissance, de David Biglin (claviers, guitare, chant) qui accompagnera aussi Art Garfunkel, Steve Howe, Gary Brooker, Justin Hayward et Ian McDonald, et de Joe Goldberger (batterie, percussions, chant). Radieuse, Annie alterne entre classiques de Renaissance (Carpet Of The Sun, sublime Captive Heart de Novella, The Young Prince And Princess), extraits de sa carrière solo (Pool Of Tears, After The Oceans Are Gone, What He Seeks aux couleurs orientalisantes) et quelques inédits (Summon The Angels gravé sur l'album suivant The Dawn Of Ananda en 1999, Seashell Eyes coécrit avec Biglin et également présent sur Live Under Brazilian Skies, Sleepless Mother, chanson à la thématique environnementale coécrite avec Tesar, que l'on ne retrouve nulle part ailleurs sur disque). Enregistré aux Sonic Studios de Philadelphie devant un parterre de privilégiés, cet album d'Annie est selon moi celui qui se rapproche le plus des années fastueuses de Renaissance, tant par la qualité d'interprétation que par son atmosphère. Il fait aussi écho au magnifique Live At Real World de Magenta, autre enregistrement semi-acoustique dans un studio mythique devant une poignée de fans, dont il se dégage un même charme indéniable fait d'authenticité et de passion. 

Musiciens

Annie Haslam : chant

Rave Tesar : claviers

David Biglin : claviers, guitares, chant

Joe Goldberger : batterie, percussions, chant

Titres

01. Carpet Of The Sun

02. Pool Of Tears

03. Summon The Angels

04. Captive Heart

05. After The Oceans Are Gone

06. Seashell Eyes

07. Sleepless Mother

08. What He Seeks

09. The Young Prince And Princess

Vidéo

Carpet Of The Sun : lien vidéo ici

Billie Holiday - Body And Soul (1957)

Billie Holiday - Body And Soul (1957)

Pourquoi écouter ce disque ?

En 1957, lorsque sort Body And Soul, la légendaire Billie Holiday est à la fin de sa carrière, ainsi que de sa vie. Elle disparaîtra tragiquement deux ans plus tard, laissant derrière elle une œuvre sans pareil. Sur ce disque, elle retrouve une partie des mêmes musiciens que son désormais classique Music For Torching (1955). Jimmy Rowles joue du piano, Barney Kessel de la guitare, Larry Bunker de la batterie et Harry 'Sweets' Edison de la trompette. Ils sont rejoints par Red Mitchell à la basse avec Ben Webster au saxophone. Certes, sa voix porte les stigmates de ses abus en tous genre qui la conduiront à sa perte, mais elle est toujours dotée de ce timbre si particulier, unique, capable de traverser n'importe quel corps afin d'atteindre au plus profond l'âme. D'ailleurs, Billie ne chante pas, elle émet des émotions, raconte de simples histoires les transformant en passions amoureuses. Toutes sont des standards de jazz, dont trois, They Can't Take That Away From Me, Let's Call The Whole Thing Off, et Embraceable You, ont été écrit par les frères Gershwin, George et Ira, et adaptés en leur temps par Fred Astaire. L'album se clôt majestueusement par l'étrange Moonlight In Vermont aux paroles inhabituelles car sans rimes, dont chaque couplet est un haïku. Body And Soul, la chanson titre en ouverture, avait été popularisée en 1930 par Louis Armstrong, enregistrée ensuite par Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, mais aussi Amy Winehouse en duo avec Tony Bennett, quelques semaines avant sa mort, en 2011.

Musiciens

Billie Holiday : chant

Ben Webster : saxophone

Harry 'Sweets' Edison : trompette

Jimmy Rowles : piano

Barney Kessel : guitare 

Red Mitchell : basse

Larry Bunker : batterie 

Alvin Stoller : batterie

Titres

01. Body And Soul

02. They Can't Take That Away From Me

03. Darn That Dream

04. Let's Call The Whole Thing Off

05. Comes Love

06. Gee, Baby, Ain't I Good To You

07. Embraceable You

07. Moonlight In Vermont

Vidéo

Moonlight In Vermont : lien vidéo ici

Sophya Baccini - Aradia (2009)

Sophya Baccini - Aradia (2009)

Pourquoi écouter ce disque ?

