Eivør - Segl (2020)

Eivør - Segl (2020)

Pourquoi écouter ce disque ?

"Personne ne sait où le vent, sifflant dans les voiles, nous mènera". Eivør qualifie ainsi la beauté de la vie, celle des beaux jours mais aussi des heures sombres. Segl, son nouvel album, qui, traduit du féroïen signifie "voile", illustre cette philosophie en douze chansons, chacune illustrée par une phase de la lune. Sorti sur son propre label, il marque le début d'une nouvelle ère pour la chanteuse aujourd'hui installée à Copenhague, loin de ses Féroé natales. Si les années 2000 correspondaient à ses débuts, celles où elle se cherchait encore en explorant différents courants musicaux (folk, jazz, country, pop, rock, opéra, celtique…), elle a affiné son style, s'inscrivant dans le mouvement folktronica la décennie suivante. En 2009, Live avait clôturé la première période, tandis que la deuxième s'est achevée avec son Live In Tórshavn (2018). Segl ouvre donc un nouveau cycle, Eivør ayant abandonné ses habits folks pour embrasser une pop électronique incandescente où sa voix, toujours empreinte de cette mélancolie nordique mêlée de passion, se veut moins démonstrative, plus en retenue et mature. Si les premières mesures de Only Love sur lequel apparaît le chanteur islandais Ásgeir, ne sont pas sans évoquer une certaine Adele, Eivør déploie ses ailes lors du sensuel Hands, suite officieuse au Wake Me Up de Room, suivi par deux autres moments forts : Nothing To Fear et Truth. En mars 2020, peu avant la sortie du disque, elle a eu la possibilité de roder certains titres sur scène, à Helsinki, comme le déjà cité Hands, Gullspunnin, Stirdur Saknur, tous deux chantés dans sa langue natale, et le bien nommé Patience en cette période de pandémie si compliquée. Artiste désormais incontournable de la scène scandinave, elle ne cesse de surprendre, d'évoluer album après album, sans rien perdre de son intégrité. 

Musiciens

Eivør : chant, guitare

Mikael Blak : basse, claviers, vocoder

Per I. Højgaard Petersen : batterie

Mattias Kapnas : claviers

Fieke van den Hurk : accordéon

Who Killed Bambi : cordes

Ásgeir : chant

Einar Selvik : chant ou batterie

Titres

01. Mánasegl

02. Let It Come

03. Sleep On It

04. Hands

05. Nothing To Fear

06. Truth

07. Skyscrapers 

08. Only Love Feat

09. This City

10. Patience

11. Stirdur Saknur

12. Gullspunnin

Vidéos

Patience : lien vidéo ici

Let It Come : lien vidéo ici

Hands (live) : lien vidéo ici

Maddy Prior - Woman In The Wings (1978)

Maddy Prior - Woman In The Wings (1978)

Pourquoi écouter ce disque ?

Une curiosité pour les amateurs de Jethro Tull, un incontournable pour les fans de Maddy Prior et Steeleye Span. Alors que ces derniers viennent de sortir Storm Force Ten, Maddy Prior, sa légendaire chanteuse, éprouve le besoin de s'exprimer en solo. Sa collaboration avec June Tabor sous le nom de Silly Sisters avait commençait à lui donner des ailes, Woman In The Wings confirme son envol. Pour ce premier opus dont elle a signé seule paroles et musiques, elle s'est complètement éloignée de ses amis de Steeleye Span pour privilégier ceux de Jethro Tull. A l'exception de John Evans, tous les membres de l'époque ont participé à l'élaboration de ce disque : Ian Anderson (production, flûte), David Palmer (production, arrangements, claviers), Barriemore Barlow (batterie), John Glascock (basse) et Martin Barre qui exécute un solo de guitare inspiré sur un Cold Flame lumineux. Au fil des années, des liens solides se sont tissés entre les deux formations qui tournent souvent ensemble, Ian Anderson a même participé à la production de Now We Are Six en 1974 (sur lequel on entend un certain David Bowie au saxophone), tandis que Maddy a posé sa voix sur la chanson titre de l'album Too Old to Rock 'n' Roll: Too Young to Die! de 1976. Woman In The Wings est un album solide explorant différent styles, flirtant avec un prog symphonique type Renaissance pour la chanson titre ou Deep Water (les voix de Maddy et d'Annie Haslam étant assez similaires), un folk rock excitant comme sur Gutter Geese avec un Ian Anderson habité à la flûte, ou le swing d'un big band (I Told You So, Baggy Pants). La superbe ballade Long Shadows écrite un jour neigeux à Lake District ainsi que l'émouvant Mother And Child seront repris respectivement sur les albums Year et Happy Families, ainsi que sur l'album live rétrospectif Ballads And Candles.

Musiciens

Maddy Prior : chant

Andy Roberts : guitare

Martin Barre : guitare

Bob Gill : guitare

David Palmer : claviers

Barry Booth : piano

John Glascock : basse

David Olney : basse

Barriemore Barlow : batterie

John Halsey : batterie

Ian Anderson : flûte 

Shona Anderson : chœurs

Cherry Gillespie : chœurs

Titres

01. Woman In The Wings

02. Cold Flame

03. Mother And Child

04. Gutter Geese

05. Rollercoaster

06. Deep Water

07. Long Shadows

08. I Told You So

09. Rosettes

10. Catseyes

11. Baggy Pants

Vidéos

Gutter Geese : lien vidéo ici

Woman In The Wings : lien vidéo ici

Cold Flame : lien vidéo ici

Annie Haslam - Live In Philadelphia 1997 (2010)

Annie Haslam - Live In Philadelphia 1997 (2010)

Pourquoi écouter ce disque ?

