The Velvet Underground & Nico - The Velvet Underground & Nico (1967)

The Velvet Underground & Nico -
The Velvet Underground & Nico (1967)

Pourquoi écouter ce disque ?

Difficile de se frayer un chemin en cette année 1967 tant les productions de qualité abondent à l'instar du Sgt Pepper des Beatles ou du Day Of Future Past des Moody Blues. Encore plus difficile lorsque ce premier album est mis directement en concurrence avec d'autres premiers albums fondateurs : The Doors (The Doors), Mr. Fantasy (Traffic), The Pipper At The Gates Of Dawn (Pink Floyd) ou bien Procol Harum (Procol Harum). The Velvet Underground & Nico laissera lui une trace indélébile dans l'histoire du rock. Il est non seulement un des seuls albums majeurs comportant une voix féminine en lead sorti cette années-là (exception faite du Surrealistic Pillow de Jefferson Airplane et du Big Brother & The Holding Company avec Janis Joplin), mais il est doté d'une qualité musicale avant-gardiste exceptionnelle, ainsi que d'une pochette inoubliable et immédiatement reconnaissable. Pas la peine d'inscrire le nom du groupe dessus, comme pour Dark Side Of The Moon, l'image est suffisamment forte, elle se suffit à elle-même. Conçue par Andy Warhol, également producteur du disque, c'est lui qui a imposé Nico, jeune mannequin allemand, au quatuor. Si certaines personnes de leur entourage souhaitaient qu'elle interprète toutes les chansons, il n'en sera rien. Lou Reed lui en laissera trois, lui enlevant à la dernière minute le titre d'ouverture Sunday Morning. Nico dira d'ailleurs à ce sujet qu'il "a fait une imitation de moi en la chantant". Si All Tomorrow's Parties semble la plus torturée d'entre elles, I'll Be Your Mirror et surtout Femme Fatale sont de splendides ballades, la dernière lui collant définitivement à la peau, à l'instar de Ziggy Stardust pour Bowie. De cette association de talents aux egos surpuissants, naîtra toute une série de conflits conduisant à l'éviction inéluctable de Nico, l'album à peine sorti. Pourtant, des années après, Lou Reed reconnaîtra que cette dernière "a instinctivement compris mes chansons, comme personne au monde".  

Musiciens

Lou Reed : chant, guitares

John Cale : violon, piano, célesta, basse, chœurs

Sterling Morrison : guitares, basse, chœurs

Maureen Tucker : percussions

Nico : chant

Titres

01. Sunday Morning

02. I'm Waiting For The Man

03. Femme Fatale

04. Venus In Furs

05. Run Run Run

06. All Tomorrow's Parties

07. Heroin

08. There She Goes Again

09. I'll Be Your Mirror

10. The Black Angel's Death Song

11. European Son

Cocteau Twins - Treasure (1984)

Cocteau Twins - Treasure (1984)

Pourquoi écouter ce disque ?

And then they were three... again. Pour leur troisième et merveilleux opus, les Cocteau Twins s'offrent un nouveau membre, le bassiste-claviériste Simon Raymonde. Issu comme eux de la scène punk, Simon est le fils d'Ivor Raymonde, célèbre producteur des années 60 qui a collaboré entre autre avec Dusty Springfield et The Walker Brothers. Inspiré par les muses de la mythologie (Lorelei, Persephone, Pandora) et de la littérature (Beatrix, Ivo, Domino), Treasure marque un tournant radical dans la carrière du groupe, donnant naissance au mystère Cocteau Twins. Avec ce disque qui devait être réalisé en collaboration avec Brian Eno (et Daniel Lanois), ils forgent définitivement leur propre son, un son inédit jamais entendu auparavant. Tel un peintre, Robin Guthrie superpose à l'infini les effets de guitares mêlés à des claviers atmosphériques, construisant ainsi une musique complexe, emportée par le chant aérien d'Elizabeth Fraser. Ses paroles obscures, souvent inintelligibles, sont faites de vrais mots, mais aussi d'argot écossais et d'autres d'origine inconnue. Robert Smith des Cure qualifiera Treasure d'album le plus romantique jamais enregistré. Il en était fan à tel point qu'il était devenu son disque de chevet lors de la préparation de son mariage à la fin des années 80, juste avant la sortie du monumental Disintegration. 

