Panic Room - Incarnate (2014)

Panic Room - Incarnate (2014)

Pourquoi écouter ce disque ?

Il semblait difficile à Panic Room de donner un successeur à Skin tellement ce dernier était d'un niveau exceptionnel. A cela, s'ajoutait le départ surprise de Paul Davies, leur guitariste historique. Et pourtant, Incarnate n'a pas à rougir ! Anne-Marie Helder (chant, guitare, claviers, harmonica), Jonathan Edwards (claviers), Gavin John Griffiths (batterie, percussions) et Yatim Halimi (basse) ont fait appel à Adam O'Sullivan, guitariste émérite au style bluesy, offrant ainsi de nouvelles orientations musicales. Son travail est remarquable, que ce soit sur le titre d'ouverture Velocity aux riffs fulgurants, ou sur Into Temptation sur lequel il propose un jeu vif et intelligent. Avec Incarnate, le groupe marque sa volonté d'ouvrir un nouveau chapitre, de poursuivre son parcours en suivant sa propre voie, tout en se démarquant nettement de ses contemporains tel que Mostly Autumn, Magenta, Landmarq ou Karnataka dont Anne-Marie, Jonathan et Gavin ont fait partie. La chanson titre Incarnate tout comme Waterfall (avec son intro lumineuse à la Supertramp) abordent cette thématique de la prise en main par soi-même. Une des caractéristiques de Panic Room est d'ailleurs la profondeur de ses textes. Close The Door, All That We Are ou encore Start The Sound évoquent toutes la relation à l'autre, parfois joyeuse, souvent dramatique. Impossible de résister à la noirceur de Dust, le dernier titre, qui, pour moi, demeure leur composition la plus forte d'un point de vue émotionnel. Anne-Marie en a écrit les paroles suite à une attaque chimique sur une école en Syrie. Son chant fantomatique, baigné d'une musique d'outre-tombe, incarne ce flot de douleur d'où jaillissent les cris de ces jeunes âmes déchirées. En véritable frontwoman, Anne-Marie nous éblouissait jusqu'alors, avec ce titre elle se hisse au même niveau que les plus grandes, de Sandy Denny à Kate Bush, de Lisa Gerrard à Beth Gibbons. Une déesse est née. 

Musiciens

Anne-Marie Helder : chant, guitares, claviers, harmonica

Jonathan Edwards : claviers

Adam O'Sullivan : guitares

Yatim Halimi : basse

Gavin John Griffiths : batterie, percussions

Titres

01. Velocity 

02. Start the Sound

03. Incarnate

04. Nothing New

05. The Waterfall 

06. Into Temptation 

07. All That We Are 

08. Searching 

09. Close the Door 

10. Dust 

  

Yesterdays - Senki Madara (2018)

Yesterdays - Senki Madara (2018)

Pourquoi écouter ce disque ?

Fondées dans les années 60, Phoenix et Sfinx ont été pendant des décennies les deux seules formations de référence de rock progressif issues de Roumanie. A l'aube des années 2000, la situation a évolué avec l'arrivée de Yesterdays au nom faisant explicitement référence aux maîtres du genre, Yes. Bien que de nationalité roumaine, ces nouveaux venus ont la particularité d'être originaires de la minorité hongroise peuplant la Transylvanie. Basés dans la petite ville de Carei, située à huit kilomètres de la frontière hongroise, Yesterdays s'apparente davantage à un collectif qu'à un groupe, articulé autour du triumvirat Bogáti-Bokor Ákos (guitares, basse,claviers)/Enyedi Zsolt (claviers)/Kósa Dávid (percussions). Avec Senki Madara, leur troisième (et meilleur) album (autoproduit), ils ont puisé dans le fonds culturel hongrois d'anciennes chansons folkloriques, vieilles de plusieurs centaines d'années, puis les ont adaptées de manière ingénieuse dans un style singulier trouvant son origine dans le rock progressif des années 70. Outre Yes, Genesis, Pink Floyd, Camel, ELP, Gentle Giant ou encore King Crimson sont les influences revendiquées par les musiciens. Le résultat est tout simplement fantastique, d'autant plus qu'ils ont fait appel à trois voix féminines d'exception. Si Stephanie Semeniuc est aujourd'hui la chanteuse officielle du groupe, Tarsoly Csenge, amie de longue date d'Ákos, prête sa voix claire à Hajnalcsillag, tandis que Szirtes Edina Mókus, plutôt orientée jazz, apparaît sur deux chansons, Ne Mondd El et Ugy Bocsáss El. A titre de comparaison, Yesterdays évoluent dans la même catégorie que les Gallois Magenta (les nappes synthétiques du premier morceau Ágról-Ágra évoquent d'ailleurs Speechless), les Néerlandais Flamborough Head (avec lesquels ils ont partagé l'affiche du Mini-Progfestival en 2007, à Budapest), les Finlandais Paidarion (dont Bogáti-Bokor Ákos a joué sur le dernier album Two Worlds Enounter), les Polonais Quidam ou les Grecs Ciccada. Le chant en langue hongroise ainsi que la musique raffinée de cet ensemble authentique transforment l'"Oiseau de personne" (traduction littérale de "Senki Madara") en un réel moment d'évasion, de légèreté et de liberté. 

