Anette Olzon - Shine (2014)

Anette Olzon - Shine (2014)

Pourquoi écouter ce disque ?

Anette Olzon, un nom qui aura fait couler beaucoup d'encre dans l'histoire de Nightwish. Cette chanteuse suédoise a assuré (et assumé) avec brio la délicate mission de remplacer Tarja, celle-là même que l'on pensait irremplaçable. Après un Dark Passion Play de transition en 2007, suivi du monumental Imaginaerum (2011), Anette s'est faite éjectée sans ménagement du combo finlandais en pleine tournée mondiale. Forte de sa notoriété nouvelle, elle propose en 2014 Shine, premier album en solo, sorti chez Ear Music, même maison de disque qu'une certaine... Tarja. Si des titres comme Lies ou Falling peuvent éventuellement faire penser à du Nightwish par leur aspect énergique et symphonique, Shine est avant tout un album de pop-rock assumé. Influencée par ce genre musical ainsi que par le folk, Anette a évolué bien loin des terres métalliques dans sa jeunesse en chantant au sein d'Alyson Avenue, formation rock, de Take Cover spécialisé dans les reprises de Clapton, Roxette ou AC/DC, d'un opéra-rock et d'un tribute band dédié à ABBA. Ce parcours explique la coloration particulière de Shine, disque immédiatement accessible avec ses mélodies accrocheuses portées par une voix magnifique, bien mise en valeur. Anette livre sans filtre sa vision du monde, aussi bien son aspect lumineux que sombre. One Million Faces, la ballade finale Watching Me From Afar, l'aérien Floating ou encore l'émouvant Moving Away écrit après que sa mère ait été diagnostiquée d'un cancer sont quelques-unes des très belles pièces de ce disque à classer pas très loin des parcours solos d'Anneke van Giersbergen ou de Liv Kristine.

Musiciens

Anette Olzon : chan

Johan Glössner : guitares, claviers, basse, batterie

Stefan Örn : claviers

Joakim Söderström : piano

Stefan Bergman : batterie

Titres

01. Like A Show Inside My Head

02. Shine

03. Floating 

04. Lies

05. Invincible

06. Hear Me

07. Falling

08. Moving Away

09. One Million Faces

10. Watching Me from Afar

Siouxsie And The Banshees - The Scream (1978)

Siouxsie And The Banshees - The Scream (1978)

Pourquoi écouter ce disque ?

Alors qu'en cette fin des années 70, les dinosaures prog-rock et folk-rock s'éteignent tout doucement, surgissent deux nouvelles espèces musicales balayant tout sur leur passage, le disco et le punk. Fondés en 1976, Siouxsie And The Banshees appartiennent à cette nouvelle ère. Si Sid Vicious  des Sex Pistols occupe le poste de batteur dans la première mouture aux côtés de Siouxsie Sioux et du bassiste Steven Severin, très vite, la formation va se tourner vers un post-punk innovant et expérimental suite à l'arrivée du batteur Kenny Morris ainsi que du guitariste-saxophoniste John McKay. Héritiers en ce sens du Velvet Underground dans leur recherche d'un son inédit, les Banshees influenceront à leur tour toute une génération, de Joy Division à The Cure avec lesquels ils deviendront très proche, du moins durant un temps. Malgré une certaine renommée à la fin de l'année 1977, le groupe n'est toujours pas signé chez un label. Il le sera courant 78 par Polydor suite à une campagne de fans inscrivant sur les murs de Londres "Sign the Banshees: do it now!". Produit par Steve Lillywhite, The Scream surprend son monde à sa sortie par son aspect innovant. Considéré aujourd'hui comme un incontournable de toute bonne discothèque qui se respecte, il comporte quelques classiques inégalés tels que Jigsaw Feeling et sa basse froide, un Mirage incisif, le martial Metal Postcard, ou encore un Switch hanté comme jamais. Impossible non plus de passer à côté de la reprise des Beatles Helter Skelter liée à l'inquiétant criminel Charles Manson. Seul faux pas, l'absence du lumineux Hong Kong Garden sorti en single, inoubliable avec son introduction au xylophone. Erreur réparée avec les rééditions en CD. 

