Fairport Convention - "Babbacombe" Lee (1971)

Fairport Convention - "Babbacombe" Lee (1971)

Pourquoi écouter ce disque ?

La mode est aux photographies anciennes en cette année 1971. Alors que Steeleye Span illustrait la pochette de son album Ten Man Mop Or Mr Reservoir Butler Rides Again par une photo de deux villageois du début du XXe siècle, Fairport Convention a préféré John "Babbacombe" Lee (1964-1945) et sa mère. Surnommé "l'homme qu'on ne pouvait pas pendre", il se retrouve héros malgré lui de cet opéra folk-rock, le premier de l'histoire. Condamné à mort pour le meurtre de son employeur et éventuellement maîtresse, "Babbacombe" Lee a survécu à trois tentatives de pendaison, transformant ainsi sa peine à de la perpétuité. C'est en tombant par hasard sur tout un dossier de presse trouvé dans une brocante que Dave Swarbrick s'est passionné pour cette histoire digne d'un Faites Entrer L'Accusé. L'album évoque dans un premier temps son enfance difficile, son départ pour la Navy, sa pneumonie qui l'oblige à quitter l'armée, puis son embauche auprès de Miss Keyes. Après le meurtre de celle-ci, a lieu le procès suivi de son exécution ratée. Racontée à la première personne, l'histoire se révèle passionnante, mais nécessite plusieurs écoutes pour bien se familiariser avec toutes les pistes explorées par Fairport Convention, dont un Dream Song teinté de psychédélisme et un Wake Up John vaguement inspiré du Surfin' USA des Beach Boys. En 1971, le groupe réunit Simon Nicol (chant, guitares), unique membre fondateur restant, et les trois Dave : Swarbrick (chant, violon), Mattacks (batterie) et Pegg (basse). Exit Richard Thompson, Sandy Denny, Ashley Hutchings ou encore Iain Matthews et Judy Dyble des années flamboyantes. Le groupe peine à survivre, mais n'a pas encore dit son dernier mot, ni perdu toute son inspiration. Et ce n'est pas le départ de Nicol après la sortie de l'album, parti rejoindre Hutchings, lui-même en vacances définitives de Steeleye Span, qui va changer la donne. Comme Steeleye Span, c'était le second disque paru la même année avec un line-up inchangé. Comme Steeleye Span, Fairport Convention se relèvera, difficilement, mais ne se laissera pas abattre. Comme Steeleye Span, Fairport Convention mènera une grande et longue carrière, les deux étant toujours en activité de nos jours. 

Musiciens

Simon Nicol : chant, guitares, dulcimer

Dave Swarbrick : chant, violon, mandoline

Dave Pegg : chant, basse, madoline

Dave Mattacks : batterie, piano

Philip Sterling-Wall : narrateur

A.L. Loyd : narrateur

Sur les rééditions CD après 2004, ont été ajoutée deux titres prévus pour un documentaire de la BBC 2 avec :

Sandy Denny : chant

Jerry Donahue : guitares

Titres

01. The Verdict 

02. Little Did I Think 

03. I Was Sixteen (Part 1) 

04. John My Son 

05. I Was Sixteen (Part 2)

06. St Ninian's Isle / Trumpet Hornpipe

07. Sailors Alphabet 

08. John Lee 

09. Newspaper Reading

10. Breakfast In Myfair

11. Trial Song 

12. Cell Song

13. The Time Is Near

14. Dream Song 

15. Wake Up John (Hanging Song)

Titres bonus après 2004 :

16. Farewell To A Poor Man's Son 

17. Breakfast In Mayfair

Steeleye Span - Ten Man Mop Or Mr Reservoir Butler Rides Again (1971)

Steeleye Span - Ten Man Mop Or Mr Reservoir Butler Rides Again (1971)

Pourquoi écouter ce disque ?