Musiciens

Elizabeth Fraser : chant

Robin Guthrie : guitares

Simon Raymonde : basse, claviers

Titres

01. Ivo

02. Lorelei

03. Beatrix

04. Persephone

05. Pandora

06. Amelia

07. Aloysius

08. Cicely

09. Otterley

10. Domino

Joshua Burnell - Flowers Where The Horses Sleep (2020)

Joshua Burnell - Flowers Where The Horses Sleep (2020)

Pourquoi écouter ce disque ?

Joshua Burnell, "étoile montante" du folk britannique. Cette fois-ci, ce n'est pas moi qui le dit, mais les éminents Folking Awards de cette année 2020 qui l'ont élu à ce titre. Richard Thompson, Eliza Carthy, Ralph McTell ou encore Fairport Convention ont eux aussi été nominés, mais dans d'autres catégories. Son nouvel album Flowers Where The Horses Sleep va le conforter dans cette position, tant il repousse une nouvelle fois les limites du genre. Après avoir revisité les airs folks traditionnels avec Songs From The Seasons (2018) puis The Road To Horn Fair (2019) et s'être offert un intermède pianistique à travers Satellites (2019), Joshua propose une collection de chansons inédites dont il a signé seul paroles et musiques. Il n'avait pas fait cela depuis Into The Green (2016), son premier album. Autant le dire de suite en comparant les deux disques, le jeune artiste a gagné en maturité et finesse, mais il n'a rien perdu de son sens de l'humour, ni de sa sensibilité. En conteur né, il nous ouvre les portes de son univers en quête de beauté. Selon lui, celle-ci est présente partout, même dans les endroits les plus improbables. D'ailleurs, le titre de l'album fait directement référence à ces prisonniers japonais de la Seconde Guerre mondiale, internés dans des camps américains, qui cultivaient des fleurs dans les écuries afin d'embellir leur quotidien. Au cours de cette pérégrination en dix titres taillés pour la scène, nous croisons la route d'un cerf magique (Run With Me), d'une fée maudite (Le Fay), d'un Robin des Bois des temps modernes (The Ballad Of Mark Jeffrey), d'un personnage fantastique (Joan Of The Greenwood), d'amis de toujours (Two Stars), et même de Ian McKellen, l'inoubliable Gandalf, sous forme de clin d'œil (Labels). Let Me Fall Down fait partie de mes titres préférés, tout comme l'émouvante ballade Invisible Wings illuminée par Frances Sladen aux vocaux, présente depuis le début, tout comme le guitariste Nathan Greaves. Un conseil, ne passez pas à côté de ce disque, une légende est née. 

Musiciens

Joshua Burnell : chant, guitares, claviers, batterie, percussions

Frances Sladen : chant

Nathan Greaves : guitares

Katriona Gilmore : violon, mandoline, chœurs, cordes

Kathleen Ord : cordes, violon

Paul Young : mélodéon

Oliver Whitehouse : basse

Tom Mason : basse

Edward Simpson : chant, percussions

Titres

01. Labels

02. Le Fay

03. The Ballad Of Mark Jeffrey

04. Invisible Wings

05. Run With Me

06. Let Me Fall Down

07. Outside

08. Joan Of The Greenwood

09. Look At Us Now

10. Two Stars

Renaissance - The Other Woman (1995)

Renaissance - The Other Woman (1995)

Pourquoi écouter ce disque ?