Musiciens

Siouxsie Sioux : chant

John McKay : guitares, saxophone

Steven Severin : basse

Kenny Morris : batterie, percussions

Titres

01. Pure

02. Jigsaw Feeling

03. Overground

04. Carcass

05. Helter Skelter

06. Mirage

07. Metal Postcard (Mittageisen)

08. Nicotine Stain

09. Suburban Relapse

10. Switch

   

Joshua Burnell & Frances Sladen - The Snickelway To Horn Fair (2019)

Joshua Burnell & Frances Sladen - The Snickelway To Horn Fair
(2019)

Pourquoi écouter ce disque ?

Vous ne connaissez toujours pas Joshua Burnell ? Dommage pour vous. Ceci dit, ce n'est pas avec The Snickelway To Horn Fair que vous allez faire sa connaissance. Pourquoi ? Tout simplement parce que ce petit EP a été seulement envoyé aux personnes qui avaient pré-commandé son album The Road To Horn Fair. Vous le connaissez lui, non ? Non !? Alors, un conseil, passez vite commande de ce disque, mêlant influences folk et prog. Je vous garantit que vous ne serez pas déçu. Et si par hasard, vous réussissez à vous procurer ce The Snickelway To Horn Fair, vous découvrirez sept titres en versions acoustiques, rendant hommage aux aînés des années 60-70 que sont Fairport Convention (Reynardine), Pentangle (Willie O Winsbury, Bruton Town) et Steeleye Span (The King, The Three Ravens). A côté de ces classiques intemporels, Joshua et sa compagne Frances proposent deux compositions originales déjà présentes sur le premier EP Lend An Ear (2013), un Midnight Wander aux saveurs toutes pastorales, ainsi que l'excellent The Skylark And The Oak interprété en duo. Une fois que vous l'aurez entre vos mains et que vous l'aurez écouté, et seulement à ce moment-là, vous saurez alors le sens réel du mot "privilégié". 

Musiciens

Joshua Burnell : chant, instruments

Frances Sladen : chant

Titres

01. The King

02. Willie O Winsbury

03. Skylark & The Oak

04. Midnight Wander

05. Reynardine

06. Bruton Town

07. The Three Ravens

Luar Na Lubre - Saudade (2005)

Luar Na Lubre - Saudade (2005)

Pourquoi écouter ce disque ?

La mission semblait impossible : succéder à la charismatique Rosa Cedrón partie vers d'autres cieux. En poste depuis l'album Plenilunio (1997), elle a marqué de son empreinte Luar Na Lubre, bien plus qu'Ana Espinosa, la toute première chanteuse du combo galicien. Déjà entendue sur Hai Un Paraiso en 2004 et la chanson O Meu País, Sara Vidal assure la relève avec brio. Originaire de Lisbonne, elle contribue à renforcer le lien culturel indéfectible entre la Galice, région autonome espagnole, et le Portugal voisin. Tous deux ont en commun la "saudade", mot intraduisible qui exprime un sentiment complexe mêlant mélancolie, nostalgie et espoir. Intitulé sobrement Saudade, le huitième album studio de Luar Na Lubre se présente comme une collection de chants de l'exil. Peuple d'émigration depuis des siècles, les Galiciens ont donné leur nom en Amérique latine à tous les habitants venant d'Espagne, quelles que soient leurs origines régionales. Afin de mettre en lumière ces Galiciens de l'exil, Bieito Romero et ses musiciens ont convié des voix en provenance du Brésil (Cida Airam), de Cuba (Pablo Milanés), du Venezuela (Farruco Sesto, ministre de la Culture de l'époque), du Mexique (Lila Downs) et de l'Argentine (Adriana Varela). Avec sa mise en musique d'un poème de Federico Garcia Lorca (Cantiga Do Neno Da Tenda), ses compositions originales (Danza Dos Esqueletes), ses reprises d'airs traditionnels (splendide Miñai Nai sur lequel se révèle Sara), son hommage au Che (Pandeirada Do Che), sa nouvelle version du Tu Gitana, un classique du répertoire, en duo avec le compositeur cubain Pablo Milanès, victime des camps de travail castristes visant à rééduquer les homosexuels, religieux et autres "déviants", et ses adaptations inspirées des compositions du grand Miro Casabella (Desterro, Olla Meu Irmau), Luar Na Lubre propose un folk authentique, lumineux et vivant qui fait vraiment du bien.