Ce troisième album de Steeleye Span est sans aucun doute le moins accessible de leur longue carrière. Sorti au mois de décembre 1971 sur le label Pegasus, il fait suite à Please To See The King paru seulement neuf mois plus tôt. Sa pochette attire en premier lieu l'attention. Prise vers 1900, la photo représente deux habitants de Bidford-on-Avon, bourgade du centre de l'Angleterre réputée pour sa consommation excessive d'alcool. Son titre étrange, Ten Man Mop Or Mr Reservoir Butler Rides Again, interpelle également. Il fait à la fois référence aux "mop-fair", foires à l'emploi de l'époque médiévale où les ouvriers venaient chercher du travail, et à Reservoir Butler, nom amusant d'un obscur chanteur dont le groupe reprend une chanson. Comme pour son prédécesseur, l'accent est mis sur les parties vocales et les percussions sont quasiment absentes. En revanche, cette fois-ci, l'origine des chansons est à rechercher du côté de l'Irlande, moins de l'Angleterre. Cette orientation musicale provoquera un point de discorde avec le bassiste fondateur Ashley Hutchings qui, préférant revenir à un folk traditionnel et purement anglais, s'en ira fonder The Albion Band peu après. Autres départs conséquents, ceux de Martin Carthy préférant privilégier sa carrière solo, et de Sandy Robertson, manager du groupe. Avec elle, une certaine innocence disparaîtra, laissant Maddy Prior, Tim Hart et Peter Knight s'engouffrer dans une nouvelle voie, celle du succès commercial.

Musiciens

Maddy Prior : chant, percussions
Martin Carthy : chant, guitares, orgue
Tim Hart : chant, dulcimer, orgue, banjo, mandoline
Peter Knight : chant, violon, banjo, mandoline, percussions
Ashley Hutchings : basse

Titres

01. Gower Wassail
02. Jigs: Paddy Clancey's Jig/Willie Clancy's Fancy
03. Four Nights Drunk
04. When I Was On Horseback
05. Marrowbones
06. Captain Coulston
07. Reels: Dowd's Favourite/£10 Float/The Morning Dew
08. Wee Weaver
09. Skewball

Pink Floyd - Delicate Sound Of Thunder (1988)

Pink Floyd - Delicate Sound Of Thunder (1988)

Pourquoi écouter ce disque ?

18 juillet 1989. Stade Vélodrome. Marseille. Pink Floyd donne le dernier concert de son immense tournée commencée le 9 septembre 1987. J'y étais. J'avais quinze ans. Mes copines Magali et Valérie m'avaient sorti de ma campagne provençale, direction la cité phocéenne. J'étais complètement émerveillé, impressionné aussi. Un monde s'ouvrait à moi. Trente ans après, je m'en souviens comme si c'était hier. En mémoire de cette soirée inoubliable, il me semblait évident de consacrer le millième article de ce blog à l'album live issu de cette tournée, Delicate Sound Of Thunder. Dire que personne ne croyait en leur retour après le départ de Roger Waters, pas même leur maison de disque. En un album et une tournée, David Gilmour, Nick Mason et Rick Wright ont tout balayé sur leur passage, réduisant à néant les géants du moment, Michael Jackson, Madonna, U2, Depeche Mode, The Cure et Simple Minds. Ils ont démontré par la puissance de leurs shows qu'ils étaient au-dessus, intouchables. Seuls pouvaient rivaliser les Rolling Stones ou Jean-Michel Jarre. Symbole absolu de cette suprématie, Delicate Sound Of Thunder a été le premier disque joué dans l'espace, emporté par des cosmonautes soviétiques. Shine On Your Crazy Diamond, Wish You Were Here, Comfortably Numb résonneront à tout jamais dans ma tête. Ce soir-là, en hommage au Bicentenaire de la Révolution française, Gilmour, impérial, exécutera quelques notes de La Marseillaise, on ne pouvait rêver meilleur endroit. Wright me fascinait par son élégance, son aspect "gentleman", tandis que Mason trônait fièrement derrière ses fûts. La rumeur disait même que le rameur apparaissant dans la vidéo de Sign Of Life était Waters. Impensable, il s'agissait en fait du gardien de l'Astoria, la péniche de Gilmour amarrée sur la Tamise. Si les autres musiciens, Jon Carin, Tim Renwick, Guy Pratt et Scott Page étaient tous au top, celui qui remportait la palme à mes yeux était le percussionniste Gary Wallis au jeu visuel impressionnant, sautant dans tous les sens. Quant aux choristes Margaret Taylor, Rachel Fury et Durga McBroom, quelles voix, quelle prestance ! Leur interprétation monumentale de The Great Gig In The Sky figure parmi les moments de grâce du spectacle tandis que One Of These Days signe le retour du fameux cochon volant. Learning To Fly, Time, Sorrow, Us And Them... And after all we're only ordinary men...