A la fin des années 90, Annie Haslam, alors ancienne chanteuse de Renaissance, revient de loin. Elle a vaincu la maladie, un cancer, qui avait interrompu sa carrière solo. En 1994, Blessing in Disguise marque son retour, tant sur le plan discographique que sur scène. La scène, elle aime ça depuis toujours. Live Under Brazilian Skies ainsi que Live In Philadelphia 1997 sont deux témoignages complémentaires de cette époque. Pour ce dernier, elle est entourée de Rave Tesar (claviers), son futur complice au sein du nouveau Renaissance, de David Biglin (claviers, guitare, chant) qui accompagnera aussi Art Garfunkel, Steve Howe, Gary Brooker, Justin Hayward et Ian McDonald, et de Joe Goldberger (batterie, percussions, chant). Radieuse, Annie alterne entre classiques de Renaissance (Carpet Of The Sun, sublime Captive Heart de Novella, The Young Prince And Princess), extraits de sa carrière solo (Pool Of Tears, After The Oceans Are Gone, What He Seeks aux couleurs orientalisantes) et quelques inédits (Summon The Angels gravé sur l'album suivant The Dawn Of Ananda en 1999, Seashell Eyes coécrit avec Biglin et également présent sur Live Under Brazilian Skies, Sleepless Mother, chanson à la thématique environnementale coécrite avec Tesar, que l'on ne retrouve nulle part ailleurs sur disque). Enregistré aux Sonic Studios de Philadelphie devant un parterre de privilégiés, cet album d'Annie est selon moi celui qui se rapproche le plus des années fastueuses de Renaissance, tant par la qualité d'interprétation que par son atmosphère. Il fait aussi écho au magnifique Live At Real World de Magenta, autre enregistrement semi-acoustique dans un studio mythique devant une poignée de fans, dont il se dégage un même charme indéniable fait d'authenticité et de passion. 

Musiciens

Annie Haslam : chant

Rave Tesar : claviers

David Biglin : claviers, guitares, chant

Joe Goldberger : batterie, percussions, chant

Titres

01. Carpet Of The Sun

02. Pool Of Tears

03. Summon The Angels

04. Captive Heart

05. After The Oceans Are Gone

06. Seashell Eyes

07. Sleepless Mother

08. What He Seeks

09. The Young Prince And Princess

Vidéo

Carpet Of The Sun : lien vidéo ici

Billie Holiday - Body And Soul (1957)

Billie Holiday - Body And Soul (1957)

Pourquoi écouter ce disque ?

En 1957, lorsque sort Body And Soul, la légendaire Billie Holiday est à la fin de sa carrière, ainsi que de sa vie. Elle disparaîtra tragiquement deux ans plus tard, laissant derrière elle une œuvre sans pareil. Sur ce disque, elle retrouve une partie des mêmes musiciens que son désormais classique Music For Torching (1955). Jimmy Rowles joue du piano, Barney Kessel de la guitare, Larry Bunker de la batterie et Harry 'Sweets' Edison de la trompette. Ils sont rejoints par Red Mitchell à la basse avec Ben Webster au saxophone. Certes, sa voix porte les stigmates de ses abus en tous genre qui la conduiront à sa perte, mais elle est toujours dotée de ce timbre si particulier, unique, capable de traverser n'importe quel corps afin d'atteindre au plus profond l'âme. D'ailleurs, Billie ne chante pas, elle émet des émotions, raconte de simples histoires les transformant en passions amoureuses. Toutes sont des standards de jazz, dont trois, They Can't Take That Away From Me, Let's Call The Whole Thing Off, et Embraceable You, ont été écrit par les frères Gershwin, George et Ira, et adaptés en leur temps par Fred Astaire. L'album se clôt majestueusement par l'étrange Moonlight In Vermont aux paroles inhabituelles car sans rimes, dont chaque couplet est un haïku. Body And Soul, la chanson titre en ouverture, avait été popularisée en 1930 par Louis Armstrong, enregistrée ensuite par Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, mais aussi Amy Winehouse en duo avec Tony Bennett, quelques semaines avant sa mort, en 2011.

Musiciens

Billie Holiday : chant

Ben Webster : saxophone

Harry 'Sweets' Edison : trompette

Jimmy Rowles : piano

Barney Kessel : guitare 

Red Mitchell : basse

Larry Bunker : batterie 

Alvin Stoller : batterie

Titres

01. Body And Soul

02. They Can't Take That Away From Me

03. Darn That Dream

04. Let's Call The Whole Thing Off

05. Comes Love

06. Gee, Baby, Ain't I Good To You

07. Embraceable You

07. Moonlight In Vermont

Vidéo

Moonlight In Vermont : lien vidéo ici

Sophya Baccini - Aradia (2009)

Sophya Baccini - Aradia (2009)

Pourquoi écouter ce disque ?