Musiciens

Seuls les musiciens invités sont crédités dans la pochette du disque :

Cida Airam : chant

Pablo Milanés : chant

Lila Downs : chant

Adriana Varela : chant

Emilio Cao : harpe

Grupo de cantareiras "Raigañas" de Cerqueda : chant

Francisco Rosa (Cuba) : tres

Rubén Montes : percussions

Nani Garcia : claviers

Farruco Sesto : voix

Miguel Cabana : percussions
Miguel Queijo : percussions

Titres

01. Desterro
02. Olla Meu Irmao
03. Cantiga Do Neno Da Tenda
04. Danza Dos Esqueletes
05. Domingo Ferreiro
06. Miña Nai
07. Pandeirada Do Che
08. Lonxe Da Terriña
09. Nova Galicia
10. Teu Nome, Amarante
11. Galego Guajiro
12. Saudade
13. Tu Gitana

Artesia - Llydaw (2009)

Artesia - Llydaw (2009)

Pourquoi écouter ce disque ?

Entrez visiteur, entrez dans cette terre de légendes qu'est la Bretagne. Avec son troisième album, Artesia vous ouvre les portes de cet univers mystérieux, où cohabitent fées, elfes et autres créatures fantastiques. Fondé en 2001 par Agathe (chant, claviers, percussions), Artesia s'est construit une solide image depuis son arrivée sur le label nantais Prikosnovénie. Devenu trio suite au départ de la violoniste Gaëlle et à l'arrivée de Coralie (violon) et Loïc (guitares, percussions, chant), vieux compagnon de route, membre du groupe de black metal Belenos, les musiciens explorent les recoins les plus insoupçonnés de cette terre du bout du monde. Llydaw signifie d'ailleurs Bretagne en gallois. Si l'instrumental d'ouverture Irree Seose n'est autre qu'un air traditionnel de l'île du Man, Le Haut Bois évoque à la fois les forêts sacrées de Brocéliande et d'Huelgoat, Sous La Pierre Brisée se trouve le grand menhir de Locmariaquer, Y Ladi Wen n'est autre que l’inquiétante Dame Blanche, fantôme sans tête que l'on croise la nuit sur le bord des routes, et durant les cinq minutes que dure Tempus Est Locundum, la mystique Hildegard de Bingen nous invite à nous asseoir un instant à ses côtés. Par sa musique atmosphérique, sombre et éthérée, composée d'éléments celtiques et médiévaux, Artesia n'est guère éloigné de ses contemporains que sont Arcana, Dark Sanctuary ou encore Les Secrets De Morphée. Ainsi se referme cette parenthèse enchantée.

Musiciens

Agathe : chant, claviers, percussions

Coralie : violon

Loïc : guitares, percussions, chant

Titres

01. Irree Seose

02. Le Haut Bois

03. Y Ladi Wen

04. Lande Sauvage

05. Tempus Est Locundum 

06. Le Voyageur 

07. Sous La Pierre Brisée

08. Vers L'Ouest

Lia Hide - Tells No Fairytales (2019)

Lia Hide - Tells No Fairytales (2019)

Pourquoi écouter ce disque ?

Lia Hide ne raconte pas des contes de fées, il n'y a pas de fin heureuse chez elle. Artiste grecque inclassable, Lia a écrit et composé son troisième album en réaction aux crises sociétales, économiques et environnementales qui se succèdent ces dernières années. On comprend ainsi mieux cette atmosphère sombre, perturbée à certains moments par des magmas de colère, de désespoir à l'image de l'intense Last Night I Dreamt You Died aux couleurs post-punk. Elle-même qualifie sa musique de pop progressive. Pop pour l'aspect accessible avec des airs qui restent dans la tête (Dig Aplel!, St. Bastard The Coward), et prog pour le côté exigeant, audacieux et complexe (Mantis, Johnny And I). Perfectionniste dans l'âme, elle a fait appel à Denis Blackham pour la masterisation, une référence depuis les années 60 en matière de son. A travers ses chansons, il émane d'elle non seulement une créativité singulière, mais aussi une volonté vive que rien ne semble pouvoir arrêter. Sa musique, très imagée, n'est que le reflet de son âme en proie aux forces obscures de ce monde hostile contre lequel elle ne cesse de lutter. Il y a en elle cette même même flamme qui animait jadis Piaf, Laura Nyro, Joni Mitchell, Kate Bush, PJ Harvey, Björk, voire même Madonna. Elle sait ce qu'elle veut, elle sait où elle va, et elle le fait bien. 