Seul album studio de Renaissance des années 90, The Other Woman occupe une place complètement à part dans leur abondante discographie. Petit retour en arrière. Dans les années 80, Renaissance n'est plus que l'ombre de lui-même. Suite au départ de Jon Camp en 1985, le groupe est conduit par Annie Haslam et le guitariste aujourd'hui disparu Michael Dunford. En 1987, après une dernière tournée acoustique, il éclate. Annie entame alors une carrière en solo, tandis que Michael, aidée de la parolière historique du groupe Bettie Thatcher, travaille sur le projet Scheherazade, comédie musicale  inspirée des contes des Milles Et Une Nuits qu'il a en tête depuis la sortie du désormais incontournable Scheherazade And Other Stories en 1975. Lors d'auditions, il découvre Stephanie Adlington, jeune chanteuse américaine, qui l'enchante. L'idée lui vient de faire renaître Renaissance après avoir écouté sa version de Northern Lights, seul titre de leur carrière classé dans les charts (1978). Après Jane Ralf et Annie Haslam, Stephanie Adlington devient ainsi la troisième voix de Renaissance, celle que l'on surnommera "the other woman". Coécrit avec Betty, ce nouvel album n'a strictement rien à voir avec le passé glorieux du groupe. A l'exception du titre final Somewhere West Of Here aux consonances progressives, le reste du disque se veut avant tout pop, avec quelques légères incursions jazzy et folk. Michael est clair, il veut décrocher un hit, que ce soit avec le cover de Northern Lights ou le single potentiel Don't Talk. Mais il n'en sera rien. Seul membre historique, il a fait appel à des musiciens de session dont le batteur Dave Bowle, ancien de Whitesnake et de Midnight Flyer avec Maggie Bell au chant. Plutôt réussi, Love Lies, Love Dies est un ancien titre prévu à l'origine pour le Renaissance du début des années 80 et qui figure aussi étrangement sur l'album Blessing In Disguise (1994) d'Annie Haslam (ou, plus exactement, Annie Haslam's Renaissance), tout comme le court May You Be Blessed enregistré alors sous le titre You. Une suite sera donnée à The Other Woman deux ans plus tard, cette fois-ci sous le nom de Michael Dunford's Renaissance. Mais il s'agit-là d'une autre histoire...

Musiciens

Stephanie Adlington : chant

Michael Dunford : guitare acoustique

Stuart Bradbury : guitares

Rory Wilson : guitares électriques

Andy Spillar : claviers

Phil Mulford : basse

Dave Dowle : batterie

Titres

01. Deja Vu 

02. Love Lies, Love Dies 

03. Don't Talk 

04. Other Woman 

05. Lock In On Love

06. Northern Lights

07. So Blasé

08. Quicksilver 

09. May You Be Blessed 

10. Somewhere West Of Here

Murray Hockridge & Dave Kilminster - Closer To Earth (2013)

Murray Hockridge & Dave Kilminster - Closer To Earth (2013)

Pourquoi écouter ce disque ?

Ces deux-là se connaissent depuis des années. Ils se respectent, s'admirent et souhaitaient depuis longtemps collaborer ensemble. Closer To Earth est le résultat de cette complicité. Dave Kilminster, guitariste émérite, a travaillé avec les plus grands artistes de la planète prog : Roger Waters, Keith Emerson, Steven Wilson, John Wetton, mais aussi Heather Findlay et Anne-Marie Helder. Il a sorti sous son nom deux albums solos particulièrement intéressants : Scarlet (2007) et And The Truth Will Set You Free (2014). Moins connu, Murray Hockridge s'est surtout fait remarquer par sa participation à The Voice UK en 2012. S'il n'a pas remporté le concours, sa voix exceptionnelle de trois octaves a su séduire le public, notamment avec sa version de You Give Me Something de James Morrison. Il est encore question de reprises ici. Murray et Dave ont sélectionné onze chansons, la plupart des classiques, qu'ils se sont amusés à revisiter en acoustique. S'ils se lâchent sur le Brown Eyed Girl de Van Morrison, le Father Figure de George Michael ou le I'm Not In Love de 10cc, ils réalisent un sans-faute émotionnel pour le Losing My Religion de REM, l'Hallelujah de Leonard Cohen, le Time After Time de Cyndi Lauper et le Wish You Were Here de Pink Floyd, clin d'œil amical à Roger. Elton John et son Rocket Man, Radiohead avec le sublime Street Spirit, Steeley Dan (Any Major Dude Will Tell You) ainsi que Hall & Oates à travers leur Sara Smile sont les autres curiosités, toutes sympathiques, de ce disque, idéal en période estivale. 

