Edenya - Silence (2020)

Edenya - Silence (2020)

Pourquoi écouter ce disque ?

Ils s'appelaient Lola, Sven, Salah, Elodie, Stéphane, Nick ou encore Jean-Jacques. Ils étaient jeunes, d'autres moins. Célibataires, en couple ou parents. Ils sont tombés sous les balles en cette nuit d'horreur du 13 novembre 2015 au Bataclan. Will The Demon Win?, chanson centrale du premier album d'Edenya rend un vibrant hommage à ces 130 victimes pour qu'elles ne soient jamais oubliées. Curieuse introduction pour présenter cette formation francilienne, mais autant le dire de suite, Edenya, c'est de l'émotion à l'état pur. On ne sort pas indemne de l'écoute de leur Silence. Fondé en 2010 par Marco, à la fois multi-instrumentiste, auteur et compositeur, Edenya a édité un premier EP en 2013 avec la chanteuse camerounaise Ida Rose. Quand celle-ci s'en est allée, deux nouvelles voix ont été recrutées, Elena et Rémi. Devenue trio, la formation, guidée par cette recherche des sensations, s'est constituée un solide répertoire aux multiples influences revendiquées, du rock au folk, de l'ambient au prog, en passant par le metal. Inclassables, ils font partie de cette catégorie d'artistes qui, au sommet de leur art, ont le don de s'adresser directement à l'âme, transperçant d'un seul coup toute résistance : Anathema, Fish, Loreena McKennitt ou encore Anneke van Giersbergen. D'ailleurs, cette dernière vient à l'esprit à l'écoute du premier titre, le sublime The Promise porté par Elena. La première fois que je l'ai entendu, j'en ai pleuré. C'est le genre de chanson mélancolique qui vous embarque, sans prévenir. Fermez les yeux, imaginez-vous la reprendre en chœur avec des milliers d'autres fidèles dans un immense stade, telle une communion. Effet garanti. C'est à nouveau Elena qui prête sa voix à la mystérieuse Sabrina, la deuxième piste. Là aussi, impossible de demeurer insensible face au désespoir de cet être tourmenté. Rémi interprète seul deux titres, Will The Demon Win? ainsi que le morceau final Still Alive, tous deux d'une grande dignité et sobriété. Ensemble, ils se donnent la réplique sur un All They Want éblouissant, aux couleurs pastorales. Elena est à nouveau seule pour la chanson-titre, l'épique Silence, sombre et orageux. Broken Love et Chaos sont deux instrumentaux. Tous deux pourraient très bien servir de bande-son à un film, même si j'ai ma préférence pour Broken Love, aux effluves "tiersen" avec son piano entêtant et son violon fou. Magnifique découverte, je souhaite à Edenya de rencontrer tout le succès qu'il mérite. Un dernier mot, Marco, Elena et Rémi, malgré ces temps difficiles, les démons de gagneront pas.. Jamais. Je vous en fais la promesse.

Musiciens

Elena : chant

Rémi : chant

Marco : guitares, claviers, piano, programmation

Julien Perdereau : batterie, basse

Adrien France : violon

Sophie Clavier : chœurs

Titres

01. The Promise

02. Sabrina

03. Broken Love

04. All They Want

05. Will The Demon Win?

06. Chaos

07. Silence

08. Still Alive

Vidéos

The Promise : lien vidéo ici

Sabrina : lien vidéo ici

Will The Demon Win? : lien vidéo ici

Credo - Rhetoric (2005)

Credo - Rhetoric (2005)

Pourquoi écouter ce disque ?