Tout le monde n'a pas eu la chance d'avoir un père ténor. Dès sa plus tendre enfance, la jeune Sophya Baccini a été encouragée à étudier le piano ainsi que la technique du chant lyrique. C'est donc tout naturellement qu'une fois devenue adulte, elle a embrassé une carrière musicale. D'abord comme chanteuse de sessions, puis avec le groupe Presence. Fondé en 1990 avec le claviériste Enrico Iglio et le guitariste Sergio Casamassima, ils sont sortis sous ce nom sept albums, le dernier datant de 2016, et ont rencontré un certain succès en Amérique, au Japon et en Allemagne grâce à leur rock progressif à la fois sombre et mélodique. En 2009, Sophya s'offre une première parenthèse solo avec Aradia, opéra rock progressif sur lequel elle chante en italien, anglais et français. Figure surnaturelle du folklore italien, Aradia est une personnalité forte de la mythologie païenne, parfois présentée comme la première des sorcières. Sophya transpose ici une partie de son histoire sous l'angle d'un parcours spirituel explorant l'amitié entre deux femmes. Cet exploit musical croise les routes torturées de Kate Bush, Tori Amos, Joni Mitchell (dont le Circle Game est repris en conclusion), Michelle Young mais aussi du Renaissance d'Annie Haslam et du Caamora de Clive Nolan (She). Un an après sa sortie, il recevra le prix spécial du jury aux International Prog Awards attribué à l'unanimité, une première, et décerné pour la toute première fois également à une artiste féminine. 

Musiciens

Sophya Baccini : chant, claviers

Pino Falgani : percussions, claviers

Vittorio Cataldi : accordéon, violon

Franco Ponzo : guitare

Stefano Vicarelli : Moog

Aurelio Fierro Jr. : batterie

Martin Grice : flûte, saxophone

Nona Luna : chant

Ana Torres : chant

Lino Vairetti : chant

Titres

01. La Pietra

02. How Good

03. Studiare-Studiare

04. Will Love Drive Out The Rain 

05. Adesso 

06. Al Ritmo Di Una Storia 

07. Beware-Beware 

08. Ever Too Small

09. Don't Dream That Dream 

10. Non E' l'Amore Il Tuo Destino

11. L'Ennesimo No

12. Elide

13. Aradia 

14. Two Witches & Doreen

15. Nei Luoghi

16. When The Eagles Flied

17. Circle Game 

Vidéos

Aradia : lien vidéo ici

La Pietra : lien vidéo ici

Two Witches & Doreen : lien vidéo ici

Sally Oldfield - Water Bearer (1978)

Sally Oldfield - Water Bearer (1978)

Pourquoi écouter ce disque ?

Dans la famille Oldfield, voici la sœur, Sally. Avant 1978, les passionnés de musique avaient découvert sa voix étincelante à travers The Sallyangie, duo formé avec son frère Mike, les premières œuvres discographiques de celui-ci, en particulier Tubullar Bells et Ommadawn, et sa prestation lumineuse sur le magnifique Shadow Of The Hierophant du guitariste de Genesis, Steve Hackett (Voyage Of The Acolyte, 1975). Plus déterminée que jamais, elle se lance à son tour dans l'élaboration d'un premier album sous son seul nom, qu'elle compose, arrange et produit seule. Water Bearer voit le jour en 1978. A la croisée d'un folk celtique audacieux et des musiques progressives, il surprend de nos jours par son aspect précurseur. Véritable invitation au rêve inspirée par l'œuvre de Tolkien, le chant elfique de Sally n'est pas sans évoquer la jeune Kate Bush, qui, cette même année envahira la planète pop avec son incontournable The Kick Inside et le hit Wuthering Heights. Leurs univers, pas si éloignés, partagent cette même recherche expérimentale. Le chant éthéré de Sally, si délicat, influencera des artistes aussi divers que Enya et Elizabeth Fraser des Cocteau Twins, tandis que, côté musique, sa world avant-gardiste trouvera écho plus tard chez une Loreena McKennitt inspirée. On retrouve aussi dans sa musique les premières graines d'un genre musical qui n'existe pas encore, la dream pop, celle des heavenly voices qui, dans les années 2000, trouveront refuge sur le label français Prikosnovénie (Louisa John-Krol, Caprice, Pinknruby...). 

Musiciens

Sally Oldfield : chant, claviers, guitares, percussions

Brian Burrows : chant

Dave Lawson : claviers

Mike Oldfield : mandoline

Jean Price : harpe

Herbie Flowers : contrebasse

Frank Ricotti : percussions

Tim Wheater : percussions

Trevor Spencer : percussions

Titres

01. Water Bearer 

02. Songs Of The Quendi

03. Mirrors 

04. Weaver 

05. Night Of The Hunter's Moon

06. Child Of Allah 

07.Song Of the Bow

08.Fire And Honey 

09.Song Of The Healer 

Vidéos

Mirror : lien vidéo ici

Songs Of The Quendi : lien vidéo ici

Judy Collins - #3 (1963)

Judy Collins -  #3 (1963)

Pourquoi écouter ce disque ?