Musiciens

Lia Hide : chant, claviers

Aki'Base : basse
George Rados : batterie
Panos Papazoglou : guitares
Irene Ketikidi : guitares

Titres

01. Mantis
02. This New Thing Called Honesty
03. Dig Apple!
04. St. Bastard The Coward
05. The Art Of Falling Is Hard To Master
06. Johnny And I
07. Last Night I Dreamt You Died
08. Keeper Of Psalms

The Sallyangie - Children Of The Sun (1968)

The Sallyangie - Children Of The Sun (1968)

Pourquoi écouter ce disque ?

Cinq ans avant que ne résonnent ses fameuses Tubular Bells, Mike Oldfield formait avec sa sœur Sally le duo folk Sallyangie. Son existence aura été brève (1968-1969), seul un album aux couleurs pastorales, Children Of The Sun, verra le jour sous ce nom. Ce dernier est composé du prénom de "Sally" auquel a été ajouté "Angie", morceau musical favori de Mike interprété par le guitariste Bert Jansch dès 1965, et composé par Davy Graham. L'idée du duo est venue de Sally, alors âgée d'une vingtaine d'années, après qu'elle ait décidé d'interrompre ses études pour devenir chanteuse. Elle convainc son jeune frère de quinze ans seulement, guitariste comme elle, de l'accompagner. Ils se mettent alors à enregistrer des démos sous les conseils d'un certain... Mike Jagger. Mais il ne subsistera rien de cette période. C'est John Renbourn de Pentangle qui va les pousser vers la porte des studios d'enregistrement suite à une rencontre au Troubadour Folk Club de Bristol. Fondateur du label Transatlantic Records, Nathan Joseph devient leur producteur. Composé et enregistré en très peu de temps, Children Of The Sun se remarque par la présence de Terry Cox (Pentangle) aux percussions, de Ray Warleigh (John Mayall, John Renbourn, John Martyn) à la flûte, et du futur responsable des arrangements orchestraux de Jethro Tull, David Palmer. De qualité inégale, il se dégage de cet album une saveur particulière, presque enfantine, faite de naïveté et de petites maladresses, le rendant ainsi particulièrement attachant. 

Musiciens

Sally Oldfield : chant, guitare

Mike Oldfield : chant, guitare

Terry Cox : batterie, percussions

Ray Warleigh : flute

David Palmer : cordes

Titres

01. Strangers

02. Lady Mary

03. Children Of The Sun

04. A Lover For All Seasons

05. River Song

06. Banquet On The Water

07. Balloons 

08. Midsummer Night's Happening

09. Love In Ice Crystals

10. Changing Colours

11. Chameleon

12. Milk Bottle

13. Murder Of The Children Of San Francisco

14. Strangers (Reprise)

Mae McKenna - Nightfallers (1988)

Mae McKenna - Nightfallers (1988)

Pourquoi écouter ce disque ?

Mae McKenna, une voix bénie des dieux que les amateurs de prog connaissent certainement. L'intro a cappella du Harbour Of Tears de Camel, c'est elle. Tout comme une partie des chœurs du Music Of The Spheres de Mike Oldfield ou la troisième voix du premier opus solo de Dave Bainbridge (Iona) Veil Of Gossamer aux côtés de Rachel Jones et Joanne Hogg. Sœur d'Hugh McKenna et cousine de Ted McKenna du Sensational Alex Harvey Band, Mae commence sa carrière de chanteuse dans les années 70 au sein du groupe folk écossais Contraband. Cette même décennie, elle sort trois albums solos. Nightfallers, son quatrième, paraît en 1988. A l'exception du traditionnel My Lagan Love, elle a écrit ou coécrit chacune des dix autres chansons de ce disque dépassant à peine les trente-cinq minutes. Mae s'est amusée a explorer différentes sonorités, mêlant instruments anciens (harpe, cornemuse, flûte, bodhran, guitare classique) et modernes comme le synthétiseur DX7, avec, comme résultat, un folk aux saveurs celtiques teinté d'influences world et pop. Ochone et My Lagan Love sont deux perles interprétées a cappella. Accompagnée de son frère Hugh au piano et de Danny Thompson (Pentangle) à la contrebasse, elle offre une interprétation de Manderley à tirer les larmes. Si Karisola évoque un Iona qui n'existe pas encore, le sublime Moorings où elle est seulement accompagner à la harpe renvoie plutôt du côté de Moya Brennan de Clannad. Sans être un incontournable, Nightfallers ravira à ne pas en douter les passionnés de belles voix féminines.