Musiciens

Stephanie Semeniuc : chant

Bogáti-Bokor Ákos : guitares, basse, claviers, percussions, chant

Fehér Róbert Benjamin : guitares, chant

Enyedi Zsolt : claviers

Kecskeméti Gábor : flûte

Szűcs József : batterie

Kósa Dávid : percussions, chant

Szirtes Edina Mókus : chant

Tarsoly Csenge : chant

Bogáti-Bokor Orsolya : violon, alto

Márton-Sípos Dóra : violoncelle

Titres

1. Ágról-Ágra 

2. Rejtsetek El 

3. Szivárvány Havasán 

4. Elmehetsz 

5. Ne Mondd El 

6. Hajnalcsillag 

7. Szomjú Madarak 

8. Eső 

9. Nap

10. Ugy Bocsáss El

House of Not - The Walkabout Of A. Nexter Niode - Part 3: On The Madness Of Crowds (2012)

House of Not - The Walkabout Of A. Nexter Niode -
Part 3: On The Madness Of Crowds (2012)

Pourquoi écouter ce disque ?

J'ai découvert House Of Not en 2012 par ce disque, et, autant le dire de suite, j'ai reçu la même claque que lorsque j'ai écouté pour la première fois Misplaced Childhood de Marillion ou Doomsday Afternoon de Phideaux. C'est dire le niveau. Basé à Toronto, au Canada, House Of Not est un projet avant d'être un groupe. Brian Erikson, son fondateur, a eu l'idée brillante de raconter à travers cinq albums le voyage initiatique d'un certain A. Nexter Niode, personnage pittoresque. On The Madness Of Crowds est le troisième volume de cette aventure fantastique. Son titre a été inspiré de l'étude Extraordinary Popular Delusions and the Madness of Crowds consacrée à la psychologie des foules et écrite en 1841 par un Écossais répondant au nom de Charles Mackay. Cette source d'inspiration explique sans doute la touche celtique qui se dégage dès le premier morceau, Meeting The Piper. Personnage central de cette nouvelle épopée, The Pipper, considéré comme un fou, possède des dons de voyance. Écouté par personne à l'exception de Niode, il lui annoncera les événements qui provoqueront sa chute, mais lui ne les comprendra pas. Côté musique, Erikson et les siens puisent leur inspiration tant dans le jazz de cabaret que le rock progressif héroïque où se croisent les chemins de Pink Floyd, Moody Blues, Camel, Supertramp, Barclay James Harvest ou Rush. Des sommets sont atteints avec le puissant What Is Good For You, interprété par une Dee Brown divine, suivi de l'instrumental The Death Of Silk. A Beautiful Lie, Key Of G et ses guitares "gilmouriennes" hallucinantes, ainsi que Schandenfreude sont autant de scuds capable de faire exploser les enceintes. En un mot, cet album est tout simplement incontournable.

Musiciens

Brian Erikson : chant, claviers, samples, percussions

Ken (Smog) O'Gorman : guitares, sitar, basse, Moog, percussions

Lou Roppoli : guitares

Dee Brown : chant

Eric Stever : guitares

Rob Kennedy : lap steel guitar

Omar Ales : orgue, chœurs

Mark Camilleri : piano 

Garth Blake : basse, basse fretless

Stan Miczek : basse

David Harvey : batterie

Dave Neill : batterie

Troy Feener : batterie

Chris Cigolea : trompette

 Ray Caldwell : uilleann pipes, flûte irlandaise

Jim Bish : flûte

Titres

01. Meeting The Piper 

02. Running With The Crowd 

03. Wishing Well

04. Fastlane Fraulein 

05. Hope 

06. Ode To Easter Island - Piper 

07. Un Ile La Lune La Mer

08. Was It As Good For You? 

09. The Death Of Silk 

10. A Beautiful Lie 

11. A Secret Told - Piper

12. Man Of Faith 

13. Seven Long Years 

14. Key Of G

15. 1000 Buddhas - Piper 

16. Once 

17. Ded Fred 

18. Schadenfreude 

19. Song Seems Sung

White Sail - WinterTide (2018)

White Sail - WinterTide (2018)

Pourquoi écouter ce disque ?

Quelques semaines à peine après leur premier EP High In The Blue, White Sail propose le single WinterTide. Entièrement composé par Jane Stockdale, cette triste ballade hivernale aux couleurs celtiques enchante dès la première écoute. Son refrain accrocheur, la harpe celtique de Sarah Dean, les percussions ethniques ainsi que la flûte aérienne nous plongent au cœur d'une cérémonie occulte païenne, célébrée lors d'une nuit noire et profonde, autour d'un feu salvateur. Il s'en dégage les mêmes effluves marines que de The Islander de Nightwish. C'est dire sa force. 

Ce CD n'étant pas distribué, il se commande directement sur le site du groupe en cliquant sur ce lien.

Musiciens

Jane Stockdale

Chris Bartram

Sarah Dean

Titre

01. WinterTide

White Sail - High In The Blue (2017)

White Sail - High In The Blue (2017)

Pourquoi écouter ce disque ?