Tout le monde n'a pas eu la chance d'avoir un père ténor. Dès sa plus tendre enfance, la jeune Sophya Baccini a été encouragée à étudier le piano ainsi que la technique du chant lyrique. C'est donc tout naturellement qu'une fois devenue adulte, elle a embrassé une carrière musicale. D'abord comme chanteuse de sessions, puis avec le groupe Presence. Fondé en 1990 avec le claviériste Enrico Iglio et le guitariste Sergio Casamassima, ils sont sortis sous ce nom sept albums, le dernier datant de 2016, et ont rencontré un certain succès en Amérique, au Japon et en Allemagne grâce à leur rock progressif à la fois sombre et mélodique. En 2009, Sophya s'offre une première parenthèse solo avec Aradia, opéra rock progressif sur lequel elle chante en italien, anglais et français. Figure surnaturelle du folklore italien, Aradia est une personnalité forte de la mythologie païenne, parfois présentée comme la première des sorcières. Sophya transpose ici une partie de son histoire sous l'angle d'un parcours spirituel explorant l'amitié entre deux femmes. Cet exploit musical croise les routes torturées de Kate Bush, Tori Amos, Joni Mitchell (dont le Circle Game est repris en conclusion), Michelle Young mais aussi du Renaissance d'Annie Haslam et du Caamora de Clive Nolan (She). Un an après sa sortie, il recevra le prix spécial du jury aux International Prog Awards attribué à l'unanimité, une première, et décerné pour la toute première fois également à une artiste féminine. 

Musiciens

Sophya Baccini : chant, claviers

Pino Falgani : percussions, claviers

Vittorio Cataldi : accordéon, violon

Franco Ponzo : guitare

Stefano Vicarelli : Moog

Aurelio Fierro Jr. : batterie

Martin Grice : flûte, saxophone

Nona Luna : chant

Ana Torres : chant

Lino Vairetti : chant

Titres

01. La Pietra

02. How Good

03. Studiare-Studiare

04. Will Love Drive Out The Rain 

05. Adesso 

06. Al Ritmo Di Una Storia 

07. Beware-Beware 

08. Ever Too Small

09. Don't Dream That Dream 

10. Non E' l'Amore Il Tuo Destino

11. L'Ennesimo No

12. Elide

13. Aradia 

14. Two Witches & Doreen

15. Nei Luoghi

16. When The Eagles Flied

17. Circle Game 

Vidéos

Aradia : lien vidéo ici

La Pietra : lien vidéo ici

Two Witches & Doreen : lien vidéo ici

Sally Oldfield - Water Bearer (1978)

Sally Oldfield - Water Bearer (1978)

Pourquoi écouter ce disque ?

Dans la famille Oldfield, voici la sœur, Sally. Avant 1978, les passionnés de musique avaient découvert sa voix étincelante à travers The Sallyangie, duo formé avec son frère Mike, les premières œuvres discographiques de celui-ci, en particulier Tubullar Bells et Ommadawn, et sa prestation lumineuse sur le magnifique Shadow Of The Hierophant du guitariste de Genesis, Steve Hackett (Voyage Of The Acolyte, 1975). Plus déterminée que jamais, elle se lance à son tour dans l'élaboration d'un premier album sous son seul nom, qu'elle compose, arrange et produit seule. Water Bearer voit le jour en 1978. A la croisée d'un folk celtique audacieux et des musiques progressives, il surprend de nos jours par son aspect précurseur. Véritable invitation au rêve inspirée par l'œuvre de Tolkien, le chant elfique de Sally n'est pas sans évoquer la jeune Kate Bush, qui, cette même année envahira la planète pop avec son incontournable The Kick Inside et le hit Wuthering Heights. Leurs univers, pas si éloignés, partagent cette même recherche expérimentale. Le chant éthéré de Sally, si délicat, influencera des artistes aussi divers que Enya et Elizabeth Fraser des Cocteau Twins, tandis que, côté musique, sa world avant-gardiste trouvera écho plus tard chez une Loreena McKennitt inspirée. On retrouve aussi dans sa musique les premières graines d'un genre musical qui n'existe pas encore, la dream pop, celle des heavenly voices qui, dans les années 2000, trouveront refuge sur le label français Prikosnovénie (Louisa John-Krol, Caprice, Pinknruby...). 

Musiciens

Sally Oldfield : chant, claviers, guitares, percussions

Brian Burrows : chant

Dave Lawson : claviers

Mike Oldfield : mandoline

Jean Price : harpe

Herbie Flowers : contrebasse

Frank Ricotti : percussions

Tim Wheater : percussions

Trevor Spencer : percussions

Titres

01. Water Bearer 

02. Songs Of The Quendi

03. Mirrors 

04. Weaver 

05. Night Of The Hunter's Moon

06. Child Of Allah 

07.Song Of the Bow

08.Fire And Honey 

09.Song Of The Healer 

Vidéos

Mirror : lien vidéo ici

Songs Of The Quendi : lien vidéo ici

Judy Collins - #3 (1963)

Judy Collins -  #3 (1963)

Pourquoi écouter ce disque ?

