Dave Bainbridge - The Remembering (2016)

Dave Bainbridge - The Remembering (2016)

Pourquoi écouter ce disque ?

The Remembering est une parenthèse inattendue dans la carrière de Dave Bainbridge, multi-instrumentiste talentueux et leader de la formation celtique-prog Iona. Pas de guitares électriques ici, ni de synthétiseurs ou d'instruments celtiques, les douze pistes intimistes de cet album sont entièrement interprétées au piano, à l'exception du morceau-titre sur lequel se laisse deviner le chant sibyllin de Sally Minnear. Influencé pas les impressionnistes français comme Debussy, Ravel ou Eric Satie, l'ambition de Dave était de capter une émotion furtive, un moment fugace, à travers chacune de ses improvisations ou réinvention d'un air déjà existant. En parallèle, lui si discret, se dévoile un peu plus. Tout a commencé à l'âge de huit ans, lorsqu'il a débuté ses premières leçons de piano. Quatre ans après, c'est une révélation en découvrant Keith Jarrett et ses improvisations hallucinantes sur scène (nous sommes dans la première moitié des années 70). Il faut attendre par la suite 1995 pour que germe en lui, pour la toute première fois, l'idée de réaliser un tel album, idée suggérée par le bassiste de Iona, Tim Harries, également membre de Steeleye Span. Le moment idéal arrive vingt ans après, alors que Iona est en sommeil provisoirement, puis définitivement. Dave s'était auparavant beaucoup investi dans Celestial Fire, un album splendide, mais très ambitieux. Il éprouve alors le besoin de se retrouver dans un projet plus léger, encore plus personnel. Divisée en six parties, la longue suite Collendoorn Suite a été imaginée une nuit, derrière le piano situé dans le studio de son ami Frank van Essen, aux Pays-Bas, à l'époque où ils travaillaient ensembles sur l'album Father de la chanteuse sud-africaine Lauren Bonsink. L'ombre de Iona n'est pas bien loin puisque Like A World, Behind The Song est une improvisation datant de l'époque Another Realm, tandis que la mélodie de A View Of The Islands, signée de son ancienne épouse Debbie, avait été déjà utilisée sur certains passages de Beyond These Shores. Composé par sa complice de toujours et chanteuse de Iona Joanne Hogg, A Prayer For Beachy Head porte en lui un message d'espérance. The Remembering dévoile une facette jusqu'alors cachée d'un artiste attachant, peu connu du public prog, malgré sa participation à de multiples projets comme Lifesigns ou The Strawbs actuellement. 

Musiciens

Dave Bainbridge : piano

Sally Minnear : chant

Titres

01. Collendorn Suite Part 1 

02. Collendorn Suite Part 2

03. Collendorn Suite Part 3

04. Collendorn Suite Part 4 

05. Collendorn Suite Part 5 (Song For Jack) 

06. Collendorn Suite Part 6

07. Incarnation

08. The Remembering 

09. Song For Bill (

10. Like A World, Behind The Song 

11. A View Of The Islands

12. A Prayer For Beachy Head

Loreena McKennitt - Lost Souls (2018)

Loreena McKennitt - Lost Souls (2018)

Pourquoi écouter ce disque ?