Grande Guerre et rock. Cette plaie saignante dans l'histoire du XXe siècle a été malgré elle une source d'inspiration pour nombre de musiciens. Certains lui ont consacrée des albums entiers à l'instar de Motörhead et son 1916, Collection D'Arnell-Andréa avec Villers-aux-Vents (Février 1916), ou encore This Famous Unknown d'Hydra sorti chez Musea en 2005. D'autres l'ont évoquée dans des chansons, souvent sublimes, que ce soit Radiohead (Harry Patch (In Memory Of)), Magenta (The Ballad Of Samuel Layne) ainsi que Fish (la suite High Wood sur A Feast Of Consequences), et Credo dans son deuxième album Rhetoric. Son ombre plane sur ce disque, lui donnant une dimension tragique. Et quand on sait qu'il n'a jamais failli voir le jour après que son chanteur Mark Colton ait frôlé la mort lors des séances d'enregistrement, on ne peut que y prêter une oreille encore plus attentive. Onze années ont été nécessaire pour élaborer cet album que plus personne n'attendait, faisant suite à l'honorable Field Of Vision. Entre-temps, batteur et claviériste sont partis, cédant leur place respectivement à Martin Meads et Mike Varty de Janison Edge qui a emmené avec lui sa compagne, la chanteuse Sam Collins, afin de réaliser les chœurs. Mike est un magicien des claviers, repéré par Clive Nolan qui l'a intégré à Shadowland, il le démontrera pleinement avec Landmarq. A leurs côtés, se tiennent les membres fondateurs du groupe : Mark Colton, le bassiste Jim Murdoch et son pote Tim Birrell, guitariste émérite s'inscrivant dans le sillon des David Gilmour, Andy Latimer et Steve Rothery. La rumeur raconte d'ailleurs que Fish aurait tenté de le débaucher à une époque. De Marillion et de Fish il en est encore question dans la musique de Credo, que ce soit dans leur style musical néo-progressif, les émotions et l'intensité qui s'en dégagent ou bien la profondeur du chant de Mark qui n'est pas sans évoquer celle du Poisson. Si vous aimez le Marillion des 80's, Pendragon, Arena, IQ mais aussi leurs ainés Pink Floyd et Camel, Credo et leur Rethoric ne devraient pas vous laisser insensible. Et si, comme je le pense, ce disque vous plaît, diriger vous vers leur troisième opus Against Reason qui lui, date de 2011. 

Musiciens

Mark Colton : chant

Tim Birrell : guitares

Mike Varty : claviers, violon, chœurs

Jim Murdoch : basse, chœurs

Martin Meads : batterie

Sam Collins : chœurs

Titres

01. Skintrade 

02. Turn The Gun

03. From The Cradle… 

04. …To The Grave

05. The Letter 

06. The Game

07. Too Late…

08. …To Say Goodbye 

09. Seems Like Yesterday 

Vidéos

Too Late…To Say Goodbye : lien video ici

From The Cradle…To The Grave: lien vidéo ici

Skintrade : lien vidéo ici

Sara Vidal - Matriz (2020)

Sara Vidal - Matriz (2020)

Pourquoi écouter ce disque ?

L'âme musicale portugaise ne se limite pas au seul fado. Ce petit pays situé à l'extrémité de l'Europe, à la fois si proche et si lointain, recèle une impressionnante richesse musicale traditionnelle. Chanteuse de Luar Na Lubre de 2005 à 2011 puis de différentes formations d'inspirations celtiques, prog-folk ou simplement folkloriques, Sara Vidal en présente les multiples facettes avec ce premier album paru sous son seul nom célébrant ses quinze ans de carrière, Matriz. Le titre fait référence aux racines séculaires de l'identité portugaise ancrée dans cette terre aux paysages contrastés. Sara a puisé dans les différentes régions de son pays pour en extraire d'anciennes chansons locales, y compris de l'île de Madère. Ce travail soigné m'évoque celui de la chanteuse serbe Bilja Krstić pour son album Svod en 2017. Comme elle, telles des passeuses, elles ont modernisé ces airs anciens afin de les transmettre aux générations futures. Sara Vidal est allée encore plus loin en ne retenant que des chansons dressant le portrait de femmes et évoquant la condition féminine. De la province la plus septentrionale (Minho) à la plus méridionale (Algarve), cette chanteuse à la voix chaleureuse, généreuse et expressive nous invite à la découverte de son pays qu'elle aime tant, dans toute sa diversité. Un régal entre tradition et modernité. 