#3 comme troisième album, mais aussi comme 1963, l'année de sa sortie, ainsi que le nombre de musiciens accompagnant une Judy Collins tout juste âgée de… 23 ans. Leurs noms : Bill Takas (basse), Walter Raim (guitare, banjo) et Jim (futur Roger) McGuinn (guitare, banjo), qui fondera les Byrds. Avec ce nouveau disque, son répertoire évolue sensiblement. Habituée jusqu'à présent à reprendre des airs folks traditionnels, elle les délaisse sensiblement au profit de chansons composées par ses contemporains comme Peter Seeger ou son ami Bob Dylan dont elle reprend Farewell et Masters Of War. Cette chanson pacifiste, hymne de toute une génération grandissant dans la peur du nucléaire et d'une nouvelle confrontation mondiale, nous sommes alors en pleine Guerre froide, s'articule autour d'autres morceaux aux thématiques toutes aussi fortes, comme le racisme latent de la société américaine (Deportee/Plane Wreck At Los Gatos), ou abordant toutes sortes d'injustices sociales ne pouvant que révolter cette jeune artiste sensible, ouverte sur le monde. Débordant d'énergie, Judy chante avec passion et conviction ces chansons, comme en témoignent les envolées lyriques du titre d'ouverture Anathea, le puissant The Dove interprété a cappella, ou encore In The Hills Of Shiloh, dont elle avouera plus tard que son enregistrement avait été l'un des plus difficiles de sa (très) longue carrière, tellement elle souhaitait retranscrire toute l'intensité et la dramaturgie de cette ténébreuse chanson anti-guerre relatant le désarroi total de ces femmes qui ont tout perdu, maris et fils, sur les champs de bataille. 

Musiciens

Judy Collins : chant, guitare, piano

Jim McGuinn : guitare, banjo

Walter Raim : guitare, banjo

Bill Takas : basse

Titres

01. Anathea

02. Bullgine Run

03. Farewell

04. Hey Nelly Nelly

05. Ten O'Clock And All Is Well

06. The Dove

07. Masters Of War

08. In The Hills Of Shiloh

09. The Bells Of Rhymney

10. Deportee/Plane Wreck At Los Gatos

11. Settle Down

12. Come Away Melinda

13. Turn! Turn! Turn! (To Everything There Is A Season)

Vidéo

In The Hills Of Shiloh : lien vidéo ici

Anathea : lien vidéo ici

The Dove : lien vidéo ici

Bridget St. John - Songs For The Gentle Man (1971)

Bridget St. John - Songs For The Gentle Man
(1971)

Pourquoi écouter ce disque ?

"Songs For The Gentle Man est un album très doux, qui se lit comme une lettre d'amour". Cette citation n'est pas de moi, mais je trouve qu'elle définit à merveille ce deuxième album de Bridget St. John. Sorti en 1971, soit deux ans après le prometteur Ask Me No Questions, il entérine l'univers artistique de la chanteuse, entre mélancolie addictive et ambiance pastorale toute britannique. Alors que son prédécesseur était épuré, essentiellement voix-guitare, Song For The Gentle Man bénéficie d'arrangements étoffés grâce à la contribution d'un petit orchestre de chambre composé d'instruments à corde et à vent, dirigé par Ron Geesin, également producteur. Ce dernier s'est fait un nom suite à sa collaboration à l'album Atom Heart Mother de Pink Floyd en 1970. Atypique, le chant détaché de Bridget n'est pas sans évoquer Nico, tandis que les ombres de John Martyn (Back To Stay), Donovan (The Pebble and the Man), Joni Mitchell (Seagull-Sunday), mais aussi des poètes maudits Nick Drake et Leonard Cohen planent tout au long de ces douze histoires sentimentales que l'on souhaiterait sans fin. 

Musiciens

Bridget St John : chant, guitare, claviers

Ron Geesin : guitare, claviers

Rick Sanders : guitare

Kate Jacobs : violon

Elizabeth Edwards : violon

John Thompson, Jr. : alto

Angela East : violoncelle

Derek Simpson : violoncelle

Charles Tunnell : violoncelle

William Bennett : flûte

Edward Beckett : flûte

Robert Bourdon : flûte

Tony Parsons : trombone

Colin Busby : trombone

Derek James : trombone

John Pritchard : trombone

Alan Stivell : cor

Peter Hall : chant

Geoffrey Mitchell : chant

Brian Etheridge : chant

Titres

01. A Day A Way

02. City-Crazy

03. Early Morning Song

04. Back To Stay

05. Seagull-Sunday

06. If You'd Been There

07. Song For The Laird of Connaught Hall, Pt.2

08. Making Losing Better

09. The Lady And The Gentle Man

10. Downderry Daze

11. The Pebble And The Man

12. It Seems Very Strange

Vidéo

Early Morning Sun : lien vidéo ici

Cyndi Lauper - At Last (2003)

Cyndi Lauper - At Last (2003)

Pourquoi écouter ce disque ?