Loreena McKennitt, un nom devenu culte au fil des ans, évoquant une sensation rare de sérénité, de douceur et d'évasion. Chacun de ses albums est un événement, Lost Souls sorti en 2018 n'échappe pas à cette règle. Son originalité réside dans cette collection de neufs nouvelles chansons, toutes aussi merveilleuses les unes que les autres, écrites à différentes époques. Ainsi, The Ballad Of The Fox Hunter, aux paroles extraites d'un poème de William Butler Yeates, date du début des années 80, lorsqu'elle n'était pas encore connue, ni reconnue. Le mystique Spanish Guitars And Night Plazas aux couleurs méditerranéennes ainsi que A Hundred Wishes ont toutes deux étaient composées à l'époque de The Visit, aux alentours des années 90. Plus proche de nous, La Belle Dame Sans Merci, aux paroles cette fois-ci signées du poète romantique John Keats, est contemporaine de l'album An Ancient Muse. L'interconnexion de l'humanité avec la Nature est une thématique récurrente de ce disque, que ce soit dans l'intense Ages Past, Ages Hence, Sun, Moon And Stars à la mélodie empruntée au folklore moldave, ou encore le déjà cité The Ballad Of The Fox Hunter qui s'intéresse au lien si particulier entre le chien et l'Homme. C'est après avoir visité le Mémorial canadien de Vimy, situé dans le Nord de la France, que Loreena a eu l'idée de composé l'émouvant Breaking Of The Sword, en hommage aux soldats canadiens morts durant la Première guerre mondiale. Sur ce morceau, elle est accompagnée par les chœurs solennel du Stratford Concert Choir ainsi que du Canadian Forces Central Band. Ses complices de toujours, Caroline Lavelle, Brian Hughes ou encore Hugh Marsh se tiennent à nouveau à ces côtés. Ils accueillent une nouvelle venue dans l'équipe, la joueuse de nyckelharpa Ana Alcaide présente sur deux titres, Ages Past, Ages Hence et l'instrumental Max Ayre. Loreena McKennitt, ce n'est pas seulement une voix angélique hors du temps, c'est aussi un univers musical tout entier fait de merveilles.

Musiciens

Loreena McKennitt : Chant, harpe, claviers, piano, accordéon

Brian Hughes : guitares, bouzouki, synthétiseurs

Daniel Casares : guitare flamenco

Caroline Lavelle : violoncelle, concertina, flûte à bec

Hugh Marsh : violon

Ana Alcaide : nvyckelharpa

Nigel Eaton : vielle à roue

Sokratis Sinopoulos : lyre

Panos Dimitrakopoulos : kanoun

Haig Yazdjian : oud

Ian Harper : cornemuse

Michael White : trompette

Dudley Phillips : basse

Robert Brian : batterie, percussions

Tal Bergman : batterie, percussions

Hossam Ramzy : percussions 

Rick Lazar : percussions

Graham Hargrove : percussions

Canadian Forces Central Band sous la Direction du Capitaine John D. Fullerton

Stratford Concert Choir : Chœurs sous la Direction de Ian Sadler

Titres

01. Spanish Guitars And Night Plazas

02. A Hundred Wishes

03. Ages Past, Ages Hence

04. The Ballad Of The Fox Hunter

05. Manx Ayre

06. La Belle Dame Sans Merci

07. Sun, Moon And Stars

08. Breaking Of The Sword

09. Lost Souls

Hamferð - Evst (2013)

Hamferð - Evst (2013)

Pourquoi écouter ce disque ?

En féroïen, le terme "hamferð" est synonyme de mauvais présage, il désigne l'apparition spectrale d'une personne menacée de mort devant ses proches. C'est ce nom qu'ont choisi en 2008 le guitariste John Egholm et le batteur Remi Johannesen, tous deux originaires des îles Féroé. Devenu sextet par la suite, le groupe propose un doom metal intense et narratif, influencé par le folklore local et la nature environnante. Evst, leur premier album, s'inscrit dans cette démarche, avec comme principal axe d'approche la mer ainsi que les interminables hivers froids de ces régions nordiques. Ce qui frappe dès la première écoute, c'est le chant majestueux (en féroïen) du chanteur Jón Aldará, apocalyptique dans ses growls, lumineux et émouvant lorsque la voix s'éclaircit. La chanson Sinnisloysi a attiré notre attention. Dans cet océan de noirceur, la participation aux chœurs d'Eivør, telle une sirène, provoque un envoûtement total. Comme quoi, sortir des sentiers battus pour découvrir des petites perles de ce genre est toujours agréable.   