#3 comme troisième album, mais aussi comme 1963, l'année de sa sortie, ainsi que le nombre de musiciens accompagnant une Judy Collins tout juste âgée de… 23 ans. Leurs noms : Bill Takas (basse), Walter Raim (guitare, banjo) et Jim (futur Roger) McGuinn (guitare, banjo), qui fondera les Byrds. Avec ce nouveau disque, son répertoire évolue sensiblement. Habituée jusqu'à présent à reprendre des airs folks traditionnels, elle les délaisse sensiblement au profit de chansons composées par ses contemporains comme Peter Seeger ou son ami Bob Dylan dont elle reprend Farewell et Masters Of War. Cette chanson pacifiste, hymne de toute une génération grandissant dans la peur du nucléaire et d'une nouvelle confrontation mondiale, nous sommes alors en pleine Guerre froide, s'articule autour d'autres morceaux aux thématiques toutes aussi fortes, comme le racisme latent de la société américaine (Deportee/Plane Wreck At Los Gatos), ou abordant toutes sortes d'injustices sociales ne pouvant que révolter cette jeune artiste sensible, ouverte sur le monde. Débordant d'énergie, Judy chante avec passion et conviction ces chansons, comme en témoignent les envolées lyriques du titre d'ouverture Anathea, le puissant The Dove interprété a cappella, ou encore In The Hills Of Shiloh, dont elle avouera plus tard que son enregistrement avait été l'un des plus difficiles de sa (très) longue carrière, tellement elle souhaitait retranscrire toute l'intensité et la dramaturgie de cette ténébreuse chanson anti-guerre relatant le désarroi total de ces femmes qui ont tout perdu, maris et fils, sur les champs de bataille. 

Musiciens

Judy Collins : chant, guitare, piano

Jim McGuinn : guitare, banjo

Walter Raim : guitare, banjo

Bill Takas : basse

Titres

01. Anathea

02. Bullgine Run

03. Farewell

04. Hey Nelly Nelly

05. Ten O'Clock And All Is Well

06. The Dove

07. Masters Of War

08. In The Hills Of Shiloh

09. The Bells Of Rhymney

10. Deportee/Plane Wreck At Los Gatos

11. Settle Down

12. Come Away Melinda

13. Turn! Turn! Turn! (To Everything There Is A Season)

Vidéo

In The Hills Of Shiloh : lien vidéo ici

Anathea : lien vidéo ici

The Dove : lien vidéo ici

Bridget St. John - Songs For The Gentle Man (1971)

Bridget St. John - Songs For The Gentle Man
(1971)

Pourquoi écouter ce disque ?

"Songs For The Gentle Man est un album très doux, qui se lit comme une lettre d'amour". Cette citation n'est pas de moi, mais je trouve qu'elle définit à merveille ce deuxième album de Bridget St. John. Sorti en 1971, soit deux ans après le prometteur Ask Me No Questions, il entérine l'univers artistique de la chanteuse, entre mélancolie addictive et ambiance pastorale toute britannique. Alors que son prédécesseur était épuré, essentiellement voix-guitare, Song For The Gentle Man bénéficie d'arrangements étoffés grâce à la contribution d'un petit orchestre de chambre composé d'instruments à corde et à vent, dirigé par Ron Geesin, également producteur. Ce dernier s'est fait un nom suite à sa collaboration à l'album Atom Heart Mother de Pink Floyd en 1970. Atypique, le chant détaché de Bridget n'est pas sans évoquer Nico, tandis que les ombres de John Martyn (Back To Stay), Donovan (The Pebble and the Man), Joni Mitchell (Seagull-Sunday), mais aussi des poètes maudits Nick Drake et Leonard Cohen planent tout au long de ces douze histoires sentimentales que l'on souhaiterait sans fin. 