Qui d'autre que Cyndi Lauper pouvait imaginer une pochette de disque la montrant sortir d'une bouche d'égout en robe de soirée ? Contrairement à Madonna avec laquelle elle était en rivalité dans les années 80 (on se souvient tous du True Blue vs True Colours en 1986), Cyndi a toujours su conservé son côté décalé, loufoque qui la rend si attachante. Après quelques échecs commerciaux à la fin du dernier millénaire, elle revient en 2003 avec le brillant At Last. Elle qui a toujours excellé dans les reprises les plus improbables (What's Going On, Iko, Iko, When You Were Mine, The World Is Stone), dédie tout son album aux standards du jazz et des sixties qui ont bercé sa jeunesse new-yorkaise, dans le Queens. Si les amoureux de la chanson française seront particulièrement attentifs à ses versions de La Vie En Rose et de L'Hymne À L'Amour (Hymn To Love) de Piaf ainsi qu'à Ne Me Quitte Pas (If You Go Away) de Brel, ils seront tout aussi subjugués par ces autres grands classiques sur lesquels planent les ombres d'Aretha Franklin (Until You Come Back To Me avec Stevie Wonder à l'harmonica), de Nina Simone (Don't Let Me Be Misunderstood), mais aussi de Laura Nyro dont Cyndi s'est inspirée pour sa reprise de Walk On By. Elle s'offre même un duo avec Tony Bennett sur Makin' Whoopee donnant l'impression d'être sur les planches de Broadway, réenchante un Unchained Melody de manière encore plus sensuelle, et va jusqu'à transformer On The Sunny Side Of The Street en un réel rayon de soleil. Tout au long de cet At Last à la fois surprenant et captivant, Cyndi demeure humble, se mettant au service de chacune des treize chansons, afin de rendre le meilleur hommage possible à tous ces interprètes et compositeurs de légende.

Musiciens

Cyndi Lauper : chant

Steve Gaboury : piano, synthétiseurs, accordéon

Rob Mathes : claviers

Lee Musiker : piano

Rob Hyman : orgue

Kat Dyson : guitare, chant

Gray Sargent : guitare

Ben Street : basse

Bill Wittman : basse

Larry Glazener : basse

Paul Langosch : basse

Samy Merendino : batterie

Clayton Cameron : batterie

Steve Jordan : batterie

Sheila E : percussions

Carlito Soto : percussions

Aaron Heick : flûtes

Ronnie Cuber : clarinette

Stevie Wonder : harmonica

John Walsh : trompette

Dan Reagan : trombone

Mitch Frohman : saxophone

Gerry Reuter : hautbois

Allison Cornell : violon, alto

Elena Bariere : violon

Jonathan Dinklage : violon

Narciso Figueroa : violon

Joyce Hamman : violon

Ann Leathers : violon

Katherine Livolsi-Stern : violon

Nancy Mcalhaney : violon

Jan Mullen : violon

Paul Woodel : violon

Mark Stewart : violoncelle

Richard Locker : violoncelle

Jeanne Leblanc : violoncelle

Fred Zlotkin : violoncelle

Carol Emanuel : harpe

Stacy Shames : harpe

Titres

01. At Last

02. Walk On By

03. Stay

04. La Vie En rose

05. Unchained Melody

06. If You Go Away

07. Until You Come Back To Me (That’s What I’m Gonna Do)

08. My Baby Just Cares For Me

09. Makin’ Whoopee (Duet With Tony Bennett)

10. Don’t Let Me Be Misunderstood

11. You Really Got A Hold On Me

12. Hymn To Love

13. On The Sunny Side Of The Street

Vidéos

Unchained Melody : lien vidéo ici

If You Go Away (live) : lien vidéo ici

Azam Ali - Elysium For The Brave (2006)

Azam Ali - Elysium For The Brave (2006)

Pourquoi écouter ce disque ?

En 2006, Azam Ali s'offre une deuxième parenthèse en solo, Elysium For The Brave. Album de transition, il marque la fin définitive de Vas, projet musical fondé avec le percussionniste Greg Ellis et dont le dernier album Feast Of Silence est paru en 2004, et la création de Niyaz, nouvelle collaboration aux couleurs électro avec le DJ Carmen Rizzo et son compagnon Loga Ramin Torkia. Tous deux sont présents ici, accompagnés de quelques musiciens de haut niveau comme le percussionniste canadien Satnam Ramgotra, deux membres de King Crimson, Pat Mastelotto (batterie) et Try Gunn (War guitar), le compositeur de musiques de film Tyler Bates, accessoirement futur guitariste de Marylin Manson, ainsi que Jeff Rona que l'on retrouvera aux côtés de Lisa Gerrard, chanteuse à la voix exceptionnelle à laquelle Azam a souvent été comparée. D'ailleurs, si son premier essai en solo Portals Of Grace s'apparentait au Dead Can Dance du début dans son esthétique médiévale et européenne, Elyisum For The Brave s'en démarque nettement en regardant davantage vers le Moyen-Orient, l'électro et la musique atmosphérique. Inspirée, Azam poursuit sans relâche sa quête à la recherche de ses racines indo-iraniennes, sans pour autant tourner le dos à cet Occident qui l'a accueilli à bras ouverts dans sa jeunesse. 

Musiciens

Azam Ali : chant, hammered dulcimer, percussions

Carmen Rizzo : claviers, programmation

Jeff Rona : claviers, programmation

Loga Ramin Torkia : guitares, saz, luth

Tyler Bates : guitares, basse, claviers

Trey Gunn : War guitar

Pat Mastelotto : batterie

Andre Harutounyan : percussions

Satnam Ramgotra : tabla

Keyavash Nourai : violon

Omid Torbatian : ney

Titres

01. Endless Reverie

02. Spring Arrives

03. In Other Worlds

04. Abode

05. Forty-One Ways

06. The Tryst

07. From Heaven to Dust

08. I Am a Stranger in This World

09. In This Divide

Vidéo

Endless Reverie : lien vidéo ici

Dorris Henderson - Watch The Stars (1967)

Dorris Henderson - Watch The Stars (1967)

Pourquoi écouter ce disque ?