Musiciens

Jón Aldará : chant

John Egholm : guitare

Theodor Kapnas : guitare

Esmar Joensen : claviers

Jenus Í Trøðini : basse

Remi Johannesen : batterie

Eivør Pálsdóttir : chant

Titres

1. Evst

2. Deyðir Varðar

3. Við Teimum Kvirru Gráu

4. At Jarða Tey Elskaðu

5. Sinnisloysi

6. Ytst

La vidéo ci-dessous n'est pas extraite de cet album. Il s'agit d'une performance enregistrée live lors d'une éclipse survenue le 20 mars 2015 dans les îles Féroé.

House Of Not - Evergone & The Immaculate Spectacular (2018)

House Of Not - Evergone & The Immaculate Spectacular
(2018)

Pourquoi écouter ce disque ?

Six ans d'attente ont été nécessaires entre cette nouvelle étape de l'odyssée d'A. Nexter Niode et la précédente. Tout a commencé en 2003, à la parution du premier volet, lorsque trois musiciens canadiens se sont lancés le défi de raconter en cinq parties les aventures fantastiques de ce héros malgré lui. Aujourd'hui, House Of Not regroupe Brian Erikson (chant, claviers, compositions), Ken (Smog) O'Gorman (guitares, basse, sitar, mandoline, Moog, production) et Eric Stever (guitares), en remplacement de Lou Roppoli parti explorer de nouveaux horizons. Comme à leur habitude, ils se sont entourés d'une pléiade d'invités, parmi lesquelles deux voix féminines absolument sublimes. Il faut patienter jusqu'à la moitié du disque pour découvrir en lead la géniale Dee Brown au chant aussi intense que celui de Durga McBroom, célèbre choriste du Pink Floyd. Au registre plus soul, Dione Taylor, présente sur Sexus, le deuxième volume de la saga, enchante deux des chansons les plus étranges du disque, Yet We Remain et Behind The Curve, entre gospel et blues. D'une richesse musicale inouïe, House Of Not propose un rock progressif bien vivant, captivant d'un bout à l'autre, où l'on perçoit aussi bien les influences des classiques comme les déjà cités Pink Floyd, Supertramp, Camel ou Alan Parsons, mais aussi la nouvelle génération que sont Phideaux ou Mostly Autumn. Vous avez aimé leurs précédents albums, vous adorerez Evergone & The Immaculate Spectacular. Si vous découvrez House Of Not à travers ce disque, alors vous adorerez leurs productions antérieures. 

Musiciens

Brian Erikson : chant, claviers

Ken O'Gorman : guitares, basse, mandoline, sitar, Moog

Eric Stever : guitares

Dee Brown : chant

Dione Taylor : chant

Omar Ales : claviers

Stan Miczek : basse

Lorne Sokoloff : basse

Terry Lesperance : batterie, percussions

Troy Feener : batterie

Kyle Magnus Stever : voix

Titres

01. Come On In

02. Fate 

03. FingerPaint

04. Eternity's Garden - A Death Waltz 

05. Our Last Tax

06. Take Me Away

07. So Sorry

08. Glenn Fiddick M.D. 

09. Evergone & The Immaculate Spectacular

10. Goodbye Goodbye Hello

11. Show Me Tell Me

12. Yet We Remain

13. Behind The Curve 

14. Spin Me 

15. Piper At The Precipice 

16. It's My Nature 

17. Understand The Man 

18. Kill The Buddha

Shelleyan Orphan - Helleborine (1987)

Shelleyan Orphan - Helleborine (1987)

Pourquoi écouter ce disque ?