Musiciens

Murray Hockridge : chant, guitare, percussions

Dave Kilminster : guitare, chant

Titres

01. Losing My Religion

02. Rocket Man 

03. Father Figure 

04. I’m Not In Love 

05. Street Spirit 

06. Brown Eyed Girl 

07. Any Major Dude Will Tell You

08. Hallelujah

09. Sara Smile 

10. Time After Time

11. Wish You Were Here

Kari Rueslåtten - Collection (2014)

Kari Rueslåtten - Collection (2014)

Pourquoi écouter ce disque ?

Kari Rueslåtten ne cesse de nous émerveiller avec sa dream pop éthérée teintée de folk nordique depuis son départ de The 3rd and the Mortal. L'année 2014 est non seulement marquée par son retour en solo avec l'album Time To Tell après neuf ans de silence, mais aussi par une tournée commune avec Liv Kristine (ex-Theatre of Tragedy, ex-Leaves' Eyes) et Anneke van Giersbergen (ex-The Gathering) sous le nom de The Sirens, ainsi que par cette compilation. Collection réunit dix titres extraits de ses cinq albums solos, soit deux morceaux par disque. Équilibre parfait pour cette excellente introduction à un univers musical singulier à la fois mélancolique et souriant. Kari, c'est d'abord une voix émotionnellement forte, caressante et sans artifices. Beth Gibbons de Portishead est le premier nom venant à l'esprit si on devait faire une comparaison. Si Hør Min Sang et Spindelsinn du premier album du même nom (1997) sont interprétés en norvégien, Kari préférera par la suite l'anglais afin d'élargir son assise internationale. Elle qui, à ses débuts, a inspiré toute une génération, de The Gathering à Nightwish, a toujours veillé à produire une musique de qualité albums après albums. My Lover (Mesmerized, 1998), Fishing (Other People's Stories, 2005) ou encore Wintersong (Time To Tell) sont tout simplement sublimes. Tuomas Holopainen qui a reconnu que sans elle, il n'y aurait jamais eu de Nightwish, fait une courte apparition au piano sur l'enivrant Why So Lonely, titre revisité qui se trouve à l'origine sur le tout premier album de The 3rd and the Mortal, Tears Laid In Earth, sorti en 1994, soit vingt ans plus tôt. Et comme la chanteuse aime combler ses fans, elle a ajouté à la fin du disque, deux chansons captées live lors de la tourne promotionnelle de Time To Tell. Là aussi, émotion garantie. 

Titres

01. Other People’s Stories

02. Why So Lonely

03. Wintersong 

04. Hør Min Sang

05. Spindelsinn

06.Make Me A Stone

07. River

08. Exile

09. Fishing

10. My Lover

11. Trollferd (live)

12. Nordnatt (live) 

Louisa John-Krol - Torlan (2017)

Louisa John-Krol - Torlan (2017)

Pourquoi écouter ce disque ?

Après neuf longues années de silence discographique, Louisa John-Krol revient en 2017 avec non pas une, mais deux nouveautés. Torlan est celle dont nous parlerons aujourd'hui. En fait, ce disque dont le titre en gallois peut se traduire par "la rive du fleuve" est une nouveauté sans en être une. Il s'agit plutôt d'une compilation de chansons ayant pour même thématique l'eau et ses mystères. Elles sont extraites des albums Argo (1996), Alexandria (2000), Ariel (2001), Alabaster (2003), Apple Pentacle (2005) et Ghost Fish (2005), ce dernier étant un projet parallèle en collaboration avec les membres de Daemonia Nymphe. Les mondes aquatiques et les créatures qu'ils renferment sont une source d'inspiration inépuisable pour notre conteuse australienne qui avait sorti en 2005 I Hear The Water Dreaming avec l'artiste italien Oöphoi. Argonautes, nymphes, sirènes, fontaines magiques, îles fantastiques, chutes d'eau féeriques ou villes englouties surgissent à l'improviste de ce déluge poétique. Chacune de ces pérégrinations irréelles est entrecoupée par un intermède aquatique reproduisant le son d'une rivière qui coule, le bruit d'animaux marins, le flot des vagues, une cascade, ou bien la pluie. Une nouvelle fois, Louisa nous entraîne loin vers un ailleurs fantastique, idéal pour se détendre et tout oublier l'espace d'un instant.