Une voix, une guitare, un album. Fille de pasteur américain, Dorris s'est initiée dès son plus jeune âge au gospel, mais aussi au blues. En 1964, elle quitte Los Angeles pour Londres où elle rencontre un jeune guitariste écossais, John Renbourn. Ensemble, ils reprennent des standards folks, sur scène d'abord, puis sur un premier disque prometteur, There You Go! (1966). Une suite lui est donnée l'année suivante. Watch The Star s'apparente davantage à un album solo, le visage de Dorris apparaissant seul sur la pochette. Bien entendu John la seconde à la guitare, ainsi que Tim Walker sur son It's Been A Long Time, et Danny Thompson, futur Pentangle, joue de la basse sur quelques morceaux. Dorris signe seule deux titres, Lonely Mood et le puissant Gonna Tell My Lord, et a coécrit avec son amie Anne Briggs Mosaic Patterns. De cette dernière, elle reprend The Time As Come dans un style langoureux qui lui sied à merveille. Autres reprises significatives, There's Anger In This Land de Hedy et Don West, Tomorrow Is A Long Time de Dylan, For Lovin' Me de Gordon Lightfoot ou encore God Bless The Child de Billie Holiday. Elle réenchante aussi quelques classiques folks arrangés avec l'aide de Renbourn, comme le merveilleux No More My Lord. Dernière curiosité, Poems Of Solitude, suite de trois poèmes chinois qu'elle déclame avec passion avec en fond, John à la guitare. Peu après la parution de Watch The Stars, ce dernier s'en ira fonder Pentangle. Dorris s'associera à Ian McDonald, futur King Crimson, au sein de l'éphémère Tintagel, groupe d'acid-folk, puis elle rejoindra Eclection crée par Trevor Lucas et Gerry Conway, futurs Fotheringay et Fairport Convention, le temps de quelques concerts et d'un single. Durant les années 70, la chanteuse se retire progressivement du monde de la musique. En 2003, elle y revient en proposant Here I Go Again, album aux allures autobiographiques. Un cancer l'emportera deux ans après. Puis ce sera au tour de Renbourn de partir en 2015, laissant derrière lui une longue et brillante carrière.   

Musiciens

Dorris Henderson : chant, autoharpe

John Renbourn : guitare

Tim Walker : guitare

Danny Thompson : basse

Titres

01. When You Hear Them Cuckoos Hollerin'

02. It's Been A Long Time

03. 30 Days In Jail

04. No More My Lord

05. Watch The Stars

06. There's Anger In This Land

07. Mosaic Patterns

08. Tomorrow Is A Long Time

09. For Lovin' Me

10. Come Up Horsey

11. God Bless The Child

12. The Time Has Come

13. Poems Of Solitude:  Poems Of My Heart / Eighteen Tedious Ways / Magic String

14. Lonely Mood

15. Gonna Tell My Lord 

Vidéo

No More My Lord : lien vidéo ici

Lila Downs Y La Misteriosa En Paris - Live À FIP (2010)

Lila Downs Y La Misteriosa En Paris - Live À FIP
(2010)

Pourquoi écouter ce disque ?

L'histoire d'amour entre Lila Downs et la France remonte à 2001, lors de la participation remarquée de la chanteuse mexicaine aux Trans Musicales de Rennes. Le 11 mai 2009, elle débarque cette fois-ci à Paris pour mettre le feu aux studios de Radio France. Bien que son tout premier album Ofrenda soit paru en 1994, pour ce set, elle a privilégié son répertoire de La Sandunga (1999) à Shake Away (2008), sans oublier son premier succès international en 2001, La Linéa. Née d'un père américain d'origine écossaise et d'une mère mexicaine (indienne zapotèque), Lila est devenue au fil des années une figure incontournable de la scène musicale mexicaine ainsi que sud-américaine. Partageant sa vie entre son pays natal et les États-Unis voisins, elle a longtemps chanté en espagnol et dans différentes langues indigènes (mixtèque, zapotèque, maya et nahuatl), avant de s'essayer à l'anglais. Dotée d'un charisme impressionnant doublé d'une voix chatoyante, elle dépeint à travers ses adaptations de chansons populaires ou ses propres compostions, une culture mexicaine à la fois mystérieuse, intime et attachante, bien éloignée des stéréotypes habituels. Éprise de justice sociale, elle défend avec la même ardeur la cause des Amérindiens, celle des femmes ou des migrants, toujours avec une pincée d'humour. Son Live à FIP n'est rien d'autre que le reflet de son immense talent, à découvrir de toute urgence. 

Musiciens

Lila Downs : chant, guitare

Paul Cohen : clarinette, saxophone

Celso Duarte : harpe, guitare, violon, charango

Carlos Henderson : basse, cajón

Yayo Serka : batterie, cajón

Samuel Torres : percussions

Juancho Herrera : guitares

Rob Curto : accordéon

Dana Leong : trombone

Titres

01. El Relámpago

02. La Linea

03. La Martiniana

04. La Cumbia Del Mole

05. Paloma Negra

06. Minimum Wage

07. Justica

08. Yo Envidio El Viento

09. La Cucaracha

10. Los Pollos

11. Naila

12. Arenita Azul

13. La Iguana

14. La Llorona

15. Perro Negro

Vidéos

 El Relámpago : lien vidéo ici

Paloma Negra : lien vidéo ici

La Cucaracha : lien vidéo ici

Justicia : lien vidéo ici

Michelle Young - Song Of The Siren (1996)

Michelle Young - Song Of The Siren (1996)

Pourquoi écouter ce disque ?