Véritable OVNI des années 80 comme l'ont été Dead Can Dance ou Cocteau Twins, Shelleyan Orphan a rencontré moins de succès malgré un univers musical des plus singuliers. Tout commence en 1980 lorsque Caroline Crawley et Jemaur Tayle se découvrent une passion commune pour le poète Percy Bysshe Shelley. Deux ans après, ils prennent le nom de Shelleyan Orphan, inspiré de son poème Sipirit Of Solitude. Ils quittent alors leur ville de Bournemouth pour s'installer à Londres. Leur carrière est lancée. En 1984, ils font la première partie de Jesus & Mary Chain, puis signent chez Rough Trade en 1986. Produit par Haydn Bendall (Kate Bush, Alan Parsons, Camel), Helleborine, leur premier album, du nom d'une orchidée censée guérir de la folie, sonne comme nul autre à cette époque. Pas de guitare électrique, synthétiseurs, basse ou batterie, le groupe n'utilise que des instruments acoustiques comme le piano, le violoncelle, le hautbois et la harpe. Ce décalage, ajoutée à des harmonies vocales magiques, donneront un aspect intemporel à ce disque qui n'a pas pris une ride de nos jours. A noter la présence de pointures parmi les musiciens dont Danny Thompson (contrebasse), ancien de Pentangle, ainsi que le propre frère de Kate Bush, Paddy (tamboura, mandoline, dulcimer). Deux singles en seront extraits, les séduisants Cavalry Of Cloud puis Anatomy Of Love. Cultivant son originalité, Shelleyan Orphan livrera quelques performances scéniques accompagné de peintres qui s'exécuteront durant leurs concerts donnés dans des lieux atypiques comme des galleries d'art, des théâtres ou des églises. "Élégance", premier mot venant à l'esprit à l'évocation de ce disque enivrant qu'il serait grand temps de (re)découvrir.

Musiciens

Caroline Crawley : chant

Jemaur Tayle : chant, guitare acoustique

Bernard Partridge : violon

Ian Jewel : alto

Steven Orton : violoncelle

Thomas Davey : hautbois

Elma Cole : flûte

Nicky Holland : cor anglais

Richard Tomes : violon

Prudence Whitaker : clarinette

Nicholas Hunter : basson

Ruth Holden : harp

Andrew Powell : clavecin, piano

Danny Thompson : contrebasse

Stuart Elliott : percussions

Paddy Bush : tamboura, mandoline, dulcimer

Titres

01. Southern Bess (A Field Holler)

02. Anatomy Of Love

03. Blue Black Grape

04. Jeremiah

05. Cavalry Of Cloud

06. Midsummer Pearls And Plumes

07.  Epitaph Ivy And Woe

08. Helleborine

09. One Hundred Hands

10. Seeking Bread And Heaven

11. Melody Of Birth

Beth Gibbons And The Polish National Radio Symphony Orchestra - Symphony Of Sorrowful Songs (2019)

Beth Gibbons And The Polish National Radio Symphony Orchestra -
Symphony Of Sorrowful Songs (2019)

Pourquoi écouter ce disque ?

Le 29 novembre 2014, Beth Gibbons, la célèbre voix du combo britannique Portishead, donne une représentation exceptionnelle en Pologne. Accompagnée de l'Orchestre national de la radio polonaise, dirigé par Krzystof Penderecki, elle interprète la Symphonie n°3 du compositeur Henryk Górecki, plus connue sous le nom de Symphonie Des Chants Plaintifs. Composée en 1976, cette symphonie a la particularité d'être structurée en trois mouvements lents. Le premier s'inspire d'une lamentation de chants monastiques du XVe siècle, avec pour thème central l'amour d'une mère pour son fils, en l’occurrence de Marie pour Jésus. Le mouvement suivant est une prière qu'une jeune fille de dix-huit ans, Halina Wanda Błażusiak, prisonnière de la Gestapo, a inscrite sur le mur de sa cellule. Elle commence ainsi : "Non, Maman, ne pleure pas". Le troisième mouvement trouve son origine dans un chant populaire de la région d'Opole, située au sud-ouest de la Pologne, évoquant le deuil d'une mère pour son fils qui vient de mourir. Jusqu'alors, les interprétations successives étaient le fait de sopranos professionnelles. Beth Gibbons qui a énormément travaillé, notamment la prononciation pas si évidente du polonais, livre un moment magistral. Sa voix plaintive et suppliante, à la limite de la rupture, apporte une touche d'humanité, de fragilité à cette œuvre contemporaine monumentale. Loin de son registre habituel, elle sort grandi de cet exercice complexe qui n'était pas gagné d'avance.  