Titres

01. Birrarung

02. Stone Lake

03. Jharna

04. Beads Of Rain

05. Tishtar

06. The Windrow

07. Swan Of Afon

08. Fountainsong

09. Fale

10. Tangaroa

11. Segara

12. Alexandria

13. Lamia

14. Argo

15. Mayim

16. Waterwood

17. Dhuundhuu

18. Nobelius’ Garden

19. Onada

20. The Fountains Of Alderbee

21. Olatu

22. River Knowing

23. Kelde

24. House Of Legend

25. Mar

26. The Seagiant

27. Ariel

28. Birrarung – Reprise

The Watersons - Frost And Fire: A Calendar Of Ritual And Magical Songs (1965)

The Watersons - Frost And Fire:
A Calendar Of Ritual And Magical Songs (1965)

Pourquoi écouter ce disque ?

Fondé au début des années 60 par Norma, Mike, Lal (Elaine) et leur cousin John Harrison, The Watersons ont construit un univers musical complètement différent de ce que proposait la jeune génération de l'époque. Leur truc à eux c'était d’interpréter d'anciennes chansons oubliées, sans accompagnement musical. Avec leur premier album Frost And Fire sorti en 1965, ils vont jusqu'à concevoir un concept puisque celui-ci est conçu comme un almanach suivant le cycle des saisons, chacune des chansons illustrant une période de l'année. Leurs voix mêlées, parfois en solo, célèbrent ainsi les coutumes ancestrales anglaises liées aux rites païens, magiques et hiératiques. La qualité d'interprétation est telle que le Melody Maker avait nommé ce disque "album de l'année", récompense très rare pour un premier album. Aussi surprenant que cela puisse paraître, plus de cinquante ans après, Frost And Fire n'a rien perdu de sa vitalité. Album fondamental, il a inspiré toute une série d'artistes. Sandy Denny a inclus Seven Virgins à son répertoire dès 1966, Traffic a ouvertement puisé dans le John Barleycorn exécuté ici pour son propre John Barleycorn Must Die (1970), Steeleye Span a repris le dernier titre Wassail Song sur son troisième album  Ten Man Mop Or Mr Reservoir Butler Rides Again (1971), et sans Frost And Fire, il est fort probable que l'Almanach (1976) de Malicorne n'aurait jamais vu le jour. 

Musiciens

Mike Waterson : chant

Norma Waterson : chant

Lal Waterson : chant

John Harrison : chant

Bill Leader : batterie

Titres

01. Here We Come A-Wassailing

02. The Derby Ram

03. Jolly Old Hawk

04. Pace-Egging Song

05. Seven Virgins (The Leaves of Life)

06. The Holly Bears A Berry

07. Hal-An-Tow

08. Earsdon Sword Dance Song

09. John Barleycorn

10. Harvest Song: We Gets Up In The Morn

11. Souling Song

12. Christmas Is Now Drawing Near At Hand

13. Herod & The Cock

14. Wassail Song

Marianne Faithfull - Blazing Away (1990)

Marianne Faithfull - Blazing Away (1990)

Pourquoi écouter ce disque ?