Musiciens

David Gilmour : chant, guitares

Rick Wright : claviers, chant

Nick Mason : batterie

Jon Carin : claviers, chant

Tim Renwick : guitares, chant

Guy Pratt : basse, chant

Gary Wallis : percussions

Scott Page : saxophone

Margaret Taylor : chant

Rachel Fury : chant

Durga McBroom : chant

Titres

1.01. Shine On You Crazy Diamond

1.02. Learning To Fly

1.03. Yet Another Movie

1.04. Round And Around

1.05. Sorrow

1.06. The Dogs Of War

1.07. On the Turning Away

2.01. One Of These Days

2.02. Time

2.03. Wish You Were Here

2.04. Us And Them

2.05. Money

2.06. Another Brick In The Wall (Part 2)

2.07. Comfortably Numb

2.08. Run Like Hell

John Lunn and Eivør - The Last Kingdom (2018)

John Lunn and Eivør - The Last Kingdom (2018)

Pourquoi écouter ce disque ?

The Last Kingdom est une série britannique inspirée des romans de Bernard Cornwell, Les Histoires Saxonnes. Se déroulant au IXe siècle sous le règne d'Alfred le Grand, elle raconte les aventures du vaillant combattant Uhtred, né Saxon, mais élevé en Vicking, partagé sans cesse entre le royaume de ses origines et le peuple qui l'a vu grandir. Cette série, qui n'est pas sans rappeler Game Of Thrones, est une véritable réussite, tout comme sa bande-son confiée au compositeur écossais John Lunn. On lui doit les musiques de Downton Abbey, Grantchester ou encore Shetland. La légende raconte que lorsqu'il avait terminé la première phase de son travail pour la première saison de la série, il n'était pas entièrement satisfait du résultat. Il avait le sentiment qu'il manquait quelques chose, un supplément d'âme... une voix. C'est alors qu'il est tombé sur une vidéo d'Eivør interprétant son fameux Trøllabundin, sorte de chant tribal chamanique. C'est le déclic, il demande à la chanteuse féroïenne de participer au projet à ses côtés. Eivør s'investit totalement en cosignant les dix titres de cette bande originale couvrant les trois saisons. Le duo propose une musique à la fois sauvage et mystique, inspirée aussi bien des forces spirituelles nordiques que celtes. L'atmosphère dense sublimée par le chant céleste d'Eivør brise la même porte intradimensionnelle derrière laquelle se sont réfugiés en d'autres temps Dead Can Dance, Vas, Stellamara, Irfan ou Loreena McKennitt. C'est grandiose.

Musiciens

Eivør : chant, percussions

John Lunn : claviers, contrebasse, lyre, kantele, percussions

Joby Burgess : percussions

Rob Farrer : percussions

Danny Saul : programmation

Titres

01. The Last Kingdom

02. Lívstræðrir

03. Lighting The Beacons

04. Helig

05. Destiny Is All

06. Icicle

07. The Hall Of The Fallen

08. Aeternum

09. Bloody Moon

10. My England

Stone The Crows - Teenage Licks (1971)

Stone The Crows - Teenage Licks (1971)

Pourquoi écouter ce disque ?