Au début des années 90, les femmes sont encore peu représentées dans le rock progressif. Toujours en activité, Annie Haslam (ex-Renaissance) et Sonja Kristina  de Curved Air poursuivent leur carrière en toute confidentialité. Côté britannique, émergent deux figures bientôt incontournables, Tracy Hitchings (Quasar, Strangers On A Train, Landmarq) ainsi que Joanne Hogg de Iona. De l'autre côté de l'Atlantique, Michelle Young marque par sa voix les deux premiers albums de Glass Hammer, Journey Of The Dunadan (1992) et Perelandra en 1995. L'année suivante, elle s'essaie en solo avec Song Of The Siren à la pochette inspirée de La Naissance de Vénus de Botticelli. Entourée de ses deux acolytes de Glass Hammer, Steve Babb et Fred Schendel, Michelle se plait à intriguer. Dès la première écoute, la similarité avec Kate Bush, tant au niveau vocal que musical, désoriente pour mieux séduire ensuite. Pas étonnant non plus qu'elle cite aussi parmi ses influences féminines Tori Amos, Cocteau Twins, Ella Fitzgerald ou encore Laurie Anderson. C'est à l'Université du Tennessee-Chattanooga qu'elle a appris à développer cette voix hallucinante. Avec un tel potentiel, on comprend mieux pourquoi elle a abandonné cette même année son poste de secrétaire médicale pour se consacrer pleinement à sa carrière de chanteuse professionnelle. Dans cette optique, elle a créé son propre label Naosha Records sur lequel est sorti Song Of The Siren. Progressif dans l'âme, ce disque captivant d'un bout à l'autre flirte amicalement avec le jazz, le blues et l'expérimental. Bombe passée inaperçue (ou presque) à l'époque, il n'est pas encore trop tard pour (re)découvrir ce trésor du passé toujours aussi fascinant. Une suite lui sera donnée en 2001, le tout aussi excitant Marked For Madness aux couleurs bien plus sombres.

Musiciens

Michelle Young : chant, claviers, guitares, basse, flûtes, ocarina

 Fred Schendel : claviers, guitare, batterie, programmation

Steve Babb : basse, claviers, chœurs

Piper Cordrey : narration

Monte Coulter : percussions

Shadow : guitare

Wayne Alston : guitare

Rich Saltzman : batterie

Greg White Hunt: flûte de pan

Titres

01. Solitude

02. Les Talk

03. Your Boots Are Heavy 

04. Song Of The Siren (Prelude)

05. Song Of The Siren 

06. No Excuses (Live)

07. The Innocent One 

08. Bamboo You! (Smackin' The Crickets And Making The Bird Like Me)

09. Big Deal 

10. Another Frog 

Mae McKenna - Mirage And Reality (1992)

Mae McKenna - Mirage And Reality (1992)

Pourquoi écouter ce disque ?

Suite attendue de Nightfallers (1988), Mirage And Reality offre un large panorama des influences musicales de Mae McKenna. Si le folk celtique demeure la base, celle-ci inscrit son œuvre dans une certaine modernité, regardant du côté de la pop, de la world ou du New Age. A l'écoute de cet album, Sally Oldfield, Loreena McKennitt, Clannad ainsi qu'Enya sont quelques une des références venant à l'esprit. A l'exception de l'air traditionnel Laoidh Chaluim Chille (St. Columba's Hymn), Mae a signé toutes les paroles des chansons. Jouant de la guitare acoustique et des claviers, elle s'est entourée de quelques pointures comme son frère Hugh du Sensational Alex Harvey Band, le harpiste Billy Jackson, ancien comme elle de Contraband, formation folk des années 70, et qui jouera sur l'album Open Sky de Iona, John Hackett et son frère Steve à la guitare sur deux titres, Heart To Heart et Flamenco. La présence de ces derniers n'a rien de surprenant car, si Mae a officié aux chœurs de la majorité des productions Stock Aikten Waterman (Bananarama, Kylie Minogue, Dead Or Alive…), elle a toujours gardé un pied dans l'univers des musiques progressives en collaborant au fil des décennies avec Camel, Dave Bainbridge de Iona ou encore Mike Oldfield. Il faut dire que sa voix, toute en nuance et profondeur, est d'une beauté inspirante. 

Musiciens

Mae McKenna : chant, guitare acoustique, claviers, programmation

Billy Jackson : harpes, flûtes, claviers

Steve Hackett : guitare

John Hackett : flûtes

Hugh McKenna : piano, claviers

Jim Drummond : batterie, percussions

Russell Thompson : cornemuse

Helen Leibmann : violoncelle

David Olney : contrebasse

Chris Karan : tablas

Jude Hudson : programmation

Titres

01. Dreamer

02. The Chosen One

03. Dream Lover

04. Heart To Heart

05. Changes

06. In The Circles

07. Too Many Promises

08. Flamenco

09. Time To Go

10. Laoidh Chaluim Chille - St.Columba's Hymn

Vidéos

Flamenco : lien vidéo ici

Dream Lover : lien vidéo ici

Karen Matheson - The Dreaming Sea (1996)

Karen Matheson - The Dreaming Sea (1996)

Pourquoi écouter ce disque ?