Musiciens

Sara Vidal : chant, harpe celtique

Manuel Maio : violon, mandoline, chant

Ricardo Coelho : percussions

Rui Ferreira : fretless bass, guitare, cavaquinho, percussions, piano, accordéon, chant

André Cardoso : guitare

José Fidalgo : contrebasse

Sofia Portugal : chant, percussions

Rogério Cardoso Pires : guitare

Angela Oliveira : chant

Joana Castro : chant

Teresa Campos : chant

Jão Patras : cornemuse

Tânia Cardoso : chant

Jão Afonso : chant

Titres

01. Baile Da Meia Volta

02. Descante Aso Noivos

03. Agora Vou Me Deitar

04. Já Os Galos Cantam

05. Fiando O Linho

06. Romance Da Claralinda

07. Idalina

08. Adelaidinha

09. Arvoredo

10. Baile Do Ladrão

11. Verde Gaio / Lengalenga

12. Faça Ai Ai

Vidéos

Baila Da Meia Volta : lien vidéo ici

Teaser : lien vidéo ici

 Já Os Galos Cantam : lien vidéo ici

Shelleyan Orphan - Humroot (1992)

Shelleyan Orphan - Humroot (1992)

Pourquoi écouter ce disque ?

Ne cherchez pas, Humroot ne désigne pas ce succulent fruit ornant la pochette du troisième album de Shelleyan Orphan. Il s'agit en fait du nom du chien de Jemaur Tayle quand il était enfant. Avec Caroline Crawley, sa moitié au sein du duo, ils ont su créer un univers élégant complètement à part dans le paysage musical de l'époque. 1989 a été une date charnière dans leur carrière. Après la sortie de Century Flower, les Cure de Robert Smith les ont pris sous leur aile, les emmenant avec eux à travers l'Europe et aux États-Unis, dans la gigantesque tournée du Disintegration Tour. Eux qui jouaient jusqu'alors devant quelques centaines de personnes, se sont retrouvés dans des salles immenses, face à plusieurs dizaines de milliers de spectateurs. Mais il en aurait fallu bien plus encore pour leur faire perdre la tête. Pour Humrot, Shelleyan Orphan explore toujours davantage cette pop baroque d'essence acoustique si singulière, où, changement, en plus des cordes et des instruments à vent, se sont glissés quelques discrets cuivres (trompette, saxophone). Mais la principale nouveauté provient de la présence de deux membres de Cure, Boris Thompson à la batterie, compagnon de Caroline depuis cette fameuse tournée, et Porl Thompson au dulcimer. A ces Cure à part entière, s'ajoute un demi-Cure en la personne du bassiste Roberto Soave, membre de Presence, formation de l'ex-claviériste de Cure Lol Tolhurst, et éphémère remplaçant de Simon Gallup lors du Wish Tour. Tel un songe d'une nuit d'été, cet album, ou plutôt cette caresse, apaisera l'espace d'un instant votre âme en quête de quiétude.

Musiciens

Caroline Crawley : chant, guitare

Jemaur Tayle : chant, guitare

Martin Evans : claviers

Porl Thompson : dulcimer

Roberto Soave : basse

Brian Shiels : contrebasse

Boris Williams : batterie

Jules Singleton : violon

John Martin : violon

Keith Wallace : flûte

Marc Spencer-Bowles : flûte

David Evans : hautbois

Colin Steele : trompette

Gregor Clark : trompette

Andy Brodie : saxophone

Nigel Eaton : vielle à roue

Brindisi Quartet : cordes

Titres

01. Muddied Up

02. Dead Cat

03. Fishes

04. Burst

05. Sick

06. Little Death

07. Big Sun

08. Dolphins

09. Mull

10. Long Dead Flowers

11. Swallow

12. Supernature On A Superhighway

Vidéos

Burst : lien vidéo ici

Fishes : lien vidéo ici

The Bunch - Rock On (1972)

The Bunch - Rock On (1972)

Pourquoi écouter ce disque ?