En 1971, Stone The Crows en est à son troisième album, Teenage Licks. Produit par Peter Grant, celui-là même qui a lancé Led Zeppelin, le quintet écossais au blues explosif teinté de folk et de prog, n'a pas encore rencontré le succès attendu. Composé à Londres, dans une vaste maison où séjournaient également David Bowie et Elaine Paige, Teenage Licks suscite de grandes espérances, d'autant plus que le groupe bénéficie de la présence de deux nouveaux membres, parfaits pour se réinventer. Frustré de ne pas poser sa voix sur plus de titres, le bassiste-chanteur Jimmy Dewar jette l'éponge, laissant ainsi à l'incroyable Maggie Bell, sorte de Joe Cocker au féminin et cousine éloignée de Janis Joplin, le premier rôle sur le plan vocal. Il est remplacé par Steve Thompson, fidèle de John Mayall que le batteur Colin Allen connaît bien. Plus pragmatique, le claviériste John McGinnis quitte le navire pour embrasser une carrière d'enseignant. Ronnie Leah prend alors sa place. On le retrouvera plus tard aux côtés de Steve Howe, Jon Anderson, Donovan, Scott Walker, Claire Hamill ou encore Mae McKenna. Avant de partir, McGinnis a laissé au groupe One Five Eight, morceau complexe, aux couleurs psychédéliques, sans doute le meilleur du disque avec la reprise improbable du Don't Think Twice de Dylan. Bizarrerie parmi les bizarreries, Ailen Mochree, air traditionnel écossais chanté en gaélique et à cappella, d'une durée de... 24 secondes. Si la voix de Maggie brille de mille feux sur tout l'album, impossible de passer sous silence le jeu de guitare à la fois incisif et inventif du regretté Leslie Harvey, petit frère d'Alex. Stone The Crows avait tous les atouts en main pour devenir un des groupes phares du blues-rock durant les seventies. Le destin en a décidé autrement.  

Musiciens

Maggie Bell : chant

Leslie Harvey : guitares, flûte

Ronnie Leah : claviers

Steve Thompson : basse

Colin Allen : batterie, percussions

Titres

01. Big Jim Salter

02. Faces

03. Mr Wizard

04. Don't Think Twice

05. 'Keep On Rollin'

06. Ailen Mochree

07. I May Be Right I May Be Wrong

08. Seven Lakes

Tarja Turunen - Ave Maria En Plein Air (2015)

Tarja Turunen - Ave Maria En Plein Air (2015)

Pourquoi écouter ce disque ?

Le talent de l'ancienne chanteuse de Nightwish est tel, qu'elle peut se produire sans difficultés dans un festival de metal un soir et interpréter dès le lendemain un tout autre répertoire dans une cathédrale. A l'instar de la divinité romaine Janus, elle a deux visages, Tarja pour la face rock, Tarja Turunen pour le classique. Sous ce nom, elle a déjà publié Beauty & The Beat avec le batteur Mike Terrana, Live At Sibelius Hall avec la formation Harus, et de manière plus confidentielle, Noche Escandinava II en 2005. Ave Maria En Plein Air a été conçu autour d'une même thématique, l'adaptation de douze Ave Maria, prière dédiée à la Vierge Marie dont plus de 4000 versions existent à travers le monde. L'enregistrement s'est déroulé en direct les 21 et 22 novembre 2011, sans public, dans la somptueuse église contemporaine Lakeuden Risti située à Seinäjoki, dans l'ouest de la Finlande, à l'acoustique exceptionnelle, inspirée des cathédrales médiévales. Entourée de l'organiste Kalevi Kiviniemi d'Harus, de la harpiste Kirsi Kiviharju et du violoncelliste Marius Järvi, Tarja interprète en toute liberté ces douze airs sacrés en provenance d'Italie, d'Angleterre, d'Allemagne, de France, de Hongrie, de Tchéquie, d'Argentine, de Russie et bien évidemment de Finlande. Tous sont aussi majestueux les uns que les autres, que ce soit le plus connu, le Bach/Gounod, ou le plus personnel, le douzième, composé par Tarja elle-même en 2009 pour sa tournée de Noël. Encore une fois, Tarja qui voit en ce disque l'aboutissement de son parcours musical entrepris depuis sa plus tendre enfance, surprend là où on ne l'attend pas, ce qui la rend résolument unique. 

Musiciens

Tarja Turunen : chant

Kalevi Kiviniemi : orgue
Kirsi Kiviharju : harpe
Marius Järvi : violoncelle

Titres

01. Paolo Tosti
02. Axel von Kothen
03. David Popper
04. Camille Saint-Saëns
05. Astor Piazzolla
06. J.S. Bach / Charles Gounod
07. Pietro Mascagni
08. Ferenc Farkas
09. Giulio Caccini
10. Michael Hoppé
11. Charles-Marie Widor
12. Tarja Turunen

Parzivals Eye - Defragments (2015)

Parzivals Eye - Defragments (2015)

Pourquoi écouter ce disque ?