Musiciens

Beth Gibbons : chant

The Polish National Radio Symphony Orchestra dirigé par Krzystof Penderecki

Titres

01. Lento, Sostenuto Tranquillo Ma Cantabile

02. Lento E Largo, Tranquillissimo-Cantabilissimo-Dolcissimo-Legatissimo

03. Lento, Cantabile-Semplice

Ghost Fish - Ghost Fish (2005)

Ghost Fish - Ghost Fish (2005)

Pourquoi écouter ce disque ?

Qui aurait imaginé que l'union d'une fée australienne à des néo-païens grecs donnerait naissance à une œuvre schizophrène, dans la veine de Siouxsie & The Banshees ou de PJ Harvey ? Ghost Fish est un projet parallèle réunissant la chanteuse Louisa John-Krol, le duo Daemonia Nymphe (Evi Stergiou et Spyros Giasafakis) ainsi que leur ingénieur du son Nikodemos Triaridis. Ensemble, ils se sont enfermés dans un studio de Thessalonique, ont sorti les guitares électriques, ont improvisés et se sont amusés à experimenter des sons inédits. Ainsi, on passe d'un morceau rock endiablé comme D.D.L.M. (en fait Dia De Los Muertos, fête des morts mexicaine) à la ballade somptueuse A Candle In The Sea, suivie d'un The Lonely King aux vocaux heavenly, inspirés des Cocteau Twins, où il est question d'un roi tombé amoureux de la Nature. Impossible de ne pas citer l'étrange Cigar Of The Red King à l'atmosphère fantomatique et enfumée. Très éloigné des univers musicaux respectifs de chacun, cet album qui restera sans suite, explore le chemin des contrastes émotionnels du style ouverture aux autres / repli sur soi, séparation / réunion, ou oubli / mémoire. Surprenant par tant de contrastes, Ghost Fish fait partie de ses disques qui se révèlent écoute après écoute, et sur lequel le temps n'a pas d'emprise. 

Musiciens

Louisa John-Krol : chant, mandoline, guitare électrique
Nikodemos Triaridis : guitare électrique, basse
Evi Stergiou : guitare classique, chant
Spyros Giasafakis : guitare classique, flûte

Thodoris Gotsis : violon
Kostas Ketoglidis : batterie
Maria Stergiou : contrebasse
Christos Koukaras : percussions

Titres

01. B
02. Cigar Of The Red King
03. D.D.L.M
04. A Candle In The Sea
05. The Lonely King
06. Skin Meadow
07. Kik,
08.Tangaroa
09. Outside
10. Inside
11. ...

Joshua Burnell - The Road To Horn Fair (2019)

Joshua Burnell - The Road To Horn Fair (2019)

Pourquoi écouter ce disque ?