Il était une fois une bande de potes… Ils s'appelaient Sandy Denny, Richard Thompson, Ashley 'Tyger' Hutchings, Pat Donaldson, Dave Mattacks, Gerry Conway, Trevor Lucas, Linda Peters, Tony Cox, Ian Whiteman, Roger Bell, Mollie et Mike Rosen. Fairport Convention, Fotheringay, Dundee Horns, Steeleye Span ou encore Mighty Baby étaient les groupes dans lesquels ils brillaient ou avaient brillé. Pas encore connue en dehors de leur milieu, Linda Peters deviendra Linda Thompson après avoir épousé Richard, tandis que Tony Cox se fera davantage remarqué comme producteur et/ou arrangeur de Caravan, Trees, Renaissance ou Yes que comme pianiste. Fin 1971, tous se sont réunis en supergroupe et ont pris le nom de The Bunch pour un album complètement déjanté, Rock On, leur seul essai. Ils se sont amusés à reprendre des standards du rock'n roll américain avec lesquels ils avaient grandi. Elvis Presley, Buddy Holly, The Everly Brothers, Ritchie Valens sont de ceux-là. Pourquoi un tel projet ? La légende raconte que c'est Trevor Lucas, le mari de Sandy Denny, qui a eu l'idée. Il est d'ailleurs le producteur du disque. L'objectif était de tester The Manor Studio, studio d'enregistrement situé dans l'Oxforshire, tout récemment ouvert. Cet ancien manoir du XVe siècle fut racheté par Richard Branson en 1971 qui le transforma en studio, faisant de ce lieu l'embryon de la future maison de disque Virgin fondée l'année suivante. Il deviendra célèbre après que Mike Oldfield y ait enregistré ses fameuses Tubular Bells, avant de fermer définitivement ses portes en 1995. Pour l'heure, Rock On n'est pas un chef d'œuvre intemporel, c'est juste une sympathique curiosité marquant les retrouvailles de musiciens qui ont marqué toute une génération, et bien au-delà. 

Musiciens

Sandy Denny : chant

Linda Peters : chant

Ashley Hutchings : chant

Richard Thompson : chant, guitare

Trevor Lucas : chant, guitare

Tony Cox : piano

Ian Whiteman : piano

Pat Donaldson : basse, chant

Gerry Conway : batterie, percussions

Dave Mattacks : batterie, percussions

Roger Bell : saxophone

Mollie : saxophone

Mike Rosen : trompette

Titres

01. Crazy Arms

02. That'll Be The Day

03. Don't Be Cruel

04. The Loco-Motion

05. My Girl In The Month Of May

06. Love's Made A Fool Of You

07. Willie & The Hand Jive

08. Jambalaya (On The Bayou)

09. When Will I Be Loved

10. Nadine

11. Sweet Little Rock'n'Roller

12. Learning The Game

Bonus :

13. Let There Be Drums

14. Twenty Flight Rock

15. High School Confidential

16. La Bamba

Vidéos

When Will I Be Loved : lien vidéo ici

My Girl In The Month Of May : lien vidéo ici

That'll Be The Day : lien vidéo ici

Anneke van Giersbergen - The Darkest Skies Are The Brightest (2021)

Anneke van Giersbergen - The Darkest Skies Are The Brightest
(2021)

Pourquoi écouter ce disque ?

De l'obscurité jaillit la lumière. Disons-le de suite, le nouvel album d'Anneke van Giersbergen (ex-The Gathering) The Darkest Skies Are The Brightest est le meilleur paru sous son seul nom. Il vient confirmer la légende selon laquelle le meilleur sort d'un artiste torturé. Pour autant, en conquérante, Anneke ne s'est jamais effondrée face aux épreuves de la vie qu'elle a dû affronter ces dernières années, tant sur le plan personnel que professionnel. A l'origine, son agenda prévoyait qu'elle se consacre au deuxième album de VUUR, sa formation métallique. Le destin en a décidé autrement. Incapable d'écrire autre chose que des chansons mélancoliques, elle s'est faite une raison. Elle est partie seule s'isoler en pleine nature, avec sa guitare, mettant en musique tout ce qu'elle avait sur le cœur. The Darkest Skies Are The Brightest a ainsi commencé à voir le jour. D'essence acoustique, de subtils arrangements ont été ajoutés avec soin à chacune des onze chansons : des cordes, des percussions et aussi une trompette sur Hurricane. Mais ce qui prime avant tout, c'est la voix majestueuse d'Anneke, mise en valeur comme jamais. Dès le premier titre Agape, elle nous capte, nous envoute pour mieux nous entrainer avec elle dans son univers le plus intime, où les nuages sombres finissent toujours par se dissiper, laissant la place à une lumière salvatrice. Anneke est aujourd'hui La Voix. Hormis Loreena McKennitt ou Lisa Gerrard, peu de chanteuses peuvent rivaliser avec elle actuellement. Vous en doutez ? Alors écoutez ce disque sublime, tout en délicatesse. Il vous fera changer d'avis.