Originaire de York, White Sail propose une musique folk raffinée, jouée par des musiciens unis par les mêmes passions, la mer, la nature, l'histoire, la vie, et l'amour. Ces thématiques sont au cœur de leurs chansons publiées sur un premier EP fin 2017, High In The Blue. Si les harmonies vocales de Ridgeway évoquent dès la première écoute leurs aînés de Steeleye Span, White Sail n'en a pas moins développé son propre style du fait de l'expérience cumulée de ses trois musiciens. Jane Stockdale (chant, percussions) est une habituée des festivals, elle joue depuis des années à travers toute l'Angleterre. Chris Bartram (chant, guitare, trompette) partage son temps entre l'enseignement de la musique à l'université, et la scène aux côté d'une multitude de musiciens jouant aussi bien du ska, du funk ou de la soul. Sa trompette apporte d'ailleurs une réelle touche d'originalité ici (The Fluther Girls). La harpiste Sarah Dean est, avouons-le, notre préférée. Que ce soit en solo (The Incredible String Blond), aux côtés de Bryan Josh, d'Heather Findlay ou de Luna Rossa ou avec ses nouveaux compagnons, son jeu délicat subjugue et accompagne à merveille ces cinq chansons aux textes poétiques. Enjoy the music!

Ce CD n'étant pas distribué, il se commande directement sur le site du groupe en cliquant sur ce lien.

Musiciens

Jane Stockdale : chant, djembé
Chris Bartram : chant, guitare acoustique, trompette
Sarah Dean : chant, harpe celtique, schruti box

Titres

01. Ridgeway
02. The Flither Girls
03. Carry
04. Spring
05. White Sail

 

   

Octantrion - Octantrion (2014)

Octantrion - Octantrion  (2014)

Pourquoi écouter ce disque ?

Né des cendres de Drakkan, Octantrion propose un festival d'instruments à cordes. Ce duo solaire est constitué d'Éléonore Billy, une passionnée des cultures et instruments scandinaves, et de Gaëdic Chambrier, musicien autodidacte aux goûts très éclectiques, du jazz au rock en passant par les musiques du monde. Ses instruments fétiches sont à cordes pincées (mandoles, cistres et guitares), dont la guitare-harpe est sans doute le plus original. Conçue par le luthier Benoit Meulle-Stef, elle allie six cordes de guitare et vingt-deux cordes de harpe. Éléonore joue, elle, de deux instruments nordiques traditionnels, ancrés dans la culture scandinave : le nyckelharpa, sorte de vielle à archet, et le hardingfele, petit violon arborant des motifs somptueux. En quarante minutes et dix morceaux, Octantrion ouvre les portes de son univers musical où se croisent contes et légendes elfiques (Nellë, Morë Hér), polskas suédoises (Polska Från Barsebäck, Finn Pål), courants méditerranéens (Harmen Formen), ou encore fjords norvégiens (Leiken Henna Oline Veti-Odden, Royskatten Hallen) associés à des sons modernes. Bref, du vrai polsk'n roll !

Musiciens

Éléonore Billy : nyckelharppas, hardingfele

Gaëdic Chambrier : cistre, mandoles, guitares, percussions

Jean-Philippe Viret : contrebasse

Titres

01. Nellë

02. Polska Från Barsebäck2. 

03. Morë Hér

04. Leiken Henna Oline Veti-Odden

05. Finn Pål

06. Harmen Formen

07. Royskatten Hallen

08. Fanget Springleik

09. 223

10. Crépuscule

The Paradox Twin - The Importance Of Mr Bedlam (2018)

The Paradox Twin - The Importance Of Mr Bedlam (2018)

Pourquoi écouter ce disque ?

Lorsque John Mitchell (Arena, It Bites...) et Chris Hillman ont fondé White Star Records, ils avaient promis de privilégier la qualité à la quantité. Et bien ils n'ont pas menti. Nouvelle signature du label, The Paradox Twin propose un premier album faisant preuve d'une maturité déconcertante. Fondé en 2012 par Danny Sorell (chant, guitares, claviers, compositions, coproduction), le groupe, dont le nom fait explicitement référence à une théorie de Paul Langevin émise en 1911 en lien avec la relativité restreinte, rassemble Leland Freeman à la guitare, Diane Fox à la basse et Rob McGregor à la batterie. The Importance Of Mr Bedlam nous entraîne aux frontières de la paranoïa et de l'étrange, au cœur des théories du complot relatives à l'enlèvement d'êtres humains par des extraterrestres. Si le sujet peut prêter à sourire de prime abord, son aspect dramatique apparaît à la cinquième piste (Moonblood), lorsque la femme du héros, sous les traits de Kim Seviour (ex-Touchsotne) exprime son désarrois face aux obsessions de son mari. Guitares démentes, section rythmique solide et claviers en retrait mais bien présents accompagnent le chant expressif de Sorell, évoquant par certains aspects Damian Wilson, David Bowie ou encore Brett Anderson de Suede. Si on retrouve certains éléments mélodiques de ces derniers, Porcupine Tree est une autre référence majeure venant à l'esprit, tout comme l'incontournable Numbers and The Big Dream of Mr Sunders de Millenium. La Vérité est-elle ailleurs ? Je n'en sais rien, mais, une chose est sûre, il serait vraiment dommage de passer à côté de cette étoile scintillante. 