Musiciens

Mae McKenna : chant, violon, claviers, guitare acoustique, percussions

Jamie Moses : guitares

Martin Denning : guitares

Peter Cairney : guitares

Hugh McKenna : claviers

Danny Thompson : contrebasse

Graham Walker : batterie

Mel Mercier : percussions

Brian O'Briain : uilleann pipes, flûtes

William Jackson : uilleann pipes, harpe

Fionnuala Monks : harpe

Titres

01. Nightfallers (Introduction)

02. Karisola

03. Moorings 

04. Visions Of Time To Come 

05. Blue

06. Ochone 

07. Sayonara

08. My Lagan Love 

09. Fields Of Green 

10. Manderley 

11. Nightfallers 

A Life In Yes: The Chris Squire Tribute (2018)

A Life In Yes: The Chris Squire Tribute (2018)

Pourquoi écouter ce disque ?

Le 27 juin 2015, à peine âgé de 67 ans, disparaissait Chris Squire, bassiste fondateur de Yes. Un choc pour les fans de ce groupe phare, figure incontournable du rock progressif britannique. Billy Sherwood, son successeur, lui rend un ultime hommage à travers ce tribute réunissant de grands noms de ce courant musical si riche et passionnant. Outre Sherwood lui-même, la grande famille Yes est représentée à travers les apparitions remarquées de Jon Davison, Jay Schellen, Patrick Moraz, Alan White et du premier claviériste du groupe, Tony Kaye, brillant sur Roundabout. Quatre femmes participent à cette aventure, et pas n'importe lesquelles : son ex-épouse Nikki Squire d'Esquire, impressionnante sur le hit Owner Of A Lonely Heart, la grande Annie Haslam de Renaissance qui réenchante littéralement Onward, la non moins grande Sonja Kristina de Curved Air à la présence anecdotique sur The Fish, et Candice Night de Blackmore's Night, dans un registre inédit pour le très rock Don't Kill The Whale. Parmi les autres grands noms, citons Steve Hogarth (Marillion), Steve Hackett (Genesis), Steve Porcaro (Toto), Gary Green (Gentle Giant), John Wesley (Porcupine Tree), Alan Parsons, Todd Rundgren ou encore Dweezil Zappa, fils de Frank. Fragile (1971) et Tormato (1978) sont les albums les mieux représentés au sein de la set-list avec trois titres chacun, suivent ensuite Going For The One (1977), 90125 (1983), et le controversé Union (1991) avec chacun une chanson. C'est Steve Hogarth qui a l'honneur d'interpréter Hold Out Your Hand, seul morceau issu de la discographie solo de Squire (album Fish Out Of Water, 1975). Sherwhood gratifie A Life In Yes de deux bonus non dénués d'intérêts où l'on retrouve avec tendresse et nostalgie le grand Chris dans ses œuvres : The Technical Divide du mega projet The Prog Collective, et la reprise de Comfortably Numb, extrait de Back Against The Wall, album célébrant Pink Floyd. 

Musiciens

Billy Sherwood : guitares, basse, claviers, batterie, chant

Chris Squire : basse, chant

Jon Davison : chant 

Steve Hogarth : chant

Todd Rundgren : chant

Nikki Squire : chant

Annie Haslam : chant

Sonja Kristina : chant 

Candice Night : chant

Alan Parsons : chant

Steve Hackett : guitares

Dweezil Zappa : guitares

John Wesley : guitares

Jordan Berliant : guitares

Steve Stevens : guitares, claviers

Tony Kaye : claviers 

Patrick Moraz : claviers

Steve Porcaro : claviers

Larry Fast : claviers

David Sancious : claviers

Brian Auger : claviers

Alan White : batterie 

Jay Schellen : batterie

Titres

01. On The Silent Wings Of Freedom 

02. Hold Out Your Hand 

03. Onward 

04. South Side Of The Sky 

05. The Fish

06. The More We Live – Let Go 

07. Parallels 

08. Owner Of A Lonely Heart 

09. Roundabout 

10. Don’t Kill The Whale 

11. The Technical Divide 

12. Comfortably Numb 

Vamp - Liten Fuggel (2012)

Vamp - Liten Fuggel (2012)

Pourquoi écouter ce disque ?