Musiciens

Anneke van Giersbergen : chant, percussions

Gijs Coolen : guitares, basse, percussions, violoncelle, chœurs

Joost van Haaren : basse

Nicky Hustinx : batterie

Martijn Bosman : batterie

Joanna Czaj : violon

Ewelina Peeters : violon

Paloma Ortas : alto

Judith Groen : violoncelle

Coos Zwagerman : trompette

Marielle Woltring : chœurs

Titres

01. Agape

02. Hurricane

03. My Promise

04. I Saw A Car

05. The Soul Knows

06. The End

07. Keep It Simple

08. Lo And Behold

09. Losing You

10. Survive

11. Love You Like I Love You

Vidéos

My Promise : lien vidéo ici

Hurricane : lien vidéo ici

I Saw A Car : lien vidéo ici

Kate Bush - Never For Ever (1980)

Kate Bush - Never For Ever (1980)

Pourquoi écouter ce disque ?

A sa sortie, en 1980, Never For Ever s'est directement classé à la première place des charts britanniques. Du jamais vu pour une chanteuse anglaise. Refusant de se reposer sur ses lauriers et en perpétuelle quête de sons inédits, Kate Bush a imaginé chacune des chansons de ce troisième album comme de véritables scénettes musicales. Toutes sont reliées les unes aux autres par ce vif désir d'explorer les émotions humaines, semblables à ce tourbillon informe si bien illustré par la pochette du disque signée Nick Price. Inspirée du folklore slave, Babooshka raconte l'histoire d'une femme qui désire tester la fidélité de son mari, conduisant son couple à sa perte. Chansons du souvenir, Delius célèbre le compositeur anglais Frederick Delius, tandis que Blow Away rend hommage à son technicien Bill Duffield mort tragiquement, et, à travers lui, aux musiciens trop tôt emportés : Minnie Riperton, Keith Moon, Sid Vicious, Buddy Holy, Sandy Denny et Marc Bolan. All We Ever Look For s'intéresse aux relations familiales. Egypt oscille entre une vision romantique et la réalité moins reluisante d'un pays. Fascinée par le film de Truffaut, La mariée était en noir, Kate a imaginé cette sordide histoire d'une femme désespérée vengeant froidement l'assassinat de son mari en éliminant un à un tous les responsables dans The Wedding List. Le déjanté Violin à caractère autobiographique exprime toute la haine qu'elle a éprouvé envers le violon de son enfance. Retour au fantastique avec The Infant Kiss, troublant récit mêlant fantômes et possession, inspiré du cinéma d'horreur gothique. Le poignant Army Dreamers laisse entendre le désespoir d'une mère ayant perdu son fils mort à la guerre. Influencé par la dernière partie du monumental The Wall de Pink Floyd, elle s'inquiète des méfaits du nucléaire avec un Breathing beau à en pleurer. Devenue coproductrice, Kate a choisi seule pour la première fois tous les musiciens. Au sein de l'équipe de fidèles réunissant Paddy Bush, Del Palmer et Stuart Elliott, se sont joints de nouvelles figures telles que John Giblin (Brand X, futur Simple Minds) à la basse ou le claviériste Max Middleton du Jeff Beck Group. Véritable coup de maître, Never For Ever se veut aussi bien avant-gardiste, notamment par le chant atypique de Kate et l'utilisation du Fairlight, premier échantillonneur de sons, que classique en employant toute une série d'instruments anciens ou folkloriques tels que le bouzouki, la balalaika ou le psaltérion. Kate, on t'aime à jamais pour toujours. 

Musiciens

Kate Bush : chant, piano, claviers

Brian Bath : guitares, chant

Alan Murphy : guitares, basse, chant

Larry Fast : claviers

Max Middleton : claviers

Mike Moran : claviers

Duncan Mackay : claviers

Del Palmer : basse

John Giblin : basse

Stuart Elliot : batterie, percussions

Morris Pert : percussions

Preston Heyman : percussions

Roland : percussions

Paddy Bush balalaika, sitar, koto, psaltérion, harmonica, scie Musicale, mandoline, chant

Kevin Burke : violon

Adam Sceaping : viole de gambe

Joseph Sceaping : lyre

Ian Bairnson : chant

Andrew Bryant : chant

Gary Hurst : chant

Roy Harper : chant

The Martin Ford Orchestra

Titres

01. Babooshka

02. Delius (Song Of Summer) 

03. Blow Away (For Bill)

04. All We Ever Look For

05. Egypt 

06. The Wedding List

07. Violin 

08. Infant Kiss 

09. Night Scented Stock 

10. Army Dreamers

11. Breathing 

Vidéos

Babooshka : lien vidéo ici

Breathing : lien vidéo ici

Army Dreamers : lien vidéo ici

Berceuses Celtiques : À La Rencontre Des Fées - Old Celtic & Nordic Lullabies (2015)

Berceuses Celtiques : À La Rencontre Des Fées -
Old Celtic & Nordic Lullabies (2015)

Pourquoi écouter ce disque ?