Marianne Faithfull, une voix immédiatement reconnaissable qui résume à elle seule toutes les brisures d'une vie tourmentée. Enfin libérée de ses démons et apaisée en cette fin des années 80, l'artiste se pose à New-York où elle donne deux concerts à la cathédrale Sainte-Anne de Brooklyn les 25 et 26 novembre 1989. Dans ce lieu solennel, elle revisite son répertoire en interprétant non pas de simples chansons, mais des moments de vie. En ouverture, elle livre une version féerique dans la langue de Molière des Prisons Du Roy d'Edith Piaf. Âgée maintenant d'une quarantaine d'année, elle aborde avec toute la sérénité nécessaire son premier single As Tears Go By coécrit par Mike Jagger et Keith Richards en 1964. Ses nouvelles versions du Working Class Hero de Lennon, du très intime Sister Morphine ou encore de Broken English prennent en intensité et profondeur. Enfin débarrassée de tout sentiment de culpabilité, elle se lâche sur le puissant Guilt et donne un nouveau souffle au controversé Why'd Ya Do It? doté de paroles très crues. Le traditionnel She Moved Through The Fair qu'elle chante depuis ses seize ans fait écho à ses années de jeunesse, lorsqu'elle se demandait ce qu'elle allait faire de sa vie, alors que Ballad Of Lucy Jordan est dédié aux femmes ayant abandonné leurs rêves. Les sept musiciens autour d'elle ont un profil plutôt hétéroclite. Le guitariste Barry Reynolds lui est fidèle depuis les années 70, Fernando Saunders à la basse a longtemps joué avec Lou Reed, Marc Ribot avec Tom Waits et Elvis Costello, Dougie Bowne (batterie) avec John Cale puis Iggy Pop, Garth Hudson était membre de The Band, tandis que Lewis Soloff s'est distingué dans le jazz et Dr John combine avec la même aisance pop, jazz, blues, funk et rock. Cette combinaison gagnante a donné lieu à un des meilleurs albums live du siècle dernier. Indispensable.

Musiciens

Marianne Faithfull : chant

Barry Reynolds : guitares, chant

Marc Ribot : guitares

Marc Rebennack (Dr. John) : piano, guitare

Fernando Saunders : basse, chant

Dougie Bowne : batterie

Garth Hudson : accordéon, claviers

Lew Soloff : trompette, bugle

Blazing Away (piste 11 enregistrée en studio)

Marianne Faithfull : chant

Barry Reynolds : guitares

Gib Wharton : pedal steel guitar

Kevin Savangar : claviers

Fernando Saunders : basse, guitare, chant

Charlie Drayton : batterie

Don Alias : percussions

Titres

01. Les Prisons Du Roy

02. Strange Weather

03. Guilt

04. Working Class Hero

05. Sister Morphine

06. As Tears Go By

07. Why'd Ya Do It?

08. When I Find My Life

09. Ballad of Lucy Jordan

10. Times Square

11. Blazing Away

12. She Moved Through The Fair

13. Broken English

Myrkur - Folkesange (2020)

Myrkur - Folkesange (2020)

Pourquoi écouter ce disque ?

Depuis 2014, la chanteuse et actrice danoise Amalie Brunn se fait appeler Myrkur. Sous ce nom, elle a sorti deux albums de black metal, M en 2015, suivi de Mareidt deux ans plus tard. Changement complet de direction musicale en 2020 avec Folkesange qui, comme son nom l'indique, est entièrement consacré au folk nordique. Cette petite merveille est composée pour moitié de chants traditionnels, et, pour l'autre, de chansons originales. Tous les instruments joués sont acoustiques, d'où cette agréable sensation d'authenticité. La jeune chanteuse à la voix claire et envoûtante excelle aussi bien au piano, qu'au nyckelharpa, sorte de vielle à roue d'origine suédoise, à la lyre, à la guitare, au violon ou aux percussions. Christopher Juul, également producteur, la seconde aux percussions et à la mandole. Son nom est familier aux amateurs de néofolk. Ancien de Valravn, il s'illustre actuellement au sein d'Heilung, trio réunissant des musiciens danois, norvégien et allemand. Impossible de ne pas relier à l'aide du Bifröst cette invitation au voyage avec les premiers albums de la fée des Féroé, Eivør, la chanteuse gotlandaise Karin Höghielm, voire même Loreena McKennitt pour la pureté des émotions.   

Musiciens

Myrkur : chant, piano, nyckelharpa, guitare, violon, percussions

Christopher Juul : mandole, percussions

Stefan Brisland-Ferner : alto, stråkharpa

Joanna Quail : violoncelle

Kristian Uhre : percussions

Maria Franz : chant

Veslemøy Aalde Heyerdahl : chant

Ida Sandberg Motzfeldt : chant

Titres

01. Ella

02. Fager Som En Ros

03. Leaves Of Yggdrasil

04. Ramund

05. Tor I Helheim

06. Svea

07. Harpens Kraft

08. Gammelkäring

09. House Carpenter

10. Reiar

11. Gudernes Vilje

12. Vinter