La dernière fois que nous avons croisé la route du groupe Vamp, c'était lors du concert exceptionnel I Full Symfoni II où il partageait la scène avec le prestigieux orchestre de la radio norvégienne et la déesse des îles Féroé, Eivør Pálsdóttir. Pour leur dixième album studio sorti en 2012, le premier signé chez Universal, les musiciens réunis autour du fondateur Øyvind Staveland, ont de nouveau fait appel à Eivør qui intervient sur cinq des onze titres. Depuis sa création au début des années 90, Vamp distille un folk norvégien classieux teinté de musique celtique et de rock. En quelques années, il s'est imposé sur la scène norvégienne jusqu'à devenir un incontournable. Pour ce "Petit Oiseau" (Liten Fuggel), Eivør interprète en norvégien Elisabeth Og Elinborg, délicate ballade dédiée à ses sœurs, à l'origine parue sur Human Child en 2007. Puis elle chante en duo avec Paul Hansen sur le pêchu Se Meg. Elle participe ensuite aux chœurs de Ord, de la chanson titre Liten Fuggel sortie en single et surtout de l'excellent Benonis Voggesang rappelant son compatriote Budam, sur lequel elle réalise une de ses envolées célestes. Pas un titre ne dépasse les cinq minutes, le groupe privilégiant l'essentiel et l'efficacité. Sur ces points, c'est réussi. 

Musiciens

Paul Hansen : chant, guitares, mandolin, harmonica

Øyvind Staveland : chant, violon, flûte, accordéon, autoharpe

Torbjørn Økland : guitares, mandoline, trompette, bouzouki

Calle Apeland : basse, contrebasse, chœurs

Odin Staveland : chant, claviers, accordéon, batterie

Eivør Pálsdóttir : chant

Torstein Loft : batterie

Bugge Wesseltoft : piano

Entcho Todorov : violon

Yoon Kwon : violon

Ronald Lawrence : alto

David Eggar : violoncelle

Andreas Karlsen : cornet

Erik Eilertsen : bugle

Rune Brodahl : cor

Bjørg Bøe : cor

Sverre Olsrud : euphonium

Andreas Grønneberg : tuba

Titres

01. Ord

02. Se Meg

03. Liten Fuggel

04. Oles Vise

05. Benonis Voggesang

06. Elisabeth Og Elinborg

07. Skål

08. Karusell

09. I Min Sørgebåt

10. Sjel, Men Ingen Skjorta

11. Åpen Himmel 

The Pentangle - Solomon's Seal (1972)

The Pentangle - Solomon's Seal (1972)

Pourquoi écouter ce disque ?

La légende Pentangle prend fin avec le sceau de Salomon. Sorti en 1972, Solomon's Seal est le dernier album de la formation classique de Pentangle, la meilleure. Son élaboration a été mouvementée pour cause de conflits de personnes, d'abus d'alcool, de problèmes financiers, juridiques et contractuels avec leur ancienne maison de disque. Moins inspiré que ses prédécesseurs, il n'en demeure pas moins de haute tenue et figure encore aujourd'hui parmi les albums préférés de la chanteuse Jacqui McShee. Il se partage entre compositions originales (People On The Highway, chanson prophétique sur le désir d'avancer et de ne pas regarder en arrière, No Love Is Sorrow écrit par le génial Danny Thompson, aidé de Bert Jansch) et airs traditionnels (High Germany, Willy O'Winsbury, tous deux repris sous forme de clin d'œil sur le dernier album du deuxième Pentangle, One More Road, en 1993). C'est un vrai plaisir d'écouter ou, plus exactement, de savourer pour une dernière fois ces génies d'une époque, Jacqui, Bert, Danny, Jon Renbourn et Terry Cox, porteurs d'un renouveau musical. Devenu une sorte de graal au fil des années, les fans devront patienter jusqu'en 2002 pour découvrir la version CD car les masters originaux ont longtemps été considérés comme perdus.  