Musiciens

Danny Sorrell : chant, guitares, claviers, programmation

Leland Freeman : guitares

Diane Fox : basse

Rob McGregor : batterie, percussions

Kim Seviour : chant

John Mitchell : guitares

Titres

01. The Mir
02. The Importance Of Mr Bedlam
03. Cyvcles
04. Earthbound
05. Moonblood
06. Planeta
07. Gravity Time Dilation

Framauro - Last Word: The End (2001)

Framauro - Last Word: The End (2001)

Pourquoi écouter ce disque ?

Attention, document historique ! Ryszard Kramarski propose avec ce disque la toute première strate archéologique de Millenium, une des plus intéressantes formations contemporaines de rock progressif basée en Pologne. En 1996, sous le nom de Framauro, il a enregistré dans sa chambre, avec son 8 pistes, plusieurs démos, aidé de ses deux cousins, Stach Kramarski (chant) et Tomasz Pabian (guitares). Afin de se faire connaître, ils ont gravé leur matériel sur une trentaine de CD envoyés aux radios et magazines spécialisés. Ceux sont ces morceaux remasterisés que l'on retrouve ici, avec, en bonus, un instrumental inédit, Ostatnie Slowo: Koniec (Last Word: The End), tout dernier enregistrement sous le nom de Framauro. Si la voix rauque de Stach tranche avec celle Łukasz Gall, plus suave, la musique évoque bel et bien l'univers flamboyant de Millenium. Notre oreille s'est particulièrement intéressée aux pistes 9 à 11, prémices du concept album Vocanda, héritier des Pink Floyd et Marillion. Sans être un incontournable, Last Word: The End n'en demeure pas moins une appréciable curiosité, ainsi qu'une fenêtre ouverte sur ce que proposaient (en amateurs) nos voisins de l'Est il y a plus de vingt ans.

Musiciens

Stanisław Kramarski : chant

Ryszard Kramarski : guitare, claviers, basse, programmation, chant 

Tomasz Pabian : guitare, programmation

Titres

01. Nakarmieni Masmediami 

02. Astronomus Fra Mauro

03. Baśniowe Alternatywy (Part 1 & 2)

04. Ekopieśń

05. Karty Prawdy

06. Był Sobie Kraj!

07. Rozdzielieni

08. Pięć Elementów 

09. Różowe Okulary 

10. Wędrowiec Z Zaświatów

11. Kręgi Życia 

12. Ostatnie Słowo: Koniec (2001 recording) 

Heather Findlay - Wild White Horses (2019)

Heather Findlay - Wild White Horses (2019)

Pourquoi écouter ce disque ?

Étonnante Heather Findlay ! Dix ans après avoir quitté Mostly Autumn, elle sort pour la toute première fois un album sous son seul nom. Certes, en 2011 il y a eu The Phoenix Suite, mais il s'agissait d'un simple EP. Ensuite, elle s'est abritée derrière les noms de The Heather Findlay Band, The Heather Findlay Trio, ou de The Heather Findlay Quartet, sans oublier Mantra Vega, supergroupe fondé avec Dave Kerzner, ou son duo en compagnie de Chris Johnson. Sans aucun doute, Wild White Horses est l'album de la maturité, celui où elle s'assume pleinement. Réalisé avec l'aide de Luke Morley de Thunder (production, compositions, guitare, basse, claviers, percussions, mandoline, flûte, chœurs), ce nouveau disque se veut plus éclectique et offre une orientation plus rock, voire country, que prog ou folk. Mais les fans de la chanteuse ne seront pas désorientés, la pureté de sa voix est demeurée inchangée. Il suffit d'écouter la splendide ballade Firefly (voix/piano) pour se retrouver de suite ensorcelé. Seul le magnifique I Remenber sur lequel joue Troy Donockley de Nightwish évoque les années Mostly Autumn. Sa couleur celtique tranche en comparaison à un Face In The Sun aux sonorités plus orientales et spirituelles, héritières de l'époque Mantra Vega. Here's To You, brut et direct, est dédié à son ami Liam Davison, décédé tragiquement, en 2017, la veille de son cinquantième anniversaire. Elle écrit à son sujet ces belles paroles, très humbles : "When I remember the good times that we had / How can I be unhappy even if I'm sad?". Si son duo avec Danny Bowes (Just A Woman), chanteur de Thunder, peut surprendre, tant on s'éloigne de son registre habituel, la présence du grand Ian Anderson de Jethro Tull à la flûte sur Winner réconciliera tout le monde. D'une beauté insolente, Wild White Horses n'en fait pas moins preuve d'une élégance exquise, pour le seul plaisir de nos sens. 