Sous le nom de Parzivals Eye, se dissimule Chris Postl, le "P" de la formation allemande RPWL. Fragments, le premier album de son projet parallèle avait créé la surprise en 2009, notamment avec la reprise du Chicago de Crosby, Stills and Nash, interprétée divinement par la géniale Christina Booth de Magenta. Avec le guitariste Ian Bairnson (Alan Parsons Project, Kate Bush, Paul McCartney, Jon Anderson), elle est de retour pour ce volume deux, Defragments. Cette fois-ci, elle s'attaque à deux sommets, le Long Distance de Yes (Fragile, 1971) amputé de son Runaround, ainsi qu'au Two Of Us de Supertramp (Crisis? What Crisis?, 1975), dans une version inspirée et sobre. Le reste de l'album oscille entre pop à la Beatles et prog façon Pink Floyd et Yes (c'est en voyant Chris Squire en concert que Postl a décidé d'apprendre la basse), évoquant les derniers Mr So & So. Reach The Sky, épique dépassant les douze minutes, en ouverture du disque, a pour thème central les rêves inaboutis et autres souhaits non réalisés, tandis que le dernier morceau, Hiding Out, fait allusion aux nouveaux départs, en référence à son passé avec RPWL qu'il a quitté en 2010. Légèrement en deçà de Fragments, Defragments propose néanmoins une musique raffinée, propice à l'évasion et à la rêverie. 

Musiciens

Christian Postl : chant, claviers, guitares, basse, mandoline

Christina Booth : chant

Vipo Maat : guitares

Ian Bairnson : guitares

Stephan Treutter : batterie

Tom Appel : chant

Evi Melzer : chœurs

Ossi Schaller : guitares

Martin Keeser : piano

Pablo Rissettio : batterie

Titres

01. Reach The Sky 

02. Liar

03. Out on the Street 

04. Long Distance 

05. Lift Me Up 

06. Journeys 

07. Walls In My Mind

08. Two of Us

09. No Belief 

10. Hiding Out

Anette Olzon - Shine (2014)

Anette Olzon - Shine (2014)

Pourquoi écouter ce disque ?

Anette Olzon, un nom qui aura fait couler beaucoup d'encre dans l'histoire de Nightwish. Cette chanteuse suédoise a assuré (et assumé) avec brio la délicate mission de remplacer Tarja, celle-là même que l'on pensait irremplaçable. Après un Dark Passion Play de transition en 2007, suivi du monumental Imaginaerum (2011), Anette s'est faite éjectée sans ménagement du combo finlandais en pleine tournée mondiale. Forte de sa notoriété nouvelle, elle propose en 2014 Shine, premier album en solo, sorti chez Ear Music, même maison de disque qu'une certaine... Tarja. Si des titres comme Lies ou Falling peuvent éventuellement faire penser à du Nightwish par leur aspect énergique et symphonique, Shine est avant tout un album de pop-rock assumé. Influencée par ce genre musical ainsi que par le folk, Anette a évolué bien loin des terres métalliques dans sa jeunesse en chantant au sein d'Alyson Avenue, formation rock, de Take Cover spécialisé dans les reprises de Clapton, Roxette ou AC/DC, d'un opéra-rock et d'un tribute band dédié à ABBA. Ce parcours explique la coloration particulière de Shine, disque immédiatement accessible avec ses mélodies accrocheuses portées par une voix magnifique, bien mise en valeur. Anette livre sans filtre sa vision du monde, aussi bien son aspect lumineux que sombre. One Million Faces, la ballade finale Watching Me From Afar, l'aérien Floating ou encore l'émouvant Moving Away écrit après que sa mère ait été diagnostiquée d'un cancer sont quelques-unes des très belles pièces de ce disque à classer pas très loin des parcours solos d'Anneke van Giersbergen ou de Liv Kristine.

Musiciens

Anette Olzon : chan

Johan Glössner : guitares, claviers, basse, batterie

Stefan Örn : claviers

Joakim Söderström : piano

Stefan Bergman : batterie

Titres

01. Like A Show Inside My Head

02. Shine

03. Floating 

04. Lies

05. Invincible

06. Hear Me

07. Falling

08. Moving Away

09. One Million Faces

10. Watching Me from Afar

Siouxsie And The Banshees - The Scream (1978)

Siouxsie And The Banshees - The Scream (1978)

Pourquoi écouter ce disque ?