Musiciens

Jacqui McShee : chant

Bert Jansch : guitare acoustique, dulcimer, banjo, chant

John Renbourn : guitares, sitar, flûte, harmonica, chant

Danny Thompson : contrebasse

Terry Cox : batterie, percussions, chant

Titres

01. Sally Free And Easy 

02. The Cherry Tree Carol

03. The Snows

04. High Germany

05. People On The Highway

06. Willy O'Winsbury

07. No Love Is Sorrow

08. Jump Baby Jump

09. Lady Of Carlisle

Daniel Cavanagh - Monochrome / Colour (2020)

Daniel Cavanagh - Monochrome / Colour (2020)

Pourquoi écouter ce disque ?

Cet album du leader d'Anathema, c'est un peu comme si Erik Satie et Nick Drake avaient collaboré ensemble. Il s'en dégage une langoureuse mélancolie. Une première version intitulée simplement Monochrome est parue en 2017. Le label Kscope, avec l'accord de Daniel Cavanagh, la réédite aujourd’hui accompagnée d'une nouvelle pochette incandescente et, bien plus intéressant, quatre titres bonus, dont deux inédits. A sa sortie, Daniel avait avoué que ce disque était inspiré par les sentiments d'amour et de perte. A l'exception du morceau d'ouverture The Exorcist, toutes les autres compositions avaient été rejetées par les membres d'Anathema en vue d'un éventuel album. C'est à se demander comment c'est possible tellement elles sont raffinées, à l'image du splendide The Silent Flight Of The Raven Winged Hours. The Exorcist, bien plus émouvante, occupe une place à part puisque cette chanson a été composée il y a une vingtaine d'années, alors que la mère du musicien luttait contre une maladie qui a fini par l'emporter. Avec la sensibilité qu'on lui connaît, Daniel s'interroge si, quelque soit l'endroit où elle se trouve maintenant, elle est fière de lui... La délicieuse Anneke van Giersbergen est venue l'accompagner aux vocaux. Ces deux-là se sont rencontrés à la fin des années 2000 lors d'un festival de metal en Roumanie. S'en est suivie une tournée acoustique en duo qui a donné lieu au témoignage live In Parallel (2009). A la même époque, Danny a participé au Pure Air (2009) d'Anneke, puis cette dernière est venue chanter sur le Falling Deeper (2011) d'Anathema. Transformée en Monochrome / Colour, cette escapade solo demeure en 2020 aussi réussie qu'elle l'était au moment de sa sortie trois ans plus tôt. 

Musiciens

Daniel Cavanagh : chant, instruments

Anneke van Giersbergen : chant

Anna Phoebe : violon

Titres

01. The Exorcist 

02. This Music 

03. Soho 

04. The Silent Flight Of The Raven Winged Hours

05. Dawn

06. Oceans Of Time 

07. Some Dreams Come True

Bonus Tracks 

08. The Exorcist (Acoustic) 

09. The Silent Flight of the Raven Winged Hours (Acoustic) 

10. Found 

11. Scandinavia

Maddy Prior & June Tabor - Silly Sisters (1976)

Maddy Prior & June Tabor - Silly Sisters (1976)

Pourquoi écouter ce disque ?

Non, elles ne sont pas sœurs. Elles sont justes copines. De vraies fofolles néanmoins. En 1976, Maddy Prior connaît un succès considérable avec Steeleye Span, notamment depuis la sortie de l'hymne All Around My Heart l'année précédente. Elle s'accorde donc une pause pour réaliser cet album étonnant en duo avec une certaine June Tabor. Cette dernière n'a pas encore la notoriété de sa consœur. Depuis la fin des années 60, elle se produit dans les clubs folks, mais n'a pas encore sorti d'album. Airs And Graces viendra combler ce manque cette même année. Toutes deux influencées par la chanteuse folk britannique Anne Briggs, c'est tout naturellement qu'elles ouvrent ce disque avec Doffin' Mistress, un classique de son répertoire depuis 1963. A l'exception de The Grey Funnel Line, chant marin composé par Cyril Tawney, Silly Sisters ne comporte que des airs traditionnels. Il y est question de chômage au XIXe siècle (Four Loom Weaver), d'amour perdu (Lass Of Loch Royal), de sexe (The Game Of Cards), d'humour (My Husband's Got No Courage In Him), ou encore de voyage (Singing The Travels). Cette dernière chanson sera reprise par les deux artistes lors de leurs retrouvailles sur scène en 2000 (album live de Maddy Ballads And Candles). L'atout principal de ce disque est bien évidemment le mariage à l'unisson des deux voix, chacune aussi sublime que l'autre. L'harmonie entre les deux est parfaite, tout comme la complémentarité. Martin Carthy (Steeleye Span), Danny Thompson (Pentangle), Jon Gillaspie (Gay & Terry Wood), Andy Irvine (Planxty) ainsi que son pote Johnny Moynihan apportent quelques couleurs complémentaires à l'ensemble. Sous son aspect farfelu, Silly Sisters demeure un incontournable de ces années folks où tout semblait encore possible. 