Musiciens

Heather Findlay : chant

Luke Morley : guitares, mandoline, basse, claviers, flûte, percussions, chœurs

Dave McCluskey : batterie

Troy Donockley : uilleann pipes

Ian Anderson : flûte 

Tim Oliver : piano

Daniel Bowes : chant

Georgia Rankin : chœurs, manjira

Harlan Findlay-Loftus : chœurs, programmation

Drayke Findlay-Loftus : chœurs

Katy Burgess : chœurs

Sarah Dean : chœurs

Titres

01. Here's To You 

02. Just A Woman

03. The Island 

04. Face In The Sun

05. Southern Shores

06. I Remember

07. Wild White Horses

08. Winner

09. Already Free

10. Cactus

11. Firefly

12. Forget The Rain 

Luar Na Lubre - Espiral (2002)

Luar Na Lubre - Espiral (2002)

Pourquoi écouter ce disque ?

Avec cet album, la formation galicienne de musique traditionnelle Luar Na Lubre voit plus grand, plus loin. Si les instruments anciens, souvent d'origine celtique, occupent toujours une place centrale, le groupe s'ouvre davantage à la modernité en utilisant une contrebasse, une guitare électrique ainsi que des synthétiseurs. Plus audacieux, l'emploi d'un orchestre symphonique, celui de Brastislava, sur deux titres : l'instrumental Caniga Sta. María aux couleurs très "oldfielfiennes" et le magistral Devanceiros, interprété avec conviction par la chanteuse Rosa Cedrón. Le temps d'un El Derecho De Vivir En Paz vibrant, elle abandonne son galicien natal pour chanter en espagnol. Cette magnifique chanson engagée, pacifiste, a été composée en 1971 par l'artiste chilien Victor Jara, arrêté, torturé puis assassiné par la police du général Pinochet en 1973. A travers la suite interceltique Espiral reprenant des airs traditionnels de Galice, Bretagne, Irlande, Écosse et Pays de Galles, Luar Na Lubre revendique une nouvelle fois l'attachement de sa région aux pays celtiques et à l'Atlantique. Dans cette même optique, Espiral a été coproduit par le grand Dónal Lunny, figure emblématique de la renaissance de la musique traditionnelle irlandaise. Trois longues années ont été nécessaires pour réaliser cet album ambitieux qui ravira sans aucun doute les amateurs de mélodies originales issues tant dans des âges anciens que du monde contemporain. 

Musiciens

Rosa Cedrón : chant, violoncelle

Bieito Romero : cornemuse, accordéon, vielle à roue

Xan Cerqueiro : flûte

Daniel Sisto : guitare acoustique

Xulio Varela : bouzouki, berimbau, tambourin

Xavier Ferreiro : percussions

Patxi Bermudez : batterie, percussions  

Pedro Valero : guitares

Dónal lunny : bouzouki, basse, bodhran, claviers, guitares

Nollaig Casey : violon

Mairtin O'Connor : accordéon

Javier Chacon : bombarde

Fernando Villar : claviers

Javier Tejedor : percussions

Brais Maceiras : accordéon

Elias Garcia : bouzouki

Ludus Tonalis : chant

Afonso Morán : contrebasse

Wafir S. Gibril : luth

Orchestre symphonique de Bratislava dirigé par David Hernando

Titres

01. Hai Quen Di

02. El Derecho De Vivir En Paz

03. Ara Solis

04. Ancares

05. Espiral

06. Cantiga Sta. María

07. Camiño De Ibias

08. Costa Da Morte

09. Devanceiros

Steeleye Span - Est'd 1969 (2019)

Steeleye Span - Est'd 1969 (2019)

Pourquoi écouter ce disque ?

Peu connu du public français, Steeleye Span fête en cette année 2019 ses cinquante ans de carrière. Fer de lance du revival folk britannique de la fin des années 60, c'est un des derniers groupes de cet âge d'or encore en activité aujourd'hui, avec Fairport Convention. La chanteuse Maddy Prior est le dernier membre fondateur encore présent. Liam Genockey occupe le poste de batteur depuis la fin des années 80, tandis que les cinq autres musiciens sont arrivés durant la décennie en cours. Est'd 1969, leur vingt-troisième album studio, commémore comme il se doit cet anniversaire. Harmonies vocales divines, musiciens inventifs, mélange de tradition et de modernité, fables populaires où magie et passé historique se rejoignent sont autant d'éléments-clés de leur œuvre, toujours pratiqués avec le même professionnalisme et la même passion. Tel Janus, le dieu romain à deux têtes, Steeleye Span a conçu Est'd 1969 comme un pont entre le passé et l'avenir. Ce dernier se trouve incarné par la nouvelle génération avec, entre autres, Benji Kirkpatrick arrivé il y a deux ans, fils de John Kirkpatrick, ancien membre à la fin des années 70, ou Rose Kemp, auteure du dernier titre Reclaimed qui n'est autre que la fille de Maddy Prior et du bassiste historique du groupe Rick Kemp, parti en 2016 pour raisons de santé. La participation de Ian Anderson de Jethro Tull, à la flûte (Old Matron) évoque un passé glorieux. C'est lui qui avait produit en 1974 le fameux Now We Are Six sur lequel David Bowie avait fait une discrète apparition au saxophone. Avec January Man, réflexion sur le temps qui passe, la mémoire du regretté Tim Hart est célébrée. Membre fondateur de Steeleye Span, il interprétait déjà cette chanson dans les années 60, lorsqu'il formait un duo avec Maddy. C'est elle qui la chante ici, mais, étrangement, sa voix, plus basse, fragile, m'évoque celle de Gay Woods qui fut, à deux reprises, l'autre voix féminine du groupe. Contrairement à certains dinosaures, Steeleye Span ne sort pas un disque pour d'obscures raisons financières, mais juste pour le plaisir. Et cela s'entend. 