Musiciens

Bridget St John : chant, guitare, claviers

Ron Geesin : guitare, claviers

Rick Sanders : guitare

Kate Jacobs : violon

Elizabeth Edwards : violon

John Thompson, Jr. : alto

Angela East : violoncelle

Derek Simpson : violoncelle

Charles Tunnell : violoncelle

William Bennett : flûte

Edward Beckett : flûte

Robert Bourdon : flûte

Tony Parsons : trombone

Colin Busby : trombone

Derek James : trombone

John Pritchard : trombone

Alan Stivell : cor

Peter Hall : chant

Geoffrey Mitchell : chant

Brian Etheridge : chant

Titres

01. A Day A Way

02. City-Crazy

03. Early Morning Song

04. Back To Stay

05. Seagull-Sunday

06. If You'd Been There

07. Song For The Laird of Connaught Hall, Pt.2

08. Making Losing Better

09. The Lady And The Gentle Man

10. Downderry Daze

11. The Pebble And The Man

12. It Seems Very Strange

Vidéo

Early Morning Sun : lien vidéo ici

Cyndi Lauper - At Last (2003)

Cyndi Lauper - At Last (2003)

Pourquoi écouter ce disque ?

Qui d'autre que Cyndi Lauper pouvait imaginer une pochette de disque la montrant sortir d'une bouche d'égout en robe de soirée ? Contrairement à Madonna avec laquelle elle était en rivalité dans les années 80 (on se souvient tous du True Blue vs True Colours en 1986), Cyndi a toujours su conservé son côté décalé, loufoque qui la rend si attachante. Après quelques échecs commerciaux à la fin du dernier millénaire, elle revient en 2003 avec le brillant At Last. Elle qui a toujours excellé dans les reprises les plus improbables (What's Going On, Iko, Iko, When You Were Mine, The World Is Stone), dédie tout son album aux standards du jazz et des sixties qui ont bercé sa jeunesse new-yorkaise, dans le Queens. Si les amoureux de la chanson française seront particulièrement attentifs à ses versions de La Vie En Rose et de L'Hymne À L'Amour (Hymn To Love) de Piaf ainsi qu'à Ne Me Quitte Pas (If You Go Away) de Brel, ils seront tout aussi subjugués par ces autres grands classiques sur lesquels planent les ombres d'Aretha Franklin (Until You Come Back To Me avec Stevie Wonder à l'harmonica), de Nina Simone (Don't Let Me Be Misunderstood), mais aussi de Laura Nyro dont Cyndi s'est inspirée pour sa reprise de Walk On By. Elle s'offre même un duo avec Tony Bennett sur Makin' Whoopee donnant l'impression d'être sur les planches de Broadway, réenchante un Unchained Melody de manière encore plus sensuelle, et va jusqu'à transformer On The Sunny Side Of The Street en un réel rayon de soleil. Tout au long de cet At Last à la fois surprenant et captivant, Cyndi demeure humble, se mettant au service de chacune des treize chansons, afin de rendre le meilleur hommage possible à tous ces interprètes et compositeurs de légende.

Musiciens

Cyndi Lauper : chant

Steve Gaboury : piano, synthétiseurs, accordéon

Rob Mathes : claviers

Lee Musiker : piano

Rob Hyman : orgue

Kat Dyson : guitare, chant

Gray Sargent : guitare

Ben Street : basse

Bill Wittman : basse

Larry Glazener : basse

Paul Langosch : basse

Samy Merendino : batterie

Clayton Cameron : batterie

Steve Jordan : batterie

Sheila E : percussions

Carlito Soto : percussions

Aaron Heick : flûtes

Ronnie Cuber : clarinette

Stevie Wonder : harmonica

John Walsh : trompette

Dan Reagan : trombone

Mitch Frohman : saxophone

Gerry Reuter : hautbois

Allison Cornell : violon, alto

Elena Bariere : violon

Jonathan Dinklage : violon

Narciso Figueroa : violon

Joyce Hamman : violon

Ann Leathers : violon

Katherine Livolsi-Stern : violon

Nancy Mcalhaney : violon

Jan Mullen : violon

Paul Woodel : violon

Mark Stewart : violoncelle

Richard Locker : violoncelle

Jeanne Leblanc : violoncelle

Fred Zlotkin : violoncelle

Carol Emanuel : harpe

Stacy Shames : harpe

Titres

01. At Last

02. Walk On By

03. Stay

04. La Vie En rose

05. Unchained Melody

06. If You Go Away

07. Until You Come Back To Me (That’s What I’m Gonna Do)

08. My Baby Just Cares For Me

09. Makin’ Whoopee (Duet With Tony Bennett)

10. Don’t Let Me Be Misunderstood

11. You Really Got A Hold On Me

12. Hymn To Love

13. On The Sunny Side Of The Street

Vidéos

Unchained Melody : lien vidéo ici

If You Go Away (live) : lien vidéo ici