Et de trois ! Joshua Burnell, étoile montante du folk britannique qui réenchante littéralement ce genre, propose un The Road To Horn Fair aux saveurs toutes médiévales. Toujours avec la même inventivité, passion et fougue, il s'est approprié une collection de dix airs anciens, remontant à des temps ancestraux, où il est question d'histoires souvent sanglantes et diaboliques, entre contes et légendes. Attention, pas de passéisme ici, le génie de Joshua consiste à apporter à l'ensemble une modernité bien contemporaine, que ce soit au niveau de la musique, des paroles ou des instruments. Ainsi, l'instrumental Plane Tree & Tempenny Bit, d'influence celtique, bénéficie de la présence d'une guitare électrique bien rock et d'un orgue Hammond aux sonorités très "génésiennes". Pareil pour Berkshire Tragedy que l'on penserait tiré d'une production de Phideaux, tant dans sa construction que dans ses harmonies vocales. Quel plaisir de réentendre dans de nouvelles versions ces classiques que sont Pastime With Good Company, Raggle Taggle Gypsies ou l'indémodable Can Ye O'er Frae' découverts, pour ma part, grâce à Blackmore's Night, The Waterboys et Steeleye Span. L'équipe de ménestrels entourant le jeune artiste qui joue d'une multitude d'instruments, s'est resserrée. Frances Sladen prête sa voix, Nathan Greaves impulse l’énergie nécessaire à sa guitare électrique, Matthew Mefford (basse) donne le rythme,et Antonio Curiale apporte une touche exotique avec son violon, sa viole d'amour et son oud. Rachel Wilson et Ben Burnell, frère de Joshua, apportent aussi leur soutien, l'une au violon, l'autre au banjo. Ce dernier lui a été offert par sa grand-mère ; il s'agit du premier modèle anglais. Impossible de finir cette chronique sans aborder le sublime artwork réalisé Randy Asplund, artiste spécialiste des enluminures médiévales. Tout est parfait dans ce disque, y compris les anecdotes, pertinentes et amusantes, livrées par Joshua dans les notes, permettant ainsi de mieux le connaître, comme un ami...

Musiciens

Joshua Burnell : chant, orgue Hammond, batterie, accordéon, guitare acoustique, bouzouki, flûte irlandaise, glockenspiel

Frances Sladen : chant

Nathan Greaves : guitare électrique

Matthew Mefford : basse

Antonio Curiale : violon, viole d'amour, oud

Ben Burnell : banjo

Rachel Wilson : violon

Titres

01. Pastime With Good Company

02. Berkshire Tragedy

03. Cold Haily Windy Night

04. Plane Tree & Tenpenny Bit

05. Ah! Robin, Gentyl Robin

06. The Knight And The Shepherdess

07. Drowsy Maggie & Rakish Paddy

08. Raggle Taggle Gypsies

09. Horn Fair

10. Cam Ye O'er Frae' France & The Musical Priest

Frequency Drift - Over (2014)

Frequency Drift - Over (2014)

Pourquoi écouter ce disque ?

Avec Over, la formation allemande Frequency Drift entame son troisième cycle. Le premier était constitué des concepts albums Personal Effects Part I & II, tandis que Ghosts... et ...Laid To Rest formaient le deuxième. Over se veut encore plus sombre que ses prédécesseurs, tant dans ses paroles que dans sa musique. D'ailleurs, la photo de la pochette réalisée par l'artiste ukrainienne Alina Rudya a été prise dans la ville de Prypiat, juste à côté de Tchernobyl. Difficile de qualifier la musique de Frequency Drift, le groupe suit sa propre voie, certes sinueuse, mais avec une originalité certaine. Pour Over, Andreas Hack, le leader, a fait appel à deux nouvelles voix féminines. Isa Fallenbacher ne devait être qu'une invitée à l'origine. Au final, son chant si émotionnel et expressif a convaincu Andreas d'en faire une partie intégrante du projet. De formation jazz, Agathe Labus n'intervient que sur trois titres, Adrift, Them et Release, les plus expérimentaux du disque. Autres personnalités féminines marquantes, la harpiste Nerissa Swhartz, qui a participé à la composition de Adrift, Sagittarius A* et Wave, ainsi que la violoncelliste Sibylle Friz dont l'instrument renforce avec éclat l'aspect mélancolique des chansons Run, Once et Them. Une des originalités de Frequency Drift est justement l'emploi d'instruments acoustiques au son organique (violoncelle, violon, harpe, flûtes, duclar, marimba...) combiné aux instruments modernes et électriques. Mixé par Yogi Lang, Over bénéficie de la présence de deux autre musiciens de la galaxie RPWL, Kalle Wallner à la basse et Phil Paul Rissettio à la batterie. Avec de telles références, il serait dommage de passer à côté de cette production insolite aux charmes envoûtants.