Depuis 1984, Karen Matheson est la chanteuse emblématique de Capercaillie, groupe écossais de musique traditionnelle. Au fil des années, ils se sont forgés un répertoire solide, comprenant à la fois des airs gaéliques anciens ainsi que des chansons modernes en langue anglaise. En 1996, Karen s'accorde une pause pour enregistrer son premier album en solo. Épaulée par son mari Donald Shaw (cofondateur de Capercaillie, producteur, claviériste) et du guitariste James Grant (Love and Money), elle présente The Dreaming Sea, un splendide joyau réunissant treize chansons, toutes aussi fabuleuses les unes que les autres. Six d'entre elles sont chantées en gaélique, langue usitée dans son enfance par sa mère et sa grand-mère, et dont elle a appris toutes les nuances. Si quelques membres de Capercaillie font une apparition comme le batteur James Mackintosh ou Ewan Vernal (bassiste de Fish à l'époque de Sunsets On Empire), d'autres musiciens ont été sollicités afin d'apporter une dimension singulière à l'album. Cordes, harmonica ainsi que saxophone complètent ce sentiment de douceur. Le délicat Mi Le M' Uilinn enregistré live en une seule prise, la chanson titre The Dreaming Sea aux ambiances vaporeuses, l'émouvant Evangeline tourné vers l'enfance ou encore la reprise subtile du One More Chance de Sandy Denny (Fairport Convention, Rising For The Moon) sont autant d'invitations au voyage, un voyage lumineux où il fait bon de se perdre l'espace d'un instant.

Musiciens

Karen Matheson : chant

Donald Shaw : claviers, accordéon

Paul MacGeechan : claviers, programmation

James Grant : guitares, dobro, basse, chœurs

Ewan Vernal : basse

Eoghan O'Neill : basse

James Mackintosh : batterie

Ray Fean : batterie

Jim Sutherland : percussions

Noel Bridgeman : percussions

Gerry O'Conner : banjo

Tommy Smith : saxophone

Fraser Spiers : harmonica

Marc Duff : whistle

Manus Luny : chœurs

Sorley Maclean : lecture

BT Ensemble : cordes

Titres

01. There's Always Sunday

02. Rithill Aill

03. The Dreaming Sea

04. Mi Le M' Uilinn

05. Early Morning Grey

06. Ic Iain 'Ic Sheumais

07. One More Chance

08. Fac Thu Na Feidh

09. An Fhideag Airgid

10. At The End Of The Night

11. Move On

12. Calbharaigh

13. Evangeline

Vidéos

The Dreaming Sea

                                                    One More Chance (live) : lien vidéo ici

Ana Alcaide - Leyenda: World Music Inspired By Feminine Legends (2016)

Ana Alcaide - Leyenda:
World Music Inspired By Feminine Legends (2016)

Pourquoi écouter ce disque ?

A travers Leyenda, Ana Alcaide rend un vibrant hommage à toutes les femmes. Basée à Tolède, cette artiste espagnole, à la fois chanteuse, compositrice et musicienne, joue d'un instrument étonnant, le nyckelharpa. Aussi appelé violon à clavier, cet instrument traditionnel remontant à l'époque médiévale provient de Scandinavie, et plus précisément de Suède. Ana a appris à en jouer lors d'un séjour dans ce pays. Leyenda, son cinquième album, en rupture avec les précédents, s'intéresse aux contes et légendes construits autour de femmes, divinités féminines ou créatures féminines. Les douze morceaux de ce disque original évoquent des histoires d'amour, de haine, de sacrifices, toutes millénaires, dans lesquelles des héroïnes meurent au combat, réalisent des actes de bravoure, se coupent les ailes ou perdent leur peau. Selkies nordiques (aussi célébrées par Eivør dans At The Heart Of A Selkie cette même année) ou lamiak basques sont quelques-unes des créatures fantastiques croisées au fil des chansons aux couleurs musicales inspirées des cinq continents. Si vous aimez Loreena McKennitt ainsi que la world music de qualité, ce disque est pour vous.

Musiciens

Ana Alcaide : chant, nyckelharpa, claviers, percussions

Rainer Seiferth : guitares, bouzouki
Bill Cooley : psaltérion, luth, santur
Bruno Duque : flûtes
David Mayoral : percussions
Paul Castejón : hang, claviers, chant
Renzo Ruggiero : vielle à roue, chant
Wafir S. Gibril : accordéon, chant
Isabel Martín : chant
Laura Fernández Alcalde : chant
Jan Grimbergen : hautbois
Oreka Tx : txalaparta

Titres

01. Tlalli
02. Diosa Luolaien
03. La Ondina De Vacares
04. Leyenda
05. La Mujer Muerta
06. Folía De La Primavera
07. La Lamia De Kobate
08. El Puente De San Martín
09. Kari Kalas
10. La Esposa Selkie
11. Elenion
12. Akelarre

Vidéos

Lien vidéo Akelarre : cliquer ici

Lien vidéo Tlalli : cliquer ici

Lien vidéo La Lamia De Kobate : cliquer ici