Musiciens

Maddy Prior : chant
Liam Genockey : batterie, percussions
Julian Littman : guitare, mandoline, claviers, chant
Jessica May Smart : violon, chant
Andrew ‘Spud’ Sinclair : guitare, chant
Benji Kirkpatrick : bouzouki, guitare, mandoline, banjo, chant
Roger Carey : basse, chant

Ian Anderson : flûte
Sophie Yates : clavecin 

Titres

01. Harvest
02. Old Matron
03. The January Man
04. The Boy and the Mantle (Three Tests of Chastity)
05. Mackerel of the Sea
06. Cruel Ship's Carpenter
07. Domestic
08. Roadways
09. Reclaimed

Ange - Culinaire Lingus (2001)

Ange - Culinaire Lingus (2001)

Pourquoi écouter ce disque ?

Avec Culinaire Lingus, Ange entre de plein pied dans le XXIe siècle qui, comme chacun le sait, sera féminin... ou ne sera pas. Si ce monument du rock progressif français, en activité depuis 1969, a vécu mille et une vie, Christian Décamps et ses musiciens anticipent cette (r)évolution en accueillant en son sein... une femme ! Horreur pour les uns, bonne nouvelle pour les autres. Jamais une telle décision n'avait autant divisé les fans du groupe. Artiste touche-à-tout (chant, peinture, théâtre), férue de psychologie, Caroline Crozat (c'est son nom) a collaboré dans un passé proche avec Jean-Pascal Boffo, un ami fidèle de la planète angélique, sur ses albums Rituel (1991) puis Parfum D'Étoiles (2000). Il était aussi aux manettes sur Les Dents Rouges (1998), premier album d'une certaine Kaharo, qui n'est autre que, vous l'aurez compris, Caroline. Hervé Rouyer, batteur du nouvel Ange, avait également participé à ce projet. Bien que membre officiel du groupe, sa présence sur Culinaire Lingus est encore discrète. On ne l'entend que sur quatre titres, les meilleurs. Mixé par le grand Steven Wilson, Jusque Oû Iront-Ils ? impressionne par son texte sombre sur lequel plane une grande colère. Les chœurs orientalisant de Caroline contribuent à accentuer l'aspect dramatique du propos. Plus légère, la chanson titre aborde sans détour la thématique centrale de l'album : le sexe. Résolument rock, ce morceau n'est pas sans évoquer les années Vu D'Un Chien (1980). Toujours aussi rabelaisien, On Sexe nous entraîne dans un véritable tourbillon infernal. Avec Cadavre Exquis, fresque d'une dizaine de minutes, la chanteuse révèle à la fois la profondeur et la délicatesse de sa voix. Un régal ! Cerise sur le gâteau, le final Autour D'Un Cadavre Exquis, morceau instrumental sur lequel se succèdent les guitaristes Tommy Emmanuel, Claude Demet (parti rejoindre les étoiles en 2013), Dan Ar Bras, Norbert Krief (Trust), Serge Cuenot (Ange des années 80), Paul Personne, Jean-Pascal Boffo (encore lui) et Jan Akkerman (Focus). Durant les dix années suivantes, Caroline, par son talent, son ton décalé et son enthousiasme, deviendra un élément essentiel dans le dispositif du groupe. Avec le recul d'aujourd'hui, c'est désormais acquis, une place à part lui sera consacrée dans le prochain Livre Des Légendes relatant la mythique odyssée angélique. 

Musiciens

Christian Décamps : chant, guitares, claviers
Tristan Décamps : chant, claviers, programmation, kazoo
Hassan Hajdi : guitares, banjo, chant
Thierry Sidhoum : basse, contrebasse, claquettes
Hervé Rouyer : batterie, percussions
Caroline Crozat : chant

Gilles Péquinot : violon, cornemuse, flûte, guimbarde
Claude Demet : guitares
Dan Ar Braz : guitares
Jan Akkerman : guitares
Jean-Pascal Boffo : guitares
Norbert Krief : guitares
Paul Personne : guitares
Serge Cuenot : guitares
Thommy Emmanuel : guitares

Titres

01. Jusqu'Où Iront-Ils
02. Cueillir Les Fruits Du Sérail
03. Adrénaline
04. Farces Et Attrapes
05. Culinaire Lingus
06. Les Odeurs De Cousine
07. Intérieur Nuit
08. Univers Et Nirvana
09. Gargantua
10. On Sexe
11. Cadavres Exquis
12. Autour D'Un Cadavre Exquis   

Joanne Hogg & Company - The Map Project (2018)

Joanne Hogg & Company - The Map Project (2018)

Pourquoi écouter ce disque ?