Musiciens

Isa Fallenbacher : chant

Agathe Labus : chant

Andreas Hack : claviers, guitares, basse, percussions

Christian Hack : guitares, flûtes, duclar, percussions

Nerissa Schwarz : harpes

Sibylle Friz : violoncelles

Ulrike Reichel : violon, alto

Tino Schmidt : basse

Kalle Wallner : basse

Phil Paul Rissettio : batterie

Jasper Jöris : flûte à corne, marimba, percussions

Martin Schnella : guitares

Steve Hohenberger : guitares

Titres

01. Run 

02. Once 

03. Adrift 

04. Them 

05. Sagittarius A*

06. Suspended

07. Wave

08. Wander

09. Driven

10. Release 

11. Memory

12. Disappeared

Iamthemorning - The Bell (2019)

Iamthemorning - The Bell (2019)

Pourquoi écouter ce disque ?

Le duo Iamthemorning est sans aucun doute le plus anglophile des groupes russes. Fondé en 2010 par la chanteuse Marjana Semkina et le pianiste Gleb Kolyadin, ils ont déjà à leur actif cinq albums, dont The Bell, leur toute dernière production. Gage de qualité, leur label n'est autre que Kscope. Les amateurs de musiques progressives connaissent très bien cette maison de disque qui possède dans son catalogue des artistes aussi passionnants que Steven Wilson, Anathema, Gazpacho ou The Pineapple Thief. Au fil du temps, Iamthemorning a construit un univers musical hors du temps, aussi élégant que celui de Kate Bush à l'époque de The Kick Inside, perfectionniste comme le Renaissance flamboyant des années 70, et à l'esthétique similaire aux Français de Collection d'Arnell-Andréa. Autre référence venant à l'esprit, leurs homologues russes de Caprice, notamment par l'aspect néo-classique de leur musique, le côté heavenly des voix et la même passion pour l'Angleterre victorienne. The Bell, aux paroles inspirées des œuvres d'Egar Allan Poe, a pour thème central la cruauté des hommes, et la douleur qui en résulte. Sans être liées entre elles, chacune des dix chansons explorent cette question épineuse, présente de manière continue à travers les âges, ne semblant jamais s'atténuer. Freak Show, Six Feet et The Bell, par leur intensité, constituent l'ossature de ce disque où se croisent instruments électriques, piano, cordes et cuivres déroutants. La production, orchestrée par Marjana, Gleb et Vlad Avy, le troisième membre caché du groupe, est juste impeccable, tout comme la pochette représentant une cloche de sécurité. Au XIXe siècle, la peur d'être enterré vivant était répandue, d'où l'instauration de ces cloches. Bref, The Bell, à la fois sombre et envoûtant, sera votre meilleur compagnon pour cet automne. 

Musiciens

Marjana Semkina : chant, guitare acoustique

Gleb Kolyadin : piano, claviers

Vlad Avy : guitares

Zoltan Renaldi : basse, contrebasse

Svetlana Shumkova : batterie

Evan Carson : batterie, percussions

Andres Izmaylov : harpe

Grigory Osipov : marimba

Dmitry Tsepilov : saxophone

Ilya Leontyev : trompette

Mr. Konin : cloche, accordéon, clapping

St. Petersburg Orchestra "1703" :

1er violons :

IIia Dyakov

Ekaterina German

Ekaterina Chernyaeva

Anastasia Litvinova

2nd violons :

Anita Azhashkouskaya

Dmitry Kolyasnikov

Anna Melnikova

Yulia Kashshapova

Altos :

Nadezhda Savina

Dmitry Gonchar

Semyon Samsonov

Violoncelles :

Darya Popova

Ilya Izmaylov

Titres

01. Freak Show

02. Sleeping Beauty

03. Blue Sea

04. Black and Blue

05. Six Feet 

06. Ghost of a Story

07. Song of Psyche

08. Lilies

09. Salute 

10. The Bell