Sorti dans la collection "Berceuses" du label nantais Prikosnovénie, le livret Berceuses celtiques comporte, d'une part, treize contes de Régis Aubert superbement illustrés par Sabine Adélaïde, et d'autre part, un CD intitulé Old Celtic & Nordic Lullabies. Si, au fil des histoires, nous faisons la connaissance des porteurs de mondes, des Panthères-de-mer, celles-là même qui fabriquent les vagues, de la fée Natuléa ainsi que d'une semeuse bienveillante appelée la Diarde, c'est davantage le disque qui a attiré notre attention. Dans la lignée du magnifique Old Celtic & Nordic Ballads coordonné par Jean-Luc Lenoir, Old Celtic & Nordic Lullabies propose douze berceuses ancestrales du nord et de l'ouest de l'Europe, toutes aussi féeriques les unes que les autres. Originaires d'Irlande, des îles Hébrides, de Bretagne, de Norvège, du Pays de Galles, de Suède, d'Écosse, d'Islande et de l'île de Man, elles sont chacune interprétées dans leur langue d'origine par Joanne McIver ou Eirin Forsberg, déesses aux voix enchanteresses. Autour d'elles et de Jean-Luc Lenoir, on retrouve les mêmes passionnés de la galaxie Boann jouant des instruments traditionnels liés aux mondes celtiques et nordiques comme Céline Archambeau (harpe), Éléonore Billy (nyckelharpa) ou Mathilde Walpoel (harpe celtique). Ensemble de musiciens fascinés par les traditions celtiques et scandinaves, Boann s'est illustré par un premier album en 2008, Between Ire & Ice, ont suivi ensuite le déjà nommé Old Celtic & Nordic Ballads en 2012 et ce Old Celtic & Nordic Lullabies en 2015, puis, de nouveau sous le seul nom de Boann, The Twa Sisters: An Old Celtic & Nordic Tale en 2020, tous aussi sublimes les uns que les autres.  

Musiciens

Jean-Luc Lenoir : guitare, harpe, lyre, crwth, tympanon, kentele, dulcimer

Joanne McIver : chant, whistle, scottish smallpipes

Eirin  Forsberg : chant

Céline Archambeau : electro-harpe

Éléonore Billy : nyckelharpa

Arian Bodin : violon

Gaëdic Chambrier : guitare

Victor Lenoir : guitare

Marguerite Martin : violoncelle

Mathilde Walpoel : harpe celtique

Titres

01. Einini (Irlande)

02. A Soothing Croon From Eigg (îles Hébrides)

03. Toutouig (Bretagne)

04. Gjendines Bånlåt (Norvège)

05. Pais Dinogad (Pays de Galles)

06. Tulle Tulle Tova (Suède)

07. Dream Angus (Écosse)

08. Bíum, Bíum, Bambaló (Islande)

09. Uhag Veg Ruy (île de Man)

10. Tyndrum (Irlande)

11. Cadal Ciarach Mo Luran (Écosse)

12. Byssan Lull (Norvège)

Vidéos

A Soothing Croon From Eigg : lien vidéo ici

Uhag Veg Ruy : lien vidéo ici

The Creatures - Hái! (2003)

The Creatures - Hái! (2003)

Pourquoi écouter ce disque ?