Alors qu'en cette fin des années 70, les dinosaures prog-rock et folk-rock s'éteignent tout doucement, surgissent deux nouvelles espèces musicales balayant tout sur leur passage, le disco et le punk. Fondés en 1976, Siouxsie And The Banshees appartiennent à cette nouvelle ère. Si Sid Vicious  des Sex Pistols occupe le poste de batteur dans la première mouture aux côtés de Siouxsie Sioux et du bassiste Steven Severin, très vite, la formation va se tourner vers un post-punk innovant et expérimental suite à l'arrivée du batteur Kenny Morris ainsi que du guitariste-saxophoniste John McKay. Héritiers en ce sens du Velvet Underground dans leur recherche d'un son inédit, les Banshees influenceront à leur tour toute une génération, de Joy Division à The Cure avec lesquels ils deviendront très proche, du moins durant un temps. Malgré une certaine renommée à la fin de l'année 1977, le groupe n'est toujours pas signé chez un label. Il le sera courant 78 par Polydor suite à une campagne de fans inscrivant sur les murs de Londres "Sign the Banshees: do it now!". Produit par Steve Lillywhite, The Scream surprend son monde à sa sortie par son aspect innovant. Considéré aujourd'hui comme un incontournable de toute bonne discothèque qui se respecte, il comporte quelques classiques inégalés tels que Jigsaw Feeling et sa basse froide, un Mirage incisif, le martial Metal Postcard, ou encore un Switch hanté comme jamais. Impossible non plus de passer à côté de la reprise des Beatles Helter Skelter liée à l'inquiétant criminel Charles Manson. Seul faux pas, l'absence du lumineux Hong Kong Garden sorti en single, inoubliable avec son introduction au xylophone. Erreur réparée avec les rééditions en CD. 

Musiciens

Siouxsie Sioux : chant

John McKay : guitares, saxophone

Steven Severin : basse

Kenny Morris : batterie, percussions

Titres

01. Pure

02. Jigsaw Feeling

03. Overground

04. Carcass

05. Helter Skelter

06. Mirage

07. Metal Postcard (Mittageisen)

08. Nicotine Stain

09. Suburban Relapse

10. Switch

   

Joshua Burnell & Frances Sladen - The Snickelway To Horn Fair (2019)

Joshua Burnell & Frances Sladen - The Snickelway To Horn Fair
(2019)

Pourquoi écouter ce disque ?

Vous ne connaissez toujours pas Joshua Burnell ? Dommage pour vous. Ceci dit, ce n'est pas avec The Snickelway To Horn Fair que vous allez faire sa connaissance. Pourquoi ? Tout simplement parce que ce petit EP a été seulement envoyé aux personnes qui avaient pré-commandé son album The Road To Horn Fair. Vous le connaissez lui, non ? Non !? Alors, un conseil, passez vite commande de ce disque, mêlant influences folk et prog. Je vous garantit que vous ne serez pas déçu. Et si par hasard, vous réussissez à vous procurer ce The Snickelway To Horn Fair, vous découvrirez sept titres en versions acoustiques, rendant hommage aux aînés des années 60-70 que sont Fairport Convention (Reynardine), Pentangle (Willie O Winsbury, Bruton Town) et Steeleye Span (The King, The Three Ravens). A côté de ces classiques intemporels, Joshua et sa compagne Frances proposent deux compositions originales déjà présentes sur le premier EP Lend An Ear (2013), un Midnight Wander aux saveurs toutes pastorales, ainsi que l'excellent The Skylark And The Oak interprété en duo. Une fois que vous l'aurez entre vos mains et que vous l'aurez écouté, et seulement à ce moment-là, vous saurez alors le sens réel du mot "privilégié". 

Musiciens

Joshua Burnell : chant, instruments

Frances Sladen : chant

Titres

01. The King

02. Willie O Winsbury

03. Skylark & The Oak

04. Midnight Wander

05. Reynardine

06. Bruton Town

07. The Three Ravens