Depuis la fin de l'aventure Iona, Joanne Hogg s'est énormément investie dans l'accueil des réfugiés comme en témoigne Road From Ruin. Guidée par sa foi, elle continue aussi à composer. Quatre ans après Uncountable Stars, elle revient avec cet EP cinq titres atteignant à peine les vingt-cinq minutes. MAP est l'abréviation de Miracles And Parables, soit Miracles et Paraboles. Pour ces nouvelles compositions, Joanne a puisé son inspiration dans les textes bibliques, avec comme thème central la notion de perte. Ainsi, Thirst évoque la Femme samaritaine de l'Évangile selon saint Jean, The General n'est autre que le commandant lépreux Naaman de l'Ancien Testament auquel elle s'adresse directement. Saint Luc lui a soufflé Two Brothers ainsi que Good Samaritan. Avec Hunger, elle revient sur le miracle de la multiplication des pains (Évangile selon saint Matthieu). Enfin, la dernière chanson Constant In My Chaos fait explicitement référence à un psaume de la Bible. Le chant toujours aussi passionné et chaleureux de Joanne étend l'aspect mystique de ses textes, tout comme la musique essentiellement acoustique où le piano occupe une place centrale. C'est avec plaisir que l'on retrouve à la rythmique deux de ses anciens compagnons de Iona : Terl Bryant (batterie) et Phil Barker (batterie). Ancien leader du groupe de rock chrétien américain Onehundredhours, le guitariste Tre Sheppard s'est également occupé de la production. Gwyneth Reid (violoncelle) et Michael McCluskey (guitare), déjà présents sur Uncountable Stars, ont à nouveau été conviés. Nouveaux venus dans l'équipe : Graeme Flowers (bugle, trompette) qui a joué auparavant avec des artistes aussi prestigieux que Lisa Stanfield, Quincy Jones ou Duran Duran, Andy Baker (guitares) et Alex Priest (violoncelle). Si vous avez aimé Uncountable Stars, The Map Project vous séduira tout autant. 

Musiciens

Joanne Hogg : chant, piano, claviers

Terl Bryant : batterie, percussions

Phil Barker : basse

Graeme Flowers : bugle, trompette

Andy Baker : guitares

Tre Sheppard : guitares

Michael McCluskey : guitare

Gwyneth Reid : violoncelle

Alex Priest : violoncelle

Titres

01. Thirst

02. The General

03. Two Brothers

04. Good Samaritan

05. Huger 

06. Constant In My Chaos

Faun & The Pagan Folk Festival - Live 2007 (2008)

Faun & The Pagan Folk Festival - Live 2007 (2008)

Pourquoi écouter ce disque ?

Lorsque Faun publie en 2008 son premier disque live, il a déjà à son actif quatre albums studios. Fondée en 1998 par Oliver s. Tyr et Fiona Rüggeberg aux alentours de Munich, cette formation atypique va très vite s'imposer sur la scène pagan folk allemande. Puisant son inspiration tant dans un passé ancien mythifié que dans une nature vénérée, Faun emprunte son nom à la divinité Faunus de la mythologie romaine, Pan chez les Grecs, dieu des bergers, de la forêt, des plaines et des champs. Si les voix féeriques et envoûtantes sont au cœur du projet, les musiciens emploient toute une gamme d'instruments folkloriques (harpe celtique, nyckelharpa suédois, vielle à roue, cornemuse, cithare, flûtes, percussions orientales...) associée à des sonorités modernes mises en œuvre par Niel Mitra, magicien des sons. Le résultat est saisissant, chacun des concerts du groupe donne le sentiment d'assister à une cérémonie païenne, entre transe et communion avec Mère Nature. L'emploi dans leurs chansons de dialectes anciens (haut allemand, vieux norrois, ancien français, latin...) ou de langues rares (hongrois, finnois...) renforce cette impression à la fois mystique et mystérieuse. Cet album magistral réunit onze morceaux enregistrés lors d'une tournée exceptionnelle de neuf jours en compagnie de Sieben, projet parallèle du britannique Matt Howden, ancien violoniste de Sol Invictus, et d'In Gowan Ring, groupe américain de rock psychédélique. Au final, treize personnes de cinq nationalités différentes ont joué ensemble dans quatre pays européens (Suisse, Autriche, Allemagne et Pays-Bas). Avec ses cinq titres inédits, Live 2007 est le témoignage de ces moments intenses et inoubliables. 

Musiciens

Oliver s. Tyr : chant, bouzouki, guitare, nyckelharpa, harpe celtique, saz

Lisa Pawelke : chant, vielle à roue

Fiona Rüggeberg : chant, flûtes, cornemuse, fujara, harmonium

Rüdiger Maul : percussions

Niel Mitra : programmation, claviers

B'eirth ; chant, guitare, luth, harmonica

Matt Howden : chant, violon

Titres

01. Gaia

02. Rad

03. Satyros 

04. Rosmarin 

05. Love's Promise

06. Sahhara

07. Dandelion Wine 

08. Lyansa

09. Aisi Sisikka 

10. Tinta

11. The Trip Goes On

The Kentish Spires - The Last Harvest (2018)

The Kentish Spires - The Last Harvest (2018)

Pourquoi écouter ce disque ?