Musiciens

Maddy Prior : chant

June Tabor : chant

Martin Carthy : guitare, percussions

Nic Jones : violon, guitare

Tony Hall : mélodéon 

Andy Irvine : mandoline, vielle à roue

Johnny Moynihan : bouzouki, flûte irlandaise

Gabriel McKeon : uilleann pipes

Danny Thompson : basse 

John Gillaspie : basson, sopranino, bombarde 

Brian Golbey : violon

Titres

01. Doffin' Mistress 

02. Burning of Auchidoon 

03. Lass Of Loch Royal

04. The Seven Joys Of Mary 

05. My Husband's Got No Courage In Him

06. Singing The Travels

07. Silver Whistle

08. The Grey Funnel Line 

09. Geordie 

10. The Seven Wonders 

11. Four Loom Weaver 

12. The Game Of Cards

13. Dame Durdan

Computer Mind - The Aspie Project (2016)

Computer Mind - The Aspie Project (2016)

Pourquoi écouter ce disque ?

Computer Mind, c'est l'histoire d'un projet original qui avait tout pour séduire, mais qui a capoté. Atteint du syndrome d'asperger, forme d'autisme affectant la manière de communiquer, le bassiste néerlandais Mike van den Heuvel a composé cet opéra rock en partie autobiographique, inspiré sur le plan musical d'Ayreon. Son ambition était de faire évoluer les mentalités à travers son disque. D'où le titre The Aspie Project. L'histoire raconte comment un "aspie" (c'est ainsi que les porteurs du syndrome s'appellent eux-mêmes) gère les situations quotidiennes ainsi que certaines grandes étapes de la vie comme l'enfance, l'école et la difficulté de se faire des amis, les relations amoureuses ou le divorce des parents. Le casting est impressionnant, nous sommes au cœur de la galaxie "ayreonienne" avec Arjen Lucassen lui-même dans le rôle du docteur, Damian Wilson (le père), Marcela Bovio (la mère), et Marjan Welman (la petite amie). Découvert sur Lost In The New Real et responsable des premières voix sur la version démo de The Theory Of Everything, Wilmer Waarbroek joue le héros malgré-lui. Financé par l'intermédiaire d'un crowdfunding, l'album finira par arriver dans la boîte aux lettres de la centaine de contributeurs courant 2016 après une très très longue attente. Et puis silence radio total. Le site internet ne sera plus mis à jour, et le disque ne sera plus vendu. Que s'est-il passé ? Mystère... C'est bien dommage car si on peut reprocher quelques aspects brouillons, pour un premier essai, l'ensemble est plus que convaincant avec Wilson et Bovio qui, comme à leur habitude, se donnent à fond. Ecoutez ci-dessous le single Divorce puis jugez par vous-même. 

Musiciens

Wilmer Waarbroek  : The Son

Damian Wilson : The Father

Marcela Bovio : The Mother

Marjan Welman : The Girlfriend

Arjen Anthony Lucassen : The Doctor

Edwin Kraft van Ermel : guitares

Berry Lakerveld : guitares

Marcel Coenen : guitares

Koen van Amerongen : claviers

Mike van den Heuvel : basse

David Mulder : batterie

Harry Donders : contrebasse

Stijn Donders : violon

Julia Dinerstein : violon

Justyna Briefjes : violon

Miriam Kirby : violoncelle

Epic Rock Choir

Titres

01. Diagnosis 

02. Childhood Pt. 1

03. Childhood Pt. 2 

04. Coma 

05. Education 

06. Friendship Pt. 1 

07. Friendship Pt. 2 

08. Relationship Pt. 1

09. Relationship Pt. 2

10. Blind To Emotion 

11. Little Box 

12. Divorce 

13. A Gift Disguised As A Dilemma Pt. 1 

14. A Gift Disguised As A Dilemma Pt. 2

15. A Gift Disguised As A Dilemma Pt. 3