Dernier voyage pour The Creatures. Après avoir exploré Hawaii (Feast, 1983) et l'Espagne (Boomerang, 1989), les voilà déposer leurs valises au Japon pour une ultime étape. Le duo a été fondé au début des années 80 par la chanteuse iconique Siouxsie Sioux et celui qui deviendra son mari, le batteur Budgie. A l'origine, ce projet était une échappatoire à la formation à succès Siouxsie & The Banshees, puis deviendra leur activité principale après l'éclatement de celle-ci en 1996. La fin du couple entraînera avec elle la fin du groupe en 2005. Hái! qui signifie "dites oui" en japonais, est né de l'enregistrement de sessions percussives à Tokyo en 2002, entre Budgie et Leonard Eto, joueur de taiko (gros tambour traditionnel japonais). D'origine américano-japonaise, Eto s'est fait connaître en tant que membre de l'ensemble rythmique Kodo. Fan de leur travail, Budgie a réalisé son rêve en jouant avec lui durant plus d'une heure de manière ininterrompue en studio. De retour dans sa demeure en France, il a découpé les enregistrements en neuf segments afin d'en faire des chansons sur lesquelles Siouxsie a imaginé les mélodies puis déposé sa voix. Quelques ajouts de percussions ont été nécessaires pour un résultat impressionnant, entre sons organiques, ethniques et fougueux. Libérés de toutes contraintes, sans l'appui d'une maison de disque ni d'aucun producteur, les deux artistes proposent une musique expérimentale dense, donnant cette étrange impression de continuité, comme un seul bloc. Que l'on aime ou pas, on ne peut pas leur reprocher ce choix atypique, bien loin des sentiers commerciaux. A classer à côté du tout aussi percutant Kala Rupa de Greg Ellis. 

Musiciens

Siouxsie Sioux : chant

Budgie : batterie, percussions, piano, yueh ch'in (luth chinois), marimba, synthétiseurs

Leonard Eto : taiki

Titres

01. Say Yes!

02. Around The World

03. Seven Tears

04. Godzilla!

05. Imagoro

06. Tourniquet

07. Further Nearer

08. City Island

09. Tantara!

Vidéos

Godzilla : lien vidéo ici

Say Yes! : lien vidéo ici

Further Nearer : lien vidéo ici

Shine Dión - Wyn (2002)

Shine Dión - Wyn (2002)

Pourquoi écouter ce disque ?

Si vous aimez Blackmore's Night, The Morrigan ou Loreena McKennitt, vous aimerez sûrement Shine Dión. Ce duo norvégien s'est formé en 1993, suite à la rencontre entre la chanteuse Janne Hansen et le mutli-instrumentiste Per Selör. A l'origine, ils avaient opté pour le nom de Rose Willow, puis lui ont préféré celui de Shine Dión qui peut se traduire par "lune brillante". Après un mini-album en 1994 intitulé Berkana, leur premier vrai album Killandra suit en 1998, et enfin, dernier opus, Wyn en 2002. Wyn étant le signe runique signifiant la joie. Sans surprise, la source première d'inspiration de nos deux troubadours des temps modernes se trouve être l'histoire ancienne, la mythologie, les contes de fées, mais aussi les fabuleux paysages norvégiens. Tout cela se retrouve dans leur musique mêlant airs folkloriques scandinaves et celtiques, avec une note de prog. Cette dernière est particulièrement sensible sur le dernier morceau The Valley's Song, évoluant tout en douceur dans les méandres d'une flûte "tullienne" croisant le fer avec une guitare "oldfieldienne".  A noter aussi la présence au violon de Trond Villa, ancien de la formation culte norvégienne Folque, aussi incisif que le Peter Knight de Steeleye Span. Mais l'atout majeur du disque demeure la voix merveilleuse de Janne Hansen, aussi pure et limpide que celle de Candice Night ou de la déjà citée Loreena McKennitt. D'ailleurs, le premier titre Flowering semble tout droit tiré de son répertoire. Une très belle découverte. 

Musiciens

Janne Hansen : chant

Per Selör : guitares, mandoline, basse, guimbarde

Trond Villa : violon

Helene Waage : violoncelle

Guttorm Guttormsen : flûte

Stian L. Kristoffersen : batterie, percussions

Jorun Bogeberg : basse

Steinar Krokmo : basse

Jorn Andersen : mellotron

Endre Christiansen : claviers

Glenn Henriksen : claviers

Kari Lønnestad : langeleik

Åse Vrålstad Aas : accordéon

Benedicte Bosrup : hautbois

Titres

01. Flowering

02. Mist-e-ry 

03. Moonlit Voice

04. Waves of Green

05. The Well 

06. Wateshade

07. The Land

08. Ocean Rose

09. Mirror Lake

10. The Valley's Song 

Vidéos

The Well : lien vidéo ici

The Valley's Song : lien vidéo ici

Flowering : lien vidéo ici