Nouveau venu sur la scène prog anglaise, The Kentish Spires se démarque de ses contemporains par une approche originale du genre, mêlant influences folk, jazz et psychédélique à des sonorités typées 70's. Signe d'une certaine qualité, ce premier album a été masterisé par Rob Reed de Magenta et est distribué sur son label White Knight Records. Le fondateur du groupe, Danny Chang, est lui-même un proche de Reed. Tous deux ont collaboré ensemble au sein de The Fyreworks il y a une vingtaine d'années (chronique de leur seul et sublime album en cliquant sur ce lien) avec Tim Robinson à la batterie que l'on retrouve ici, sans qu'il fasse pour autant partie intégrante du groupe. Tim est également l'ancien batteur de Magenta. Si Chang s'est occupé des guitares, de la production, du mixage et de l'enregistrement, l'écriture des chansons apparaît comme un travail collectif. Paul Hornsby (instruments à vent), Rik Loveridge (claviers), Phil Warren (basse) et la chanteuse Lucie V ont chacun apporté leur pierre à l'édifice. Cette dernière intrigue par son chant atypique, franchement pittoresque qui, il faut bien l'avouer, demande un certain temps d'adaptation. Une fois le cap franchi, impossible de lui résister lorsqu'elle rend un hommage discret à Clare Torry (Kingdom Of Kent), s'enflamme pour l'histoire ancienne du royaume de Kent (Kingdom Of Kent, Hengist Ridge) comme l'aurait fait Maddy Prior de Steeleye Span, s'interroge sur des questions existentielles (Clarity, Introspection), emprunte des voies mystiques (Spirit Of The Skies), ou s'aventure dans les méandres de la science-fiction la plus occulte (The Last Harvest). Ce disque aux qualités certaines séduit tout autant pour son aspect légèrement "old school" que pour son non-conformisme. 

Musiciens

Lucie V : chant, violon

Danny Chang : guitare, claviers, percussions, chœurs

Rik Loveridge : claviers, guitare

Paul Hornsby : saxophones, clarinette, flûtes

Phil Warren : basse

Tim Robinson : batterie

Helen Williams : chœurs

Titres

01. Kingdom Of Kent 

02. Sprit Of The Skies

03. TTWIG 

04. Introception 

05. Clarity 

06. Hengist Ridge

07. The Last Harvest 

Ciğdem Aslan - Mortissa (2013)

Ciğdem Aslan - Mortissa (2013)

Pourquoi écouter ce disque ?

Dans l'Europe tourmentée des années 20, suite aux vagues migratoires entre la Grèce et la Turquie, est né le rebétiko, forme de musique populaire grecque. Apparu dans les ports de Smyrne et du Pirée, cette musique a été qualifié de "blues de la mer Égée". Apologie du hashish et de l'alcool, valorisation des marginaux, satire politique ou déracinement sont autant de thèmes abordés dans ces chansons poignantes. Principale figure de ce mouvement, Rosa Eskenazi a connu son heure de gloire dans les années 30 durant lesquelles elle enregistre plus de 300 morceaux. A travers les chansons Trava Vre Manga Kai Alani ou Sto Kafe Anan, elle affirme son propre caractère de femme libre et indépendante, qualifié alors de "mortissa". Passant outre les conventions sociales strictes de l'époque, elle n'avait pas peur de s'amuser, fumer, boire, chanter et danser en compagnie des hommes. En hommage à cette figure emblématique, la jeune chanteuse Ciğdem Aslan a choisi d'intituler son premier album Mortissa. Née à Istanbul d'une famille kurde et alévis, et aujourd'hui installée à Londres, Ciğdem fait revivre le temps d'un disque toute une époque révolue, puisant son inspiration dans un répertoire infini, riche en nuances et émotions. 

Musiciens

Çiğdem Aslan : chant

Matt Bacon : guitare 

Nikolaos Baimpas : kanun, santour, mandoline, mandole, baglama, chœurs 

Tahir Palalı : guitare, kopuz, baglama, davul, oud, chœurs

Paul Melas : guitare, chant

Pavlos Carvalho : bouzouki

Odysseas Elia : bouzouki 

Makis Baklatzis : violon

Cahit Baylav : violon 

Meg Hamilton : violon

Vasilis Lemonias : violoncelle

Nikos Angousis-Doitsidis : clarinette 

Susi Evans : clarinette 

Paul Tkachenko : contrebasse, mandoline

Vasilis Sarikis : percussions

Guy Schalom : percussions

Philippos Demetriou : percussions 

Sevtap Işık : chœurs

Titres

01. Aman Katerina Mou

02. Vale Me Stin Agalia Sou

03. To Dervisaki 

04. Bir Allah

05. Pane Gia To Praso 

06. Trava Vre Manga Kai Alani 

07. Ferece 

08. Nenni 

09. Çakıcı

10. Sto Kafe Aman 

11. Uşaklı Kız 

12. Kanarini 

